Wilsons Dachboden

Batman: The Movie (1989)

2012-01-29T16:29:00.000+01:00

Erinnert sich noch jemand an die Firma Ocean? Die haben in der glorreichen Heimcomputerzeit mit sicherem Geschäftssinn zahlreiche Filmlizenzen aufgekauft und dazu dann Computerspiele auf den Markt gebracht - die sich nicht unbedingt immer wegen ihrer Qualität verkauften, sondern weil sie als Merchandising funktionierten. Die meisten Ocean-Games waren gewöhnliche Action- und Geschicklichkeitsspiele, die auf die Filmfiguren hingetrimmt wurden, und mitunter auch Sammlungen von Mini-Games, die dann verschiedene Situationen aus dem Film ins Gedächtnis riefen. RAMBO, ROBOCOP, LETHAL WEAPON und HIGHLANDER: Ocean war wegweisend darin, wie man aus einer Filmmarke auch spieltechnisch Kapital schlagen kann.

Im Zuge der 1989 grassierenden Batmania - da kam Tim Burtons BATMAN mit Michael Keaton und "Joker" Jack Nicholson auf die Leinwände und spielte mit seinem stilvollen Design im Handumdrehen ein mittelgroßes Vermögen ein - war es also quasi Ehrensache, daß Ocean wieder zuschlagen würde. Wobei die Firma schon 1986 mit dem isometrischen Action-Adventure BATMAN (für den CPC, den MSX und den Spectrum) und 1988 mit dem Seitenscroller BATMAN: THE CAPED CRUSADER (diesmal auch für C64, Amiga und ST) Spiele mit dem maskierten Rächer vorgelegt hatte, die sich aber an keine bestimmte Vorlage außer an das Bat-Universum selbst halten mußten. Für das eher mißverständlich betitelte BATMAN: THE MOVIE (müßte es nicht BATMAN: THE GAME lauten?) mußte die Firma also nun den entsprechenden Kinofilm begutachten und daraus Spielsituationen extrahieren. Das Ergebnis sind quasi vier Einzel-Spiele auf fünf Levels, in denen man Burtons Story von der Entstehung des Jokers bis zu seiner Vernichtung nachspielt.

Level 1 ist eine Plattform-Geschichte, die man mit "Jump'n'Run" bezeichnen würde, wenn man rennen oder springen könnte. Batman schleicht hier auf der Suche nach Ganove Jack Napier durch die Axis-Chemiefabrik und muß sich Napiers Handlanger sowie herumlaufender Polizisten erwehren. Die Fabrik ist ein ziemlich unübersichtliches Labyrinth, und nur selten kann man über Leitern auf höher- und tieferliegende Plattformen klettern - meistens muß man sich stattdessen mit dem Batseil nach oben hangeln, nach unten herablassen bzw. über Abgründe hinweg schwingen. Zu tiefe Stürze sind dabei natürlich ebenso tödlich wie zu viele Treffer durch die Schüsse und Wurfgeschosse der Gegner (die man umgekehrt mit dem Wurf eines Batarangs erledigen kann). Außerdem problematisch: heruntertropfende Säure und natürlich ein Zeitlimit, das den Spieler zwingt, innerhalb von sechs Minuten den richtigen Weg zu finden und Napier zu besiegen - der dann wie im Film in ein giftiges Faß fällt und zum Joker mutiert.

In Level 2 steuert man das Batmobil durch die Straßen von Gotham City und muß innerhalb von zwei Minuten die richtigen Abzweigungen erwischen und zur Bathöhle gelangen. Während die Sequenz auf dem Amiga als 3D-Rennen im Stil von OUTRUN gehalten ist, fährt man auf dem C64 seitwärts scrollend durch die Stadt, weicht dem Verkehr aus und biegt ab, sobald ein entsprechender Pfeil auftaucht (da man in der seitlichen Ansicht also auch nur nach links abbiegen kann, drängt sich mir der Verdacht auf, daß Batman nicht den kürzesten Weg zum Ziel nimmt - oder daß sein Bat-Nawi ein Update vertragen könnte). Das ist nicht ganz easy auf dem Amiga, aber auf dem C64 kein wirkliches Problem für jemanden, der sich schon einmal durch den Münchner Feierabendverkehr gewälzt hat.

Level 3 ist das kleinste Spiel: Der Joker hat diverse Produkte mit giftigen Chemikalien versehen und man muß innerhalb von einer Minute auf einer größeren Auswahl mittels Ausschlußverfahren die drei kontaminierten Objekte finden. Man sucht sich also drei Gegenstände aus und der Bat-Computer verrät einem, wieviele richtige dabei sind - und so arbeitet man sich durch. Als Knobeleinlage ist das ganz nett, aber nicht wirklich als vollwertige Spielstufe anzusehen.

Im vierten Level steuert man das Bat-Flugzeug und muß die mit Giftgas gefüllten Ballons entsorgen, die der Joker auf Gothams Straßen angebracht hat. Dazu muß man mit dem Flieger das Seil kappen, mit dem die Ballons angebracht sind - und weil die Dinger sich bewegen, trifft man gerne mal den Ballon selbst, der dann platzt und Energie abzieht. Auch hier unterscheiden sich die Versionen am Amiga und auf dem C64 dahingehend, daß bei ersterem die Sequenz in 3D gespielt wird, während sie am Brotkasten seitlich scrollend vonstatten geht. Das Zeitlimit ist hier erstmalig einfach eine Anzeige, wie lange man noch Ballons entsorgen muß. Als Zwischensequenz okay, aber auch keine wirkliche Herausforderung.

Level 5 funktioniert nach demselben System wie der erste: Man kämpft sich über diverse Plattformen durch die Kathedrale in Gotham und muß wiederum innerhalb von ein paar Minuten den Joker davon abhalten, mittels Helikopter zu flüchten. Im Gegensatz zum ersten Level gibt es hier noch Bodensegmente, die man nicht berühren darf, und einen viel vertrackteren Aufbau, der einen auch gerne mal im Kreis oder in Sackgassen laufen läßt.

Die wirkliche Herausforderung des Spiels - zumindest in der C64-Version - sind also die beiden Plattform-Levels, die gleichzeitig auch diejenigen sind, die am interessantesten und spannendsten sind. Genaugenommen hätte es gerne mehr von diesen Levels geben können: Mit 10 solcher Spielstufen und einem Verzicht auf die anderen Segmente wäre BATMAN: THE MOVIE ein richtig gutes Spiel geworden, das einen lange auf Trab gehalten hätte. So ist es zwar ein technisch sauberes, kurzweiliges und durchaus schönes Game, aber die einzelnen Herausforderungen sind zu schnell bewältigt - auch wenn Levels 1 & 5 einen eine Zeitlang auf Trab halten - und das Spiel als solches ist zu uneinheitlich. Zumindest stellen die Fahr- und Flugsequenzen am Amiga eine härtere Nuß dar, was der Spieldauer zugute kommt - und dennoch macht das Game stets den Eindruck, als wäre es etwas mit der heißen Nadel gestrickt worden. Was angesichts der Herstellerfirma kein allzu abwegiger Gedanke sein mag.

Natürlich ändert das rein gar nichts an der Tatsache, daß ich Gotham City gerettet habe und jetzt ein Held bin. Kann ja nicht jeder von sich behaupten.

Die Screenshots stammen von der Seite Mobygames und aus dem Blog Planet Bob.

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The Ward (2010)

2012-01-08T17:05:00.000+01:00

Nach Jahren der Ruhepause erscheint ein neuer Film von Horrorlegende John Carpenter auf der Kinoleinwand: THE WARD. In der in den Sechzigern angesiedelten Spukgeschichte wird eine Brandstifterin in eine Nervenheilanstalt eingeliefert, wo sie von einem umhergehenden Geist heimgesucht wird. Auch die anderen Insasinnen haben offenbar schon Begegnungen mit der Erscheinung gehabt, aber das Personal will davon natürlich nichts wissen ... Nach der Sichtung des Films diskutieren Genzels zwei Persönlichkeiten - der Filmliebhaber (Genzel privat) und der Kritiker (Genzel kritisch) - über den Streifen, bevor sie vom Personal wieder aufs Zimmer gebracht werden.

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Genzel (privat): Ein neuer Film von John Carpenter! Ich bin immer noch ganz aufgekratzt!

Genzel (kritisch): Ich auch. Carpenter ist ja nun wirklich ein Regisseur, auf den wir uns beide einigen können. Er bedeutet dir und mir etwas.

Genzel (privat): Aber hallo. Carpenter war der erste Regisseur, den ich bewußt als Regisseur wahrgenommen habe. Natürlich war schon vorher schon klar, daß da jemand den Film leitet: Spielberg, Hitchcock, natürlich. Aber als ich damals - ca. 1994 muß das gewesen sein - diese Reihe mit HALLOWEEN, ASSAULT ON PRECINCT 13, THE FOG und DIE KLAPPERSCHLANGE gesehen habe, hab' ich zum ersten Mal verstanden, was für eine starke Handschrift ein Filmemacher haben kann. Die Tatsache, daß er neben Regie und Buch auch noch komponiert hat, hat ihn natürlich nur noch interessanter gemacht. Und nach all diesen vier dichten, spannenden, aufregenden Meisterwerken habe ich mich dann daran gemacht, all seine anderen Filme aufzuspüren und anzusehen. Letzteres immer und immer wieder.

Genzel (kritisch): Das hat ja dann letztlich dazu geführt, daß ich meine Diplomarbeit über das Gesamtwerk von Carpenter geschrieben habe. "The Films of John Carpenter". Eine umfassende Analyse seiner Filme auf glorreichen 144 Seiten.

Genzel (privat): Anstoß dazu war ja auch dieser alte Artikel in irgendeiner Cinema-Ausgabe, wo Carpenter als ausgebrannt und gescheitert beschimpft wurde ...

Genzel (kritisch): ... und fast all seine Filme nach der KLAPPERSCHLANGE heruntergemacht wurden. Stimmt. Dabei haben auch viele seiner späteren Filme so viel zu bieten. Und selbst seine nicht gar so gelungenen bieten immer noch viele interessante Aspekte, starke Ideen, gutes Handwerk - und sie passen viel mehr in sein Gesamtwerk, als ihnen zugestanden wird, stilistisch wie thematisch.

Genzel (privat): Die sind alle super. Sogar GHOSTS OF MARS.

Genzel (kritisch): Ah, das sag mal lieber nicht zu laut. Du findest den wirklich gut, oder?

Genzel (privat): Ich finde ihn unterhaltsam.

Genzel (kritisch): Aber du fandest ja auch alle POLICE-ACADEMY-Sequels toll.

Genzel (privat): Jaja, jetzt lenk mal nicht ab. Hier geht's um Carpenters neuen Film, THE WARD. Immerhin sein erster Kinofilm seit fast 10 Jahren! Abgesehen von den beiden Fernsehepisoden CIGARETTE BURNS und PRO-LIFE war er ja mehr oder weniger im Ruhestand - und nach eigenen Aussagen schwer ausgebrannt.

Genzel (kritisch): Was man den letzten Werken ja auch ein wenig angesehen hat. CIGARETTE BURNS war ein cleveres kleines Horrorspiel, das thematisch perfekt zu seinem immer noch unterschätzten Spätwerk DIE MÄCHTE DES WAHNSINNS paßt (wann kommt da eigentlich endlich eine BluRay?). Aber GHOSTS OF MARS und PRO-LIFE waren doch nur aufgewärmte Genrefilme, eine Neuauflage von allem, was wir schon oft genug von Carpenter gesehen haben. Nur, um es mit Professor Bömmel zu sagen, nicht so schön.

Genzel (privat): Ja nun, sie funktionieren als Genrefilme. Der eine ein augenzwinkernder Science-Fiction-B-Western, der andere ein Horrorspuk im Stil von DIE FÜRSTEN DER DUNKELHEIT. Handwerklich völlig in Ordnung, und mehr wollen die Dinger ja gar nicht sein. Ist ja auch nicht das erste Mal in seinem Leben - denk an seinen TV-Thriller DAS UNSICHTBARE AUGE.

Genzel (kritisch): Der immerhin eine reizvolle Umkehrung von DAS FENSTER ZUM HOF darstellt und nicht Themen durchkaut, die er schon oft genug zuvor behandelt hat.

Genzel (privat): Und wieder weicht unsere Diskussion nach und nach von dem Film ab, über den wir eigentlich reden wollten. THE WARD. War das für dich nicht genauso aufregend, Carpenters Namen wieder einmal im Vorspann eines neuen Films zu lesen? Meine Güte, was hab' ich dem Film entgegengefiebert.

Genzel (kritisch): Ja, ich war auch aufgeregt. Aber ich hab' versucht, mich da etwas zurückzuhalten. Selbst Carpenter bezeichnet seinen neuen Film erstmal einfach als Fingerübung, mit der er wieder Blut lecken wollte, sozusagen. Er wollte schauen, ob er noch Spaß dran hat, Filme zu machen.

Genzel (privat): Das stimmt und ich glaube ihm das auch. Andererseits paßt die Tiefstapelei aber auch zu einem Mann, der von seinen eigenen Fähigkeiten als Komponist einfach nur sagt, daß er der Billigste sei, den er kriegen könnte. Will sagen: Er würde sich sich eh nie hinstellen und sagen, wie toll der neue Film ist.

Genzel (kritisch): Jedenfalls kann man definitiv sagen, daß der Film zu Carpenter paßt. Es ist ein Carpenter-Film, auch wenn Buch und Musik von anderen stammen. Eine Frau in der Nervenheilanstalt wird von einem Geist heimgesucht: Das ist exakt die Art von isoliertem Setting, in dem er seine Figuren immer wieder gerne aufeinanderprallen läßt. Auch der Einbruch des Übernatürlichen, des "Außer-Gewöhnlichen" in den Alltag sehen wir hier. Und das Personal der Anstalt, das unsere Heldin unnachgiebig mit Tabletten abfüttert und ihr kaum zuhört: Da steckt wieder dieses tiefe Mißtrauen gegen Autorität drin, das sich durch alle Carpenter-Filme zieht - selbst die untypischen wie STARMAN und JAGD AUF EINEN UNSICHTBAREN.

Genzel (privat): Richtig, richtig. Und weil er das Setting kennt, weiß er auch genau, wie er darin eine spannende Geschichte erzählt. Er läßt die Kamera dezent durch die Gänge kriechen, er baut die Spannungskurve so auf, daß du immer neugierig bist - und gleichzeitig verwendet er in der ersten Filmhälfte recht viel Zeit darauf, unsere Verbindung zur Hauptfigur zu stärken, indem wir ihren Alltag durchleiden müssen. Er setzt ein paar schöne Schockmomente ein und hat den ihm so typischen Rhythmus des Films souverän im Griff.

Genzel (kritisch): Ja, da stimme ich dir in allen Punkten zu ...

Genzel (privat): Aber?

Genzel (kritisch): Aber: Wie du schon sagst, kennt er das Setting. Und wir kennen es auch. Die kleine isolierte Gruppe im eingeschlossenen Raum, das hat er doch schon so oft erzählt.

Genzel (privat): Aber noch nicht in einer Nervenheilanstalt, wo einem selbstverständlich niemand glaubt, daß man einen Geist gesehen hat oder daß etwas Merkwürdiges vor sich geht.

Genzel (kritisch): Zugegeben. Unsere Heldin wird damit mehr zur Einzelkämpferin als die Gruppe in Carpenters DIE FÜRSTEN DER DUNKELHEIT, wo ja auch übernatürliche Vorgänge erforscht wurden. Und doch versucht sie dann die anderen Insasinnen zum Team zusammenzuschweißen, um aus der Anstalt zu entfliehen.

Genzel (privat): Das ist wieder das Howard-Hawks-Motiv, von dem du immer redest, oder?

Genzel (kritisch): Jup. Also schön: Das Setting ist nicht wahnwitzig originell, aber hat durchaus einen gewissen Reiz.

Genzel (privat): Und jetzt höre ich wieder ein neues Aber kommen.

Genzel (kritisch): Aber: Trotzdem sticht hier nichts wirklich heraus. Klar ist alles solide gemacht - aber mehr eigentlich auch nicht.

Genzel (privat): Ich gebe ja auch zu, daß ich mir etwas mehr Pfiff erwartet hätte, etwas, das mehr überrascht, begeistert. Aber die Sache nun einfach als "solide" abzutun, klammert ja die Tatsache aus, daß der Film spannend ist. Er funktioniert.

Genzel (kritisch): Und das, hm - sagen wir mal: - etwas billige Aussehen des Geistes hat dich nicht gestört?

Genzel (privat): Naja. Billiges Make-up hat doch den wunderbaren DIE FÜRSTEN DER DUNKELHEIT für dich auch nicht ruiniert, oder?

Genzel (kritisch): Mmmmmmmmmmmmmmmhhhhhhhhhhhhhrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrnein. Nicht wirklich. Aber schöner wär's trotzdem ohne diese Pizzamasken.

Genzel (privat): Reden wir doch mal über das, was am auffälligsten enttäuscht. Der Schluß.

Genzel (kritisch): Ja, aber den können wir ja nun nicht verraten.

Genzel (privat): Dann sagen wir doch einfach mal: Wir haben ihn schon einmal gesehen. In einem schönen Genrefilm aus den 2000er-Jahren.

Genzel (kritisch): Natürlich. Aber ziehen wir die Frage mal so auf: Wäre der Schluß besser, wenn du besagten Genrefilm nicht schon kennen würdest?

Genzel (privat): Puh. Gute Frage. Dort habe ich die Auflösung immerhin als ganz clever empfunden, auch wenn sie gleichzeitig ein gewisser "letdown" war.

Genzel (kritisch): Sind das nicht 95% aller Twists bei Tageslicht betrachtet?

Genzel (privat): Vor allem, wenn sie dir ... hm, wie sage ich das jetzt, ohne den Schluß zu verraten? Vor allem, wenn sie dir verklickern, daß du dich gar nicht um das Schicksal gewisser Figuren hättest kümmern müssen.

Genzel (kritisch): Also wäre hier die Auflösung ebenso eine gewisse Enttäuschung, wenn du sie nicht schon woanders zuerst gesehen hättest. Die Frage ist: Wäre eine "gerade" Auflösung ohne Twist besser? Held lebt, das Böse ist besiegt, alles wird gut - bis auf den obligatorischen Hinweis zum Schluß, daß das Böse irgendwann zurückkehren wird?

Genzel (privat): Schöner wäre doch gewesen, wenn die Grenzen zwischen Realität und Wahrnehmung so weit verschwommen wären, daß du auch als Zuseher nicht mehr sicher weißt, wo du stehst. Wie es DIE MÄCHTE DES WAHNSINNS ja auch schon gemacht hat, und wie es sich bei dem Setting mit der Nervenheilanstalt ja auch angeboten hätte.

Genzel (kritisch): Mensch! Aus dir wird ja noch mal ein richtiger Kritiker!

Genzel (privat): Deswegen weise ich auch gleich nochmal ganz unkritisch darauf hin, daß ich meinen Spaß hatte. Amber Heard spielt prima, Jared Harris als Arzt ist super - will der ihr helfen oder hat er etwas zu verbergen? Mit dieser Frage bietet der Film ja überhaupt einen schönen Überraschungsmoment.

Genzel (kritisch): Stimmt natürlich. Und überall sind Kleinigkeiten drin, die fein gemacht sind. Sieh dir ganz am Anfang die Einstellung an, wo Amber Heard ein Streichholz anzündet, und du glaubst, daß sie im Wald steht - und dann geht die Kamera zurück und wir sehen, daß sie am Fenster eines Hauses steht, das sie gerade in Brand steckt. Das ist schön und ganz schnörkellos erzählt.

Genzel (privat): Tja. Bei aller Kritik bleibt Carpenter unser Held. Oder?

Genzel (kritisch): Immer. Aber wir sind halt auch im Prinzip genau die Falschen, die sich über den Film unterhalten. Wir lieben Carpenter einfach viel zu sehr.

Genzel (privat): Oder wir sind genau die Richtigen, weil wir uns so intensiv mit ihm beschäftigt haben und es auch immer noch tun.

Genzel (kritisch): Mh-mh. Möglich.

Genzel (privat): Und schauen wir uns den Film nochmal an?

Genzel (kritisch): Wir schauen uns alle Filme nochmal an.

Genzel (privat): Aber die von Carpenter am allerliebsten.

The Ward (USA 2010)
Regie: John Carpenter
Buch: Michael Rasmussen, Shawn Rasmussen
Kamera: Yaron Orbach
Musik: Mark Kilian
Darsteller: Amber Heard, Mamie Gummer, Danielle Panabaker, Laura-Leigh, Lyndsy Fonseca, Jared Harris, Mika Boorem

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William Shatner: Shatner Rules (2011)

2012-01-01T16:21:00.000+01:00

William Shatner umarmt die Weltkugel und lächelt dabei zufrieden. Mit seinen 80 Jahren, die man ihm nicht ansieht, scheint der einstige Raumschiffkapitän rühriger zu sein als je zuvor: Er spielt, er schreibt, er dreht, er moderiert, musiziert, sammelt im Vorbeigehen Preise und Anerkennungen ein, und er schreckt nie vor neuen Unterfangen zurück. So bleibt man jung. Und weil nach den beiden Bänden STAR TREK MEMORIES (1993) und STAR TREK MOVIE MEMORIES (1994) sowie seiner Autobiographie UP TILL NOW (2008) eigentlich wenig Bedarf besteht, sein Leben und seinen Werdegang erneut detailliert nachzuzeichnen, ist Shatners neues Buch ganz einfach eine lose Anekdotensammlung, in der ein älterer Herr mit buntem Leben erzählt, was ihm gerade so in den Sinn kommt.

Der Titel SHATNER RULES ist natürlich mehrdeutig: Oh ja, Shatner ist klasse - he rules! - und er regiert die Welt, die er da so schelmisch umklammert. "It's Shatner's world. We just live in it", heißt es ganz vorne und ganz hinten im Buch. Aber aufgezogen ist die lockere Erzählform an humoristischen Regeln, die uns helfen sollen, Shatners Welt zu verstehen und wie er sein zu können. Shatner's Rules, sozusagen. Und die reichen von hilfreichen Hinweisen ("Take some stuff off your résumé") zu Lernerfahrungen ("Don't punch Lee Van Cleef!") hin zu Tips im Umgang mit dem hohen Alter ("Just smile. You're lucky you made it").

Natürlich sind diese "Regeln" weder ernstgemeint noch ein wirklich tragender Bestandteil des Buches, das sich einfach nur anhand dieser "Lebensweisheiten" von Geschichte zu Geschichte bewegt. Letzten Endes erzählt Shatner ganz einfach kreuz und quer aus seinem Leben, wobei nur gelegentlich Episoden auftauchen, die man schon aus UP TILL NOW kennt: SHATNER RULES ist primär so etwas wie ein Update zur Autobiographie, ein heiterer Rückblick auf alles, was der gute Mann in den letzten drei Jahren so gemacht hat, und als Bonus gibt es ein paar witzige Begebenheiten, die vielleicht im vorigen Buch keinen Platz fanden oder ihm erst kürzlich wieder eingefallen sind.

Weil Shatner so hochaktiv an allen Fronten ist und mit der ihm eigenen Selbstironie und Nonchalance plaudert, ist diese Ansammlung von Anekdoten keine Sekunde langweilig und stets vergnüglich zu lesen. Shatner berichtet von seiner Teilnahme am Comedy Central Roast (über den ich hier geschrieben habe) und schießt ein paar augenzwinkernde Worte zu den Boshaftigkeiten zurück, die er sich dort anhören mußte; er erzählt von seiner neuerlichen Fehde mit Sulu-Darsteller George Takei und erklärt nach viel Spott über die Vorwürfe, die ihm seine ehemaligen STAR-TREK-Kollegen immer wieder gemacht haben, daß er sich nun schon oft genug entschuldigt hätte, und daß sie alle doch mittlerweile schon so alt seien, daß sie gar nicht mehr viel Zeit hätten, sich noch zu versöhnen; und er redet über die Aufnahmen zu seinem neuen Album SEEKING MAJOR TOM, auf dem er mit veritabler Allstar-Besetzung Rocksongs covert und für das er einen Honorary Headbanger Award bekam. Sein Platzreservierungsschild bei dem dazugehörigen Event (Aufschrift: "Reserved for Metallica & William Shatner") hat seine Frau als Andenken mitgenommen - die abgeleitete Regel: "Settle for second billing only if the top-billed act can beat you up".

Und was der Mann nicht alles macht und gemacht hat! Zwei Talkshows, Auftritte hier mit Soloprogramm, Auftritte dort bei Conventions, Ehrendoktor an seiner alten Universität, eine Sitcom, eine Doku über die Schauspieler, die als STAR-TREK-Kapitän fungierten, und und und. Die Erzählungen darüber sind deshalb nie Angeberei, weil er gerne mit seinem großen Ego kokettiert (das ihm ja gerne vorgeworfen wird) und gleichzeitig beständig Einschübe macht, wo er darauf hinweist, daß ihn seine Kinder und Enkelkinder über alles aufklären mußten - zum Beispiel über die Tatsache, daß sein Gesangspartner auf "Common People", Joe Jackson, keinesfalls der Vater der Jackson 5 ist.

Zwischen all der Plauderei und den Witzeleien tauchen auch einige ernste Gedanken auf. Zum Beispiel über die Tatsache, daß sich Shatner mit seinen 80 Jahren durchaus im Klaren darüber ist, daß er nicht mehr unendlich viel Zeit auf unserem Planeten hat. In einem Kapitel macht er sich Gedanken über den Tod und gibt auch zu, daß er Angst davor hat. Sein Ratschlag? "Get out of bed." Aktiv bleiben. An anderer Stelle erzählt der begeisterte Hobbyreiter Shatner davon, warum er Pferde so gerne mag. Er läßt auch immer wieder einfließen, wie sehr er seine Familie und seine Freunde liebt. Und selbst in den heiteren Anekdoten kann man zwischen all der Ironie und den Seitenhieben herauslesen, daß er durchaus stolz ist auf seine Arbeit: seine Schauspielerei, seine Talkshows, und auch sein seinerzeit so vielfach verspottetes Album THE TRANSFORMED MAN.

Eine von Shatners Regeln - wohl nicht umsonst gleich die in Kapitel 1 genannte - ist dann doch eine echte Regel, und Shatners Erzählungen machen klar, wie sehr für ihn diese Regel eine Lebensphilosophie ist und wie sehr sie sich immer wieder bezahlt macht: "Say 'Yes'". "Ja" sagen zum Unbekannten, zum Abenteuer, zur Herausforderung. "Ja" sagen dazu, ein Konzeptalbum mit Spoken-Word-Versionen von Popsongs aufzunehmen. "Ja" sagen dazu, nochmal den täglichen Trott einer Fernsehserie mitzumachen. "Ja" sagen dazu, sich bei einem Roast ins Kreuzfeuer zu stellen. Shatner erzählt immer wieder, was ihm all diese Unterfangen Positives beschert haben: Neue Sichtweisen, neue Freunde, neue Möglichkeiten. Selbst wenn er, wie im Fall von TRANSFORMED MAN, über 30 Jahre darauf warten mußte.

Und das ist vielleicht auch der Grund dafür, daß sich SHATNER RULES gar nicht so sehr wie ein Rückblick anfühlt oder wie die Erinnerungen eines betagten Schauspielers: Shatner blickt weiter nach vorn, auf zukünftige Abenteuer, und alles, wovon er berichtet, scheint nur der Auftakt für seine kommenden Unternehmungen zu sein. Wieviele 80-jährige gehen denn ihr Leben noch immer mit so viel Entdeckungsfreude und Tatendrang an?

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Im Reich der Amazonen (1986)

2011-12-17T12:21:00.002+01:00

Ach, wären die Achtziger doch nie vorübergegangen. Da knallt ein erfolgreicher Fantasyfilm ins Kino, und schon haben B-Movie-Produzenten rund um die Welt über Jahre hinweg damit zu tun, simpel gestrickte Abenteuerfilme ins Leben zu rufen, in denen Muskelmänner, leichtbekleidete Frauen und billigst maskierte Kreaturen den sagenumwobenen Gegenstand X finden und damit den unliebsamen Zauberer Y besiegen müssen. Viel Wald, ein bißchen Wiese, drei mal Plastikschwerter aufeinandergekloppt und eine Prise Feuer und Rauch obendrein - so läßt sich eine ganze Dutzendschaft von Fantasyquickies zusammenfassen, die großteils aus Italien stammten, aber vielfach auch aus Amerika oder - wie im Fall von AMAZONS, zu Deutsch IM REICH DER AMAZONEN - aus Argentinien.

"Ein Machwerk, das nur dralle Oberweiten und erbärmlichste Action zeigt", schreibt die Website von Cinema, und sicherlich bin ich nicht der einzige, der bei diesen Worten den Film sofort sehen möchte - vor allem, wenn er von denselben Menschen stammt, die schon hinter BARBARIAN QUEEN, WIZARDS OF THE LOST KINGDOM, THE WARRIOR AND THE SORCERESS und DEATHSTALKER steckten, die allesamt mit exakt denselben Worten bedacht werden könnten und trotzdem, wie so vieles aus der Produktionsstätte von Roger Corman (der diese Streifen aufgekauft und vertrieben hat), höchst unterhaltsame Schnellschüsse waren, deren Sparproduktionen einen nicht zu unterschätzenden Trash-Charme versprühen. Meine Güte, die Kurzgeschichten von Robert E. Howard waren ja auch nur Pulp.

Gut. In AMAZONS will also der finstere Zauberer Kalungo einem Amazonenstamm (der nicht rein weiblich ist und seine Männer auch keinesfalls unterdrückt) den sogenannten "Spirit Stone" wegnehmen, der irgendwelche Kräfte besitzt, die mir innerhalb der zwei Tage, seitdem ich den Film gesehen habe, auch schon wieder entfallen sind. Wir sehen Kalungo gleich zu Beginn, wie er neonblaue Blitze aus dem erhobenen Finger schießt, die dann bei der Bevölkerung mit der Schlagkraft eines Chinaböllers Angst und Schrecken verbreiten. Die Amazonenschaft kann den Stein aber in Sicherheit bringen, und nachdem der gute Zauberer des Stammes eine Art Spiegelzeremonie vollzogen hat, verkündet er, daß Kalungo nur mit dem Schwert von Azundati besiegt werden kann. Also werden zwei Amazonenkriegerinnen ausgewählt, besagte Waffe irgendwo jenseits der verborgenen Hügel zu finden.

Dyala, Amazone Nummer 1, hat bei dem Spiegelhokuspokus das Schwert gesehen und ist somit auserwählt, es entgegennehmen zu können. Tashi, die zweite Amazone, wird als Verstärkung mitgeschickt, aber hat insgeheim den Auftrag, Dyala zu töten - Tashis Mama, die verwirrenderweise höchstens Ende 20 zu sein scheint und ohne die Anrede "Mutter" als ihre Schwester durchgegangen wäre, hat sich nämlich vor vielen, vielen Monden mit Dyalas Mutter gekabbelt, wobei Tashis Mami die Hand und Dyalas Mutti das Leben verloren hat. Abgesehen davon ist Tashimama die Hausfreundin von Kalungo, wie wir bei dezent beleuchteten und lang ausgespielten Liebkosungen in Kalungos Hauptquartier erfahren dürfen.

So stürzen sich Dyala und Tashi also ins Abenteuer, das zunächst mal daraus besteht, daß sie nackt baden gehen und ein wenig im Wasser herumplantschen, während sie von lüsternen Statisten mit undefinierbaren Masken beäugt werden. Als die Mädels wieder an Land gehen, greifen die Jungs dann prompt an, aber die Frauen wissen sich zu wehren und verprügeln die Herren, und freilich erhöht die Tatsache, daß die Frauen dabei immer noch halbnackt sind, nur den Realismus des Prozederes. Im selben Gedankengang dürfen wir auch Kalungos Hauslöwin lobend erwähnen, die er mit der Mission losschickt, die Amazonen zu töten, und die sich dann in eine hübsche Frau verwandelt, die außer dem Halsband nichts anhat. Da hatten die Filmemacher ein genaues Auge auf die Glaubwürdigkeit des Geschehens.

Nur wenig später wird Tashi zusammen mit einer Gruppe Oben-Ohne-Hippies von einer finsteren Schurkenbande gefangengenommen, die die Mädels des Nachts an ihren Baumgott (Baumdämon?) verfüttern wollen - da glibbert irgendwas Augenähnliches in der Höhe, und die Frauen werden von den Ästen festgehalten und von einer Art Hohepriester umgebracht. Dyala macht sich daran, diverse Fallen für die üble Bande aufzubauen - mit gespannten Seilen und Schußanlagen und so weiter - und das dauert so lange, daß es darüber Nacht wird und alle Frauen bis auf Tashi geopfert werden. Aber dann schreitet Dyala ein, befreit ihre Weggefährtin und erledigt die Horde Rabauken mit ihrem gigantischen Fallenarsenal. Tashi kriegt ob der Lebensrettung natürlich prompt Gewissensbisse, weil sie ja eigentlich von Mama den Auftrag hat, Dyala später noch umzubringen.

Kurz darauf stehen die beiden Frauen am Waldesrand und blicken auf die sich von einem Ende des Horizonts zum anderen erstreckende flache Ebene. "Bis zu den versteckten Hügeln ist es sicher noch sehr weit", schlußfolgert Dyala in deduktiver Brillanz. Aber schon kommt ein Pferd angetrabt, und die Mädels wissen: Dem müssen sie folgen. Mir persönlich wäre es ja auf Dauer zu blöd, einem Pferd hinterherzulaufen, aber offenbar will das liebe Tier auch gar nicht, daß die beiden Frauen aufsitzen.

Das Pferd führt Dyala und Tashi also zu einer Hütte, wo eine Frau mit grauen Haaren lebt und sich offenkundig den Tag damit vertreibt, halbgare Prophezeiungen auszusprechen. "Folgt der Ebene bis zu den Hügeln, dann folgt den Hügeln bis zu der Wunde in der Erde", weist sie die beiden Schwertsuchenden an, aber für die Angabe einer Himmelsrichtung reicht die Liebe dann wohl doch nicht. Dafür erklärt sie mit ernstem Blick, daß drei zum Schwert kommen werden, aber nur einer zurückkehren wird. "Wir sind aber nur zwei", staunt Tashi, aber die Schlußfolgerung, daß Kalungo eventuell auch jemanden zum Schwert geschickt haben könnte, will sich den beiden Frauen nicht im Entferntesten aufdrängen. Und trotz der dramatischen Vorhersagen richtet sich meine Aufmerksamkeit beharrlich auf das knappst konzipierte Kostüm unserer Heldinnen.

So laufen sie also über die Ebene, kommen zu irgendwelchen Hügeln - die flach genug sind, daß man erahnt, warum sie "die versteckten Hügel" genannt werden - und sehen eine Höhle (die Wunde in der Erde! Wer hätte es geahnt?), die sie aber nur erreichen können, indem sie eine Schlucht überqueren. Das funktioniert so: Dyala hackt ein bißchen Gestrüpp klein, knotet alles zu einer dicken Liane und bindet diese dann an einen Stein, den sie über die Schlucht wirft. Der Stein verhakt sich auf der anderen Seite mit zwei anderen Steinen, und beide Amazonen können zu dramatischer Musik über die Schlucht hangeln. (Daß die Liane dann eindeutig ein Seil ist, schadet dem Realismus der Vorgänge natürlich fast gar nicht.)

In der Höhle finden die Mädels flugs das Schwert von Azundati - woraufhin Tashi zum Dolch greift, um ihrer mütterlich indoktrinierten Mission nachkommen zu können. Aber in einem Anflug von Schauspielerei zeigt uns ihr Gesichtsausdruck, daß sie Dyala eigentlich gar nicht töten will. Und so senkt sie das Messer wieder, und Dyala umarmt sie mit den Worten "Du würdest doch eine Freundin nicht umbringen". Bevor die Frauenfreundschaft aber kuschelnd intensiviert werden kann, taucht Kalungos Löwin auf - die mit einem Messer nach Tashi wirft und sie damit umbringt. Vor lauter Tragik über die Kurzlebigkeit dieser Freundschaft wundere ich mich auch nur eine Sekunde lang, wie so ein Löwe eigentlich ein Messer tragen kann.

Nach kurzer Rangelei muß die Löwenfrau auch schon das Zeitliche segnen - immerhin wurden dem Kampf ein paar Einstellung mit einem echten Tier spendiert! - und Dyala läuft mitsamt dem Schwert zurück zu der alten Frau, die sich jetzt als Azundati höchstselbst outet und der Amazone ihr Pferd schenkt, mit dem diese durch Zeit und Raum fliegen und somit rechtzeitig zu ihrem Dorf zurückkehren kann. Das befindet sich nämlich schon im Kampf mit Kalungo - wobei die Kampfstrategie meiner bescheidenen Meinung nach unvorteilhaft formuliert wurde: Der Dorfmagier fängt mit vorgehaltenem Spirit Stone die neonblauen Blitze auf, die aus Kalungos Hand schießen, und alle Kämpfer um ihn herum warten, wie lange das der nette Magier wohl aushält. Nach minutenlangem Beschuß geht der Zauberer zu Boden, und erst dann greifen die KriegerInnen Kalungos Festung an. Ich kenne mich ja da nicht aus, aber hätte es nicht Sinn gemacht, eine Attacke zu starten, während der Magier Kalungo Widerstand leisten kann ...? Jaja, ich weiß: Was verstehe ich denn schon davon.

Während des Gerangels eilt Dyala also auf hohem Roß durch eine Art Zeit-und-Raum-Tunnel - der verdächtig nach dunklem Wald aussieht, der mit Blitzen aufgehellt wird und durch den Geister schwirren. Und wenn ich "Geister" sage, meine ich natürlich "Bettlaken". Und ein Kerl mit lilafarbenem Umhang und grünem Gesicht reitet da auch durch, aber Dyala kann ihn unbeeindruckt niederschlagen und kommt fliegenden Hufes im Kampfgeschehen an, wo sie sich gleich Kalungo vorknöpft. Kurz, bevor sie dem armen bösen Magier den Kopf abschlägt, kriegt auch sie einen schauspielerischen Anfall und brüllt ihren Feind plötzlich mit aufgerissenen Augen an - was sich dann fortsetzt, als sie Kalungos Kopf den kämpfenden Massen präsentiert und mit hysterisch verzerrter Stimme verkündet, daß der Kampf vorbei sei. Da sehen wir es wieder: Zuviel Gewalt hinterläßt auch bei der ausgeglichensten, mimisch unbeweglichsten Amazone psychische Narben.

Jetzt könnte ja eigentlich schon alles gut sein, aber freilich muß sich Tashis Mutti ja noch für den Tod ihrer Tochter rächen. Das macht sie, indem sie eine Axt in Dyalas Lebensbaum schlägt. Das mißfällt Dyala, die sich vor Schmerzen windet und doch genug Kraft findet, Tashi mit dem Schwert zu bekämpfen. Dann schafft es die Mama aber, den Baum komplett zu fällen, und aus einem nicht näher erläuterten Grund macht das Dyala überhaupt nichts aus - während Tashis Mutti von dem umstürzenden Baum erschlagen wird. Hätte sie mal doch bei der Holzfällerausbildung nicht immer nur von der Sitznachbarin abgeschrieben!

Und wer jetzt traurig ist, weil so viele schöne Frauen sterben mußten, der wird sich sicher darüber freuen, daß Dyala zur Hütte von Azundati zurückkehrt und dort eine quicklebendige Tashi vorfindet, die erläutert, daß Azundati jetzt gegangen ist und erklärt hat, daß ihr Werk vollbracht sei. "Tut mir leid wegen deiner Mutter", leitet Dyala zum schwierigen Teil der Konversation über. "Mir nicht", sagt Tashi mit ernstem Gesicht. Und dann lächeln sich die Mädels an. Alles ist gut. Endlich haben sie Zeit, sich fertig an- oder auszuziehen.

Im Reich der Amazonen (Argentinien 1986)
Originaltitel: Amazons
Regie: Alex Sessa
Drehbuch: Charles Saunders
Darsteller: Windsor Taylor Randolph, Penelope Reed, Joseph Whipp, Danitza Kingsley

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Gaudi in der Lederhose (1977)

2011-12-16T14:16:00.002+01:00

"Au weh zwick", sagt ein guter Freund von mir gerne in tiefstem Niederbayrisch, wenn sich das Unglück schon abzeichnet. Die Worte scheinen mir auch die treffendendsten zu dem vorliegenden - das nächste Wort können wir nur unter Aufwendung allergrößter Großzügigkeit verwenden: - Spielfilm zu sein, der da GAUDI IN DER LEDERHOSE heißt, obwohl von Gaudi wirklich nicht im Entferntesten die Rede sein kann. Der 1977 veröffentlichte Sparschweinfilm wurde von Jürgen Enz gedreht, den wir schon im Zuge des Peter-Steiner-Sexklamauks DIE NEUEN ABENTEUER DES SANITÄTSGEFREITEN NEUMANN kennenlernen durften, und dessen Filmographie sich durch die Bank in einschlägigem Terrain bewegt.

Dabei fängt ja alles noch ganz harmlos an. Der Knecht Karl wird in die Großstadt geschickt, um den Onkel Fritz vom Bahnhof abzuholen. Kaum in München angekommen, flaniert Karl auch schon in einen Sexshop, wo er die zahlreichen ausgelegten Magazine mit den Worten "Do legst di nieder" kommentiert. Die Verkäuferinnen des Ladens machen Karl auch gleich Avancen, aber daß die forschere der beiden auch gleich ihre Oberweite zur Begutachtung auspackt, scheint den Mann vom Land dann doch eher zu verstören, weshalb er flotten Fußes die Flucht ergreift. Leider ist nicht ersichtlich, wie dieser spannende Laden heißt, aber Suchfreudigen sei als Hinweis verraten, daß er sich in der Nähe vom Odeonsplatz befinden muß, der anfangs in einem Establishing Shot gezeigt wird. Man könnte natürlich Pech haben und auch heute noch dieselben beiden Damen dort antreffen.

Karl geht also zum Bahnhof und wird dort von einer beleibten Frau angesprochen, die er fragt, ob sie der Onkel Fritz ist. In Wahrheit ist sie aber natürlich Tante Trudchen, und mit Fritz im Schlepptau gehen die drei dann flott noch in ein Striplokal, wo Trudchen sozusagen handgreiflich wird und Karl unter der Lederhose befingert. Karl wehrt sich nicht wirklich, aber er sieht ungefähr so aus, als wollte er gleich "au weh zwick" sagen.

Nach nur kurzem Schnitt sitzen Karl, Fritz und Trude auf dem Nachhauseweg auf einer Bank im Grünen, wobei die beiden Männer der dicklichen Dame jeweils von links und rechts an die blanke Brust greifen. Eigentlich schön, wenn so schnell Freundschaften intensiviert werden - aber ganz gleichberechtigt geht die Veranstaltung dann doch nicht weiter, weil sich Fritz und Trudchen im Gras vergnügen, während Karl von der Bank aus zusehen und sich um sich selbst kümmern muß. Nun würde ich es ja theoretisch sofort unterschreiben, daß sich nicht jede in den Medien gezeigte Frau an die knallharte Schönheitsdiktatur anzupassen braucht - aber praktisch gesehen wäre ich wohl ausgeglichener geblieben, wenn ich die pummelige Trude nicht so ausgiebig nackt hätte herumturnen sehen. Merke: Sexfilme sind nicht der geeignetste Startpunkt, um mehr Akzeptanz für beleibte Mitmenschen zu erwirken.

Auf dem restlichen Weg nach Hause ereignet sich dafür gleich die schönste -- nein, wartet mal -- die einzig schöne Szene des gesamten Films. Der Dorfdepp Wasti (gespielt vom späteren TATORT-Kommissar Dietz Werner Steck!) kommt hinter dem Pferdewagen hergeradelt und geht mit debilem Grinsen folgenden Dialog mit Karl ein:

Wasti: Woaßt, wos is'?
Karl: Na?
Wasti: I scho! A Ries'nkroch is'!
Karl: So?
Wasti: Woaßt, wo?
Karl: Na?
Wasti: I scho! Bei der Beirin!

Ob ich eine Übersetzung für unsere nicht des Bayrischen mächtigen Leser anbieten sollte? Na schön:

Sebastian: Weißt du, was los ist?
Karl: Nein?
Sebastian: Ich schon! Ein Riesenkrach hat stattgefunden!
Karl: Ach so?
Sebastian: Weißt du, wo?
Karl: Nein?
Sebastian: Ich schon! Bei der Landwirtin!

Zum Abschluß fährt der gute Wasti mit seinem Fahrrad noch in den Straßengraben und fällt von seinem Gefährt, woraufhin er zu Protokoll gibt: "Kaum denkst an die Weiber, scho' liegst am Orsch".

Angesichts soviel neorealistischer Zeichnung des landwirtschaftlichen Alltags wollen wir auch gar nicht detailliert auf die folgenden vielen Filmminuten eingehen, in denen sich der Frohsinn so ganz und gar nicht einstellen mag. Die Figuren vergnügen sich mühsam miteinander, und die Kamera filmt das Prozedere bleiern statisch ab. Freilich würde es helfen, wenn einige der Menschen, die sich hier fast pathologisch entkleiden, nicht derart unattraktiv wären, daß man sie selbst angezogen gar nicht sehen wollte. Aber selbst die paar Darsteller, die nicht nur ein Gesicht für's Radio haben, plagen sich in und mit ihren Szenen so freudlos ab, daß man sich ein Voiceover von Oswalt Kolle herbeisehnt, der den Jungs und Mädels endlich mal erklärt, wie es stattdessen gehen könnte.

Die Wirkung dieses qualvollen Films, in dem sich eine Bäuerin irgendwann großes Gebäck an Stellen klemmt, wo es bestimmt nichts verloren hat, und ein großer Knecht mit dem Gesicht voran im Pferdemist landet, läßt sich wohl am ehesten an der Reaktion eines nichts ahnenden Probanden demonstrieren, der hier aus Gründen der Anonymität nur mit dem Namen "Peter L." genannt werden soll. Der hat nach langen Minuten, in denen er sich wohl die nächste betäubungslose Wurzelbehandlung herbeigesehnt hat, deklariert: "Ich möchte nie wieder Sex haben". (Konsequenterweise werde ich mich natürlich bemühen, Peter L. regelmäßig an diesen Vorsatz zu erinnern, und hoffe zusätzlich, daß er diesen Text zur Stärkung des Rückgrats ausdrucken und stets bei sich tragen wird.)

Und ich sehe es natürlich kommen: Wie so oft werden eifrige Leser meine warnenden Worte als Empfehlung mißverstehen. Nun gut, dann rennt mal los und schaut euch das Spektakel an. Aber für ein etwaig traumatisiertes Liebesleben übernehme ich keine Verantwortung.

Es sei übrigens noch darauf hingewiesen, daß der Film den Eindruck macht, als gäbe es eine noch längere Fassung mit expliziteren Szenen. Ich bitte um Entschuldigung, daß ich mich nicht sofort auf die Suche danach begebe. Sollte jemand im Besitz dieser Version sein ... au weh zwick.

Gaudi in der Lederhose (Deutschland 1977)
Regie: Jürgen Enz
Darsteller: Christa Abel, Karl Schwarzmayer, Sepp Gneissl, Ginny Noack, Emma Seidl, Dietz Werner Steck

FSK: 16

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Mike Gayle: Life & Soul of the Party (2008)

2011-11-29T16:01:00.000+01:00

Eine Gruppe von langjährigen Freunden, ihre Beziehungsprobleme und die Beobachtungen darüber, wie sich Freundschaften über die Jahre verändern: Es klingt nach einer etwas wehleidigen Buchversion des Films DER GROSSE FRUST, dessen Grundprämisse - eine Reihe von Charakteren in ihren Dreißigern erinnert sich an die guten alten Zeiten und gleicht die damaligen Vorstellungen mit der heutigen Realität ab - ja immer wieder gerne erzählt wird, für jede Generation, für jede mögliche neue Figurenkonstellation. Aber Mike Gayles achter Roman aus dem Jahr 2008 fühlt sich ganz anders an als die im Damals eingefrorenen Krisenmenschen von Kasdans Geschichte - er erzählt mit viel Witz und souveräner Konstruktion eine bittersüße Ensemblegeschichte über die mit der Liebe verbundenen Hoffnungen und Enttäuschungen.

LIFE AND SOUL OF THE PARTY dreht sich prinzipiell mal um drei Paare - obwohl deren Beziehungsgeschichten kompliziert genug sind, daß man noch einige weitere Paare hinzurechnen müßte. Da gibt es Melissa, die zwar mit Billy zusammen ist, aber ihrem Exfreund Paul hinterhertrauert - obwohl der sie schon längst abserviert hat und jetzt mit der viel jüngeren Hannah zusammenlebt. Dann sind da die seit 10 Jahren verheirateten Chris und Vicky, die zusammen ein Kind haben und zufrieden in ihre Zukunft schauen - bis Chris eine Affäre mit Polly anfängt, der Freundin seines Freundes Tony. Das dritte Paar sind Cooper - der Bruder von Chris - und Laura: Cooper plant Hochzeit und Hauskauf, während Laura das Gefühl nicht loswird, noch einmal frei sein und um die Welt reisen zu wollen.

Die Geschichte dieser Personen (und derer, die sonst in ihrem Beziehungsgeflecht verstrickt sind) wird anhand von einigen Parties aufgezogen, bei denen alle zusammentreffen und wir über ihre Erzählungen erfahren, was in der Zwischenzeit passiert ist. Das Buch beginnt mit der Hauseinweihungsparty von Melissa und Billy, wo Melissa einen Anruf kriegt, daß Paul bei einem Autounfall ums Leben gekommen ist, und springt dann ein knappes Jahr zurück zu einer Neujahresfeier, wo Paul ihr gerade erklärt, daß er sie doch noch liebt und mit ihr zusammen sein will. Erzählt werden die Figuren abwechselnd aus der Ich-Perspektive: Einige Seiten lang erzählt Melissa, danach wechselt die Erzählung zu Vicky, dann zu Billy, danach zurück zu Melissa - und so baut sich nach und nach ein Bild der verschiedenen Beziehungen zusammen, bis dann die Party vorbei ist und wir einen Monat nach vorne springen, zur nächsten Feier. Neben den genannten Figuren blicken wir für einige Abschnitte ebenso in die Köpfe von Chris, Hannah und Cooper.

Das mag kompliziert und mühsam klingen, aber die leichte erzählerische Hand von Gayle zeigt sich daran, daß es in der Tat schon nach ein paar Seiten Eingewöhnung absolut einfach und auch spannend ist, dem Geschehen zu folgen. Und das nicht nur trotz der springenden Erzählperspektiven, sondern auch trotz nicht immer im Hier und Jetzt angesiedelter Geschichten: Mitunter besteht der Part einer Figur hauptsächlich darin, sich für einige Seiten lang an etwas zu erinnern, das früher passiert ist, und das für uns so ein anderes Licht auf die Gegenwart wirft. Die Konstruktion ist dabei nie erzwungen oder anstrengend, sondern erlaubt es uns im Gegenteil, alle Figuren besser kennenzulernen, ihre Gründe und Bedürfnisse besser zu verstehen - und manchmal sogar, einen Moment aus zwei Blickwinkeln zu betrachten, wenn etwa in einem Gespräch zwischen Melissa und Chris zunächst erstere und dann plötzlich letzterer der Erzähler ist und wir sowohl verstehen, warum Melissa vor den Kopf gestoßen ist, als auch mitbekommen, daß Chris das gar nicht wollte.

Nach nur kurzer Zeit puzzelt sich so also nicht nur ein komplexes Bild der Beziehungen ab, die die Figuren untereinander haben, sondern die einzelnen Charaktere werden einem auch sehr vertraut und man nimmt Anteil an ihren Geschichten. Und auch hier erzählt Gayle absolut souverän: Wo die Geschehnisse in der Zusammenfassung eine klischéehafte Seifenoper suggerieren, sind die Liebesprobleme der Figuren in Wahrheit scharf beobachtete und perfekt eingefangene Episoden aus dem Leben. Da ist manches witzig, einiges tragisch, und vieles irgendwo dazwischen, und es ist stets so eingefangen, daß sich ein Wiedererkennungseffekt einstellt. Und auch wenn Gayle ein Romantiker ist, der seine Figuren gerne an die große Liebe glauben läßt: Er macht es ihnen nie einfach und konzentriert sich hauptsächlich auf die Enttäuschungen, die die unerwiderte Liebe mit sich bringt.

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Ohne Limit (2011)

2011-11-28T20:24:00.000+01:00

Eddie Morra ist ein Verlierer. Er zieht im abgehalfterten Grunge-Look durch die Bars und erzählt den Leuten von seinem Roman, an dem gerade arbeitet - nur daß sein Konzept dafür pure Schwafelei ist und er dank Faulheit und träger Disziplin noch nicht ein einziges Wort dafür zu Papier, beziehungsweise zu Monitor, gebracht hat. Und dann gibt ihm auch noch seine Freundin den Laufpaß, und auf die Frage nach dem Warum kann er von ihr nur einen gleichzeitig vorwurfsvollen wie mitleidigen Blick ernten. Der Mann ist ein sinkendes Schiff.

Dann trifft er auf der Straße einen alten Bekannten - den Bruder der Frau, mit der er zu College-Zeiten kurz verheiratet war. Der war damals Drogendealer und schiebt Eddie jetzt eine durchsichtige Pille zu, die die Lösung seiner Probleme sein soll: Das Wundermittelt hilft dabei, statt der üblichen 20% die kompletten 100% des Gehirns verwenden zu können. Und das funktioniert fast wie ein Lichtschalter: Nach Einwurf der Droge kann sich Eddie an alles erinnern, was sein Gehirn je irgendwo registriert hat; er kann alle notwendigen Schlußfolgerungen in Sekundenbruchteilen ziehen; er tippt seinen Roman in nur vier Tagen herunter und schafft einen genialen Bestseller; er lernt in kürzester Zeit Sprachen, kann komplexe Mathematik anwenden und sich in nur ein paar Stunden Börsenwissen aneignen, das ihn zum vielfachen Millionär macht.

Die Prämisse ist brillanter Eskapismus: Natürlich ist es eine reizvolle Vorstellung, solche Bestleistungen mühelos stemmen zu können, ohne all die Jahre voller Erfahrung und Arbeit hineinstecken zu müssen, die auch nur Teile davon eigentlich benötigen. Und freilich lebt man Eddies aufregenden Rausch genußvoll mit, der ihm alle Wünsche erfüllt und ganz nebenher erlaubt, die Menschen um ihn herum mit seinem Wissen und seinem unbekümmerten Charme einzuwickeln: Da tauchen die lukrativsten Jobangebote plötzlich wie von selbst auf, während sich die schönsten Frauen Eddie praktisch vor die Füße werfen und auch die enttäuschte Ex-Freundin staunend ihre Entscheidung überdenkt und prompt mit Eddie zusammenziehen will.

Dabei stört es kaum, daß die Grundidee eigentlich Humbug ist: Es wird viel Gewicht auf die plötzliche Erinnerungskraft gelegt, obwohl eine pure Speicherung von Daten niemanden zum Genie macht - es wäre die Anwendung und Einordnung der Daten, ohne die man ja auch Fehlinformationen für bare Münze nehmen würde. Und genausowenig würde alle Intelligenz der Welt die plötzliche Tippwut nicht zum großen literarischen Wurf machen, der ja nicht rein aus einer kognitiven Leistung heraus entsteht, sondern aus dramaturgischem Gespür, Sprachgefühl, Erzähltalent, kreativem Impuls und - nun ja - Erfahrungswerten, die eben nur über die Zeit gesammelt werden können. Ganz mal abgesehen davon, daß die 20%-Geschichte (üblicherweise wird ja von 10% geredet) New-Age-Quatsch ist, der gerne von Scientologen erzählt wird, um zu zeigen, daß wir höhere Bewußtseinsstufen erreichen könnten.

Es ist dem Film hoch anzurechnen, daß man über derlei Grundprobleme flott hinwegsieht - zu süß ist der anfängliche Rausch und zu spannend ist der Thriller, der sich nur wenig später daraus entwickelt: Den Ex-Schwager, der ihm die Droge verschafft hat, findet Eddie nämlich nach kurzer Zeit tot auf, und obwohl er einen enormen Vorrat an Tabletten mitnehmen kann, bevor die Polizei auftaucht, ist doch klar, daß hinter dem Stoff Menschen her sind, die über Leichen gehen. Zumal bei Eddie plötzlich Aussetzer festzustellen sind - er hat quasi Blackouts und muß feststellen, daß sein Körper ohne die Droge lebensbedrohliche Entzugserscheinungen zeigt.

Neil Burgers Inszenierung fängt Eddies Trip in aufregenden Bildern ein. Im Normalzustand ist die Welt in trübe, blaugraue Töne getaucht, aber nach eingeworfener Tablette erstrahlt alles in warmem Licht und Eddies blaue Augen leuchten in die Kamera. Auf Droge bewegt sich alles, die Schnitte sind hart, der Technoscore pumpt - und überall versetzen visuelle Kniffe uns in Eddies Kopf hinein: zum Beispiel eine rasante Kamerafahrt durch die Straßen von New York, die im Prinzip nur ein nie aufhörender schneller Zoom in ein sich bewegendes Bild ist, oder golden herabregnende Buchstaben, wenn Eddie seinen Roman schreibt, die teilweise wie Schneeflocken auf Tisch und Regal liegenbleiben. Der Look alleine ist das Ansehen wert.

Und dann ist da noch Bradley Cooper, der lange als aufrechter Sidekick durch die Serie ALIAS lief und danach in jedem zweiten Kinofilm als blitzeblanker Schönling auftauchte, und der darf als Eddie endlich einmal seine schauspielerischen Muskeln etwas spielen lassen: Ob als schlurfender Loser, als charmanter König der Welt, als kranker Junkie auf Entzug oder als leere Hülle im Geld- und Machtrausch - Coopers Leistung ist absolut ansehnlich. Er beeindruckt mehr als der in einer Nebenrolle auftauchende Robert De Niro, der einmal mehr wie auf Autopilot spielt - obwohl selbst jetzt, wo er nur noch ein Schatten der Legende ist, die er als Schauspieler einmal war, gelegentlich eine Ahnung von seiner einstigen Größe durchfunkelt: Da genügt dieses kurze freundliche Gesicht, bei dem die kalten Augen nicht mitlachen, und schon wünscht man sich, De Niro würde endlich einmal aus seinem darstellerischen Winterschlaf aufwachen und ein kraftvolles Alterswerk abliefern.

Ganz grenzenlos ist die Kreativität der Filmemacher natürlich nicht: OHNE LIMIT tariert nicht vollständig aus, was ein Mensch mit vierstelligem IQ leisten könnte, oder was vielleicht die wahren Probleme sind, die jemand belasten würden, der sich an alles erinnert und nichts mehr vergißt. Aber der Film ist ein cleverer Thriller mit aufregender Prämisse und durchweg spannendem Look. Im Herzen ist er freilich ein Moralstück - soviel Gewinn an Macht und Fähigkeiten hat einen Preis - aber auch da geht er nicht den zu erwartenden Weg: Eddie wird nämlich kein reuender Sünder. Er wird Politiker.

Ohne Limit (USA 2011)
Originaltitel: Limitless
Regie: Neil Burger
Drehbuch: Leslie Dixon
Darsteller: Bradley Cooper, Abbie Cornish, Robert De Niro
Länge: 105 (Kinofassung) / 106 (unrated cut)
FSK: 16

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Robert Sellers: Hollywood Hellraisers (2010)

2011-11-24T13:42:00.001+01:00

"Mental telepathy, mostly", schrieb man seinerzeit über Kenneth Angers Skandalsammlung HOLLYWOOD BABYLON - beziehungsweise über die Recherchemethoden des Avantgardefilmers, der in dem zuerst 1965 veröffentlichten Buch heitere Geschichten über Morde, Sexorgien, Vaterschaftsklagen und andere pikante Geschehnisse rund um Hollywood-Stars und -Starlets niederschrieb und dazu noch mit schmackhaften Photos garnierte - wie zum Beispiel einem Bild des Jayne-Mansfield-Unfalls. Wen störte es schon, daß zahlreiche Details und Geschichten nachweislich Phantasiegespinste waren? Die Welt der Stars und Sternchen ist der hohe Adel der heutigen Zeit, und ebenso, wie wir sie bewundern und beneiden, haben wir doch gerne ein diebisches Vergnügen daran, sie mit Schmutz und Skandalen vom Thron zu stoßen - vermutlich nur, um zu zeigen, daß sie ja doch eigentlich Menschen wie du und ich sind. Obwohl es für das menschliche Tratschbedürfnis ja gar nicht so viel Unterschied macht, ob Charlie Chaplin eine Affäre hat oder der Herr Müller von nebenan.

Gar so lippenleckend wirft sich der englische Journalist Robert Sellers nicht an sein Thema heran, aber ein gewisser Regenbogenpresse-Geist ist seinem Buch HOLLYWOOD HELLRAISERS: THE WILD LIVES AND FAST TIMES OF MARLON BRANDO, DENNIS HOPPER, WARREN BEATTY AND JACK NICHOLSON nicht abzusprechen. Das Werk versteht sich sozusagen als Fortführung von Sellers' HELLRAISERS, das die Eskapaden der vier britischen Schauspieler Oliver Reed, Peter O'Toole, Richard Harris und Richard Burton nachzeichnete - und es ist ganz klar, daß man als Leser ja eine gewisse Erwartungshaltung hat, wenn man das wilde Leben von solch legendären Wüstlingen versprochen kriegt: Man will Sex, Alkohol, Drogen, filmischen Rock'n'Roll und die nie endende Party. Man könnte nicht behaupten, daß Mötley Crüe ihre Autobiographie mit irgendeinem anderen Versprechen an den Mann gebracht hätten.

Sellers verfolgt also die Biographien von Brando, Hopper, Beatty und Nicholson - und schon die Auswahl scheint weniger einer schaffensinhärenten Zusammengehörigkeit geschuldet zu sein als einfach nur der Tatsache, daß diese vier Burschen beständig auf den Putz gehauen haben. Natürlich waren alle eine Zeitlang durch das New-Hollywood-Kino in derselben Szene aktiv, und freilich gibt es immer wieder Berührungspunkte zwischen den Schauspielern - wie z.B. die Tatsache, daß Nicholson und Brando lange Jahre Nachbarn waren - aber dennoch ist die narrative Klammer hier eher lose durch das Thema zusammengehalten.

Das Buch geht chronologisch vor, über die Kindheit der Stars zu ihren Anfangsjahren und ihren großen Erfolgen, und wechselt dabei stets im Takt von ein paar Seiten zum nächsten Protagonisten. Und auch wenn Sellers immer wieder sehr salopp formuliert und offenkundig viel Vergnügen vor allem an den sexuellen Ausschweifungen seiner Helden hat, zeichnet sich gerade in der ersten Hälfte durchaus ein spannendes Porträt von vier sehr unterschiedlichen Menschen. Den nachhaltigsten Eindruck dabei macht Brando, der seinen kaltherzigen und brutalen Vater so sehr haßte, sich um seine alkoholabhängige Mutter kümmern mußte, und der immer wieder demonstrativ zeigen wollte, wie egal ihm die Schauspielerei war. Absolut unglaublich ist die Geschichte von Jack Nicholson, dessen minderjährige Mutter ihm von der Familie als seine ältere Schwester präsentiert wurde, weil sie die Schande einer unehelichen Schwangerschaft verheimlichen wollten. Nicholson selbst hat erst mit 37 Jahren herausgefunden, daß seine Schwester eigentlich seine Mutter war, als ihn ein Reporter damit konfrontierte.

Es schälen sich schnell Muster heraus bei den Figuren: Brando - Entschuldigung - scheißt auf alles und gibt sich mit derben Streichen bei so ziemlich jeder Produktion unmöglich. Dennis Hopper verliert sich in Alkohol und Drogen, wird paranoid, und nimmt daraufhin noch mehr Drogen. Nicholson hat Vergnügen an seiner Rolle als Bad Boy und Frauenheld, obwohl - auch das ist eine interessante Beobachtung - er sich bei Dreharbeiten stets professionell und bodenständig verhält, was er selbst damit erklärt, daß er so viele lange Jahre erfolglos blieb und sich mit kleinen B-Filmen über Wasser halten mußte, daß ihm der spätere Starrummel gar nicht mehr zu Kopf steigen konnte. Am heitersten sind die Segmente über Warren Beatty, der als einziges Laster die Frauen vorzuweisen hat - aber die dafür in unzählbaren Mengen. Wo die Geschichten von Brando und Hopper immer eine sehr düstere und auch traurige Komponente haben, ist Beattys Story einfach nur vergnüglich, weil sie Anekdote um Anekdote aneinanderreiht, wie unverschämt und doch charmant er sich an die nächsten paar Mädels heranmacht.

Überhaupt, Anekdoten: Nach gar nicht so langer Zeit wird klar, daß das Buch eher eine Ansammlung von Einzelgeschichten ist als eine tiefschürfende Biographie, da natürlich jedes Segment uns ja von den versprochenen "wild lives and fast times" der Protagonisten erzählen will. Das ist insofern schade, als daß die vier Schauspieler ja genug schwergewichtige Klassiker in ihrer Filmographie haben, die freilich auch angerissen werden, aber dann doch eher als Futter für weitere Geschichten dienen. Die von den größten Filmen kennen wir natürlich alle: Dennis Hopper, Peter Fonda und Jack Nicholson waren bei den Dreharbeiten zu EASY RIDER größtenteils komplett zugedröhnt; Marlon Brando tauchte am Set von APOCALYPSE NOW mit starkem Übergewicht auf und kannte das Skript überhaupt nicht; und für DER PATE ließ sich Brando den Mund ausstopfen und den Text auf großen Tafeln hochhalten, von denen er schlichtweg ablas.

Schade, daß dabei so manches unter den Teppich gekehrt wird. An einer Stelle wird Brandos Freundschaft zu Johnny Depp erwähnt, aber der Film DON JUAN DEMARCO - vielleicht der beste Film aus Brandos Spätwerk - wird nicht genannt. Ebensowenig wird Warren Beattys Rolle in dem Politthriller THE PARALLAX VIEW angesprochen, obwohl durchaus Platz aus Beattys Tätigkeiten in der Politik verwendet wird. Erzählt wird viel über Interviews, die teilweise von Sellers selbst geführt wurden (unter anderem auch mit Richard Stanley über das Debakel DIE INSEL DES DR. MOREAU), teilweise aber auch aus vorhandenen Quellen zusammengetragen wurden, ohne daß diese im Einzelnen notiert wurden. Für einen unschönen Fauxpas kann Sellers aber nichts: Da das Buch noch vor Dennis Hoppers Tod geschrieben wurde, steht unter dem letzten Photo von Hopper der jetzt reichlich morbid anmutende Absatz: "The great survivor. 'Dennis took a lot of drugs,' says screenwriter Tom Makiewicz. 'He has absolutely no right to be still alive.'"

Wirklich spannend oder erhellend ist Sellers' Buch nicht - zu ähnlich werden irgendwann die Anekdoten, zu oberflächlich werden die Karrierehighlights der Schauspieler abgehandelt. Aber das braucht niemanden vom Lesen abzuhalten: Das Buch verschafft einen guten Überblick, ist amüsant und gibt genügend interessante Häppchen, um sich einmal wieder mit dem Schaffen dieser Schauspielikonen auseinandersetzen zu wollen. Und das, was versprochen wird, wird auch definitiv eingehalten: Wilde Zeiten.

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Gib Gas - Ich will Spaß (1982)

2011-11-15T13:11:00.004+01:00

Allein das Plakat ist brillant: Da wird die laut lachende Nena vom bekleidet in der Badewanne liegenden Neue-Deutsche-Welle-Posterboy Markus naßgespritzt, und der Schuß Erotik, der durch das nasse Shirt entsteht, ist in seinem Ausmaß den winzigst klein gedruckten Songtiteln ebenbürtig, die unter den majestätisch thronenden Namen der Stars die letzten zwei unwissenden Kinogänger darüber aufklären sollen, woher man diese beiden quietschfidelen Nachnamenlosen eigentlich kennen könnte. Und dann natürlich der Filmtitel: Ebenso sinnfrei wie das Motiv selbst, aber nicht nur dank der Verwendung des Titels von Markus' größtem Hit "Ich will Spaß" eine perfekte Evozierung des Geists der Neuen Deutschen Welle, wo Reim und Laune ja gerne vor Inhalt und Grüblerei gewichtet waren. Höchste Zeit, diesem deutschen Kinoknüller hier die Ehre zu erweisen.

Spannender als die Story von GIB GAS - ICH WILL SPASS ist zunächst einmal die Entstehungsgeschichte des Films. Das Projekt wurde initiiert von Regisseur Wolfgang Büld (der zuvor diverse Filme rund um das englische Punk-Phänomen gedreht hat, darunter die Doku PUNK IN LONDON und den Spielfilm BRENNENDE LANGEWEILE) und seinem Geschäftspartner Georg Seitz, die sich beide für die Anfang der 80'er aufkeimende neue deutsche Musikszene interessierten und den Entschluß faßten, mit einigen Protagonisten der Neuen Deutschen Welle eine Art Neuen Deutschen Schlagerfilm zu inszenieren - ganz im Stil des altdeutschen Kinos, wo Peter und Conny ja mehr durch die ständigen Musikeinlagen als durch eine komplexe Handlung zusammengehalten wurden. Auch bei Elvis hat das Rezept ja so funktioniert.

Büld und Seitz hatten also ein Auge auf Stephan Remmlers Formation Trio geworden und für Nebenrollen Extrabreit, Markus und Nena vorgesehen - wobei letztere noch ganz am Anfang ihrer Karriere stand, im Büro von Jim Rakete jobbte und für Spliff die Fanpost beantwortete. Sie schrieben eine ironische Verwechslungskomödie namens DA, DA, DA, DIE SCHULE BRENNT, in der Trio in einer Doppelrolle auftauchen sollten: Als Lehrer und als Insassen einer Irrenanstalt, die dann verwechselt werden. Das als augenzwinkernde Parodie auf die deutschen Musikfilme angelegte Projekt mußte dann aber kurz vor Start abgeblasen werden, als Trio sich auf ihre Albumaufnahmen konzentrieren wollten und ausstiegen. Büld und Seitz mußten also ihr Skript verwerfen und von vorne anfangen. (Das Skript wurde dann von Atze Brauner aufgekauft und war die Grundlage für den 1983 erschienenen Film PLEM, PLEM - DIE SCHULE BRENNT von Sigi Rothemund; Trio spielten 1985 doch noch die Hauptrolle in einem Film namens DREI GEGEN DREI, der von Dominik Graf inszeniert wurde.)

So strickten die beiden Autoren also eine komplett neue Geschichte rund um Nena und Markus - eine kleine Liebesgeschichte, aufgezogen quasi als deutsches Roadmovie, wo es statt der eindrucksvollen Weiten des amerikanischen Westens eben eine Reise mit Moped, Bus und Zug durch die Jahrmärkte, Hotels und Waldhütten des bayrischen Hinterlandes gab, die dann auch ganz im Stil der früheren deutschen Singspiele im schönen, romantischen Venedig endete. Neben einem Gastauftritt für die Gruppe Extrabreit sollte es auch noch eine Rolle für Falco geben, der mit der Single "Der Kommissar" schon höchst erfolgreich war. Der Wiener Exzentriker sagte auch zunächst zu - bis er dann im ZDF einen Auftritt von Nena sah und mit dem Hinweis aus dem Projekt ausstieg, daß ihm die da herumhüpfende junge Frau zu peinlich war, um mit ihr in einem Film aufzutreten.

Aufgrund des Zeitdrucks - Drehstart war im Oktober 1982, die Veröffentlichung war vom Verleiher Constantin aber schon für Februar 1983 angesetzt! - gestalteten sich die Dreharbeiten auch entsprechend chaotisch: Es existierte kein fertiges Skript; stattdessen hangelten sich Büld und Seitz an einem besseren Treatment entlang und schrieben den Film während des Drehs weiter. Dazu kam, daß Nena plötzlich mit ihrer Single "Nur geträumt" durchstartete und während der kurzen Drehzeit auch noch Zeit im Studio verbringen mußte, um ihr erstes Album fertigzustellen - dessen Songs sie dem Drehteam nach und nach zeigte, damit die dann auch in den Film eingebaut werden konnten. Am Ende der Drehzeit, erklärt Büld in einem Interview, war Nena so populär geworden, daß die Leute sich nicht mehr fragten, wer denn das Mädchen neben Markus war, sondern sich eher wunderten, wer der Junge neben Nena sei.

Mit all diesem Hintergrundwissen bewaffnet können wir uns also nun endlich in das Zeitgeist-Spektakel stürzen, das auch gleich damit losgeht, daß Markus auf einem Motorroller zu den Klängen seiner Hitsingle "Ich will Spaß" durch München braust, am Odeonsplatz vorbei, durch die U-Bahn-Station Münchner Freiheit und über den Viktualienmarkt, wo er einen kleinen Herrn mit Brille in einen Eierstand schubst (der ortskundige Münchner darf gerne versuchen, seine Route in exakter Reihenfolge nachzufahren). Markus' Outfit - Fliegerkappe, rotgetönte Schutzbrille, weißes Hemd, graukariertes Sakko und kurze Hose - ist dabei nur marginal lustiger als folgende Textzeile: "Und kost's Benzin auch 3 Mark 10 - scheißegal, es wird schon gehen". Umgerechnet wären das € 1,585, was heutzutage wohl fast als Billigtanken gewertet werden darf.

Nach flottem Schnitt lernen wir im Gymnasium Nena als Schülerin Tina kennen, die ihrer Freundin Conny (Cornelia Kraus, die damalige Freundin von Co-Autor Georg Seitz) gerade von einem duften Typ erzählt, den sie auf dem Rummelplatz erspäht hat. Dann kommt Markus ins Klassenzimmer - es stellt sich heraus, daß er unter der Fliegerkappe auch noch rotgefärbte Haare hat und Robby heißt - und Tina zerkugelt sich über sein Aussehen. Eine durchaus verständliche Reaktion, obwohl sie selbst hier nicht minder Opfer der Achtziger ist: Zur Jeansjacke (mit am Revers angebrachtem Silberstern) und Strubbelfrisur gibt's einen türkisen und einen pinkfarbenen Schal. Später trägt sie weitere Wonnestücke der Dekade: Einen roten Strickpulli im XXL-Design, türkisfarbene Strumpfhosen, rote Miniröcke, oder auch mal ein ärmelloses weißes Plüschtop mit Rolling-Stones-Zunge darauf.

Noch wunderbarer sieht eigentlich nur Mitschüler Andy aus, mit dem sich Robby sogleich anfreundet: grüngefärbte Haare, mit Buttons behangene braune Lederkutte, Nietengürtel, und eine rot-schwarz gestreifte Hose. Andy - der vom Münchner DJ Peter Lengauer gespielt und von Martin Semmelrogge synchronisiert wird - findet alles "block", was - wie ich meine jüngeren Leser aufklären möchte - das exakte Gegenteil von "knorke" ist.

Robby und auch Andy finden Nena, bzw. Tina, natürlich sehr süß, aber die ist ja an Tino vom Rummelplatz interessiert. Auf der Straße schwärmt sie Conny von Tinos Qualitäten vor: "Das is' nich' so'n Pipijunge, der nur seine Mofas und Klassenarbeiten im Kopf hat". Prompt kommt Tino auch mit dem Cabrio angefahren: Es ist Enny Gerber von der Gruppe Morgenrot, der mit Travolta-Grinsen, Fönfrisur, Nackenmatte und roter Zuhälterjacke Tina in Entzücken versetzt. Tino ist so cool, daß sein Auto sogar ein Frankfurter Kennzeichen trägt.

Mit so viel Exposition im Rücken ist es ja nun allerhöchste Zeit, daß endlich einmal gesungen wird. Das passiert auch gleich, nachdem Robby Tina am Rummelplatz keck angesprochen hat ("Zwei Currywürste mit Pommes, bitte" bestellt er feixend bei der Tombolalose verkaufenden Tina, die sich sehr amüsiert zeigt ob des pffifigen Schmähs) und trotz Teddybärenhauptgewinn ganz block bei ihr abblitzt. Den Frust kanalisiert Robby also in die Darbietung der Nummer "Ich bin heut' böse", in der er polternd über den Kirmes läuft und intoniert: "Ich bin heut' böse, ich haß die ganze Welt / bin ziemlich sauer, was habt ihr angestellt?" Schönster Moment der Sequenz ist ein junges Mädchen in einem Karussell, das Markus' emotionalen Ausbruch mit einem Gesichtsausdruck verfolgt, der zwischen perplexem Staunen und erstarrter Angst pendelt.

Zum Glück gibt es sogleich besänftigendere Klänge, als Tina am nächsten Tag wieder zu ihrem Tino radelt: Da singt sie nämlich den Song "Nur geträumt". Tino wartet am Rummelplatz auch schon auf sie, und singt dann für sie "Wenn du willst" im Autoskooter. Wem diese Szenen zu banal gestaltet sind, darf sich in Erinnerung rufen, daß im Entstehungsjahr des Films MTV gerade mal ein Jahr alt war - und es noch 5 Jahre dauern sollte, bis dessen Programm auch über Europa hereinbrach. So war es 1982 also durchaus aufregend, Nena einen Song lang beim Radfahren entlang der Isar zuzusehen, oder sie und Enny Gerber lachend auf dem Rummel zu beobachten. Stars zum Anfassen! Bewegte Bilder! Nur im Kino!

Tinos Nummer wird aber prompt ein jähes Ende bereitet, weil seine Chefin offenbar keine Freundin der Neuen Deutschen Welle ist: Nach nur 58 Sekunden Song pfeift sie den jungen Mann zusammen und feuert ihn. Tino beschließt daraufhin, die Stadt zu verlassen und zu einem anderen Rummel zu fahren. Weil Tina ihn so richtig lieb hat, ist sie nach kürzester Zeit bereit, die Schule zu schmeißen und ihm zu folgen. Nachdem sie aber nach Hause gefahren ist, um ihre Sachen und ihren Hund zu holen, und zum Kirmes zurückkehrt, ist Tino weg: Schuld daran war ein an ihr Fahrrad angekettetes anderes Fahrrad sowie zwei Polizisten, die ihren Versuch, das Schloß aufzubrechen, als Fahrraddiebstahl mißverstanden haben (als Tinas Vierbeiner die beiden Beamten protestierend ankläfft, weist der ältere der beiden seinen jüngeren Kollegen an: "So nehmen Sie doch den Hund fest!").

Zum Glück ist aber Robby auf dem Rummelplatz - mittlerweile mit gelbem Hemd. Tina säuselt ihn also sogleich an, daß sie mit ihm abhauen möchte, wo er doch so ein schmuckes Mofa hat, und ist prompt beleidigt, als Robby Bedenken wegen der Schule äußert. Aber wer kann schon Nena schmollen sehen? Robby läßt sich also breitschlagen, Tina drückt dem zufällig vorbeilaufenden Andy flugs Fahrrad und Hund in die Hand, und dann - wie der Amerikaner sagen würde - schlagen die beiden die Straße. Tina gibt den Kurs vor, und Robby weiß natürlich gar nichts von Tino, weswegen er frohen Mutes die Single "Dampfer dampfen auf See" in die Landschaft schmettert. Mitsingen! "Dampfer dampfen auf See / Flieger fliegen hoch im Himmel / Wir woll'n mit, wollen mit / Heimat, du mußt auf uns warten". Wobei der Beginn der zweiten Strophe eigentlich fast noch schöner ist: "Wir seh'n die Russen / Dort sind Japaner / Winke, winke / Hey, ihr Schweden". Wahrlich, wahrlich: Völkervereinigung ohne Vorbehalte.

Nach dem Gesang wird es dann auch schon dunkel, und Robby müht sich vergeblich ab, ein kleines Zelt auf der Wiese aufzubauen. Tina zeigt sich dabei höchst hilfreich: Sie nörgelt, lacht ihn aus, und fährt dann mit seinem Mofa zu einem nahegelegenen Rummelplatz, den sie plötzlich erspäht. Dort findet sie Tinos Wagen, aber keinen Tino - dafür wird sie von einer finsteren Rockerbande angemacht, die schnell zudringlich werden. Glücklicherweise kommt just in diesem Moment der Hubschrauber der Gruppe Extrabreit vorbeigeflogen - bzw. der Superheldenvereinigung "Die Phantastischen Fünf", die die Situation schnell erkennen, auf dem Rummel landen (die Rocker sind vor Angst wie erstarrt und warten ab) und sich zu den Klängen der Single "Superhelden" vor den Rabauken aufbauen. "Okay, Gesichterassis. Jetzt trollt euch. Fahrt noch'n bißchen Geisterbahn", empfiehlt der Anführer der Phantastischen Fünf den Rockern, die sich sogleich schlotternd vom Acker machen.

Vergessen wir aber bei all dieser Aufregung Robby nicht, der mittlerweile schon auf dem Rummelplatz nach Tina sucht und dabei Tino trifft, der mit neuer Frau im Arm liebe Grüße ausrichtet und bestellen läßt, daß er als nächstes nach Füssen fahren wird. Nachdem Tino weggebraust ist, findet Robby Tina und flüchtet mit ihr vor den vermeintlich zurückkehrenden Rockern - die sich aber nur als Hare-Krishna-Anhänger herausstellen. Zuflucht finden die Beiden in einem parkenden Lieferwagen, dessen Fahrer von Karl Dall gespielt wird. Der lehnt das Buch ab, das ihm die Krishnas schenken möchten ("Ein Buch? Ich hab' doch schon ein Buch! Da brauch' ich ja bald ein Regal!"), fährt dann mit unseren frierenden Singstars im Frachtraum fort und empfiehlt beim nächsten Halt Robby und Tina das nette Hotel, vor dem er parkt ("Die haben sehr schöne Zimmer, da kann man sogar das Fenster zumachen: Sturmfreie Bude!"). Ich räume an dieser Stelle ein, daß ich vielleicht der Einzige bin, der sich bei so schönen Achtziger-Kalauern regelmäßig und begeistert vornimmt, sie in den alltäglichen Sprachgebrauch einzupflegen.

Leider ist in dem schönen Hotel aber nur noch ein Zimmer mit Einzelbett frei, weswegen sich Tobby und Tina eng aneinanderkuscheln müssen. Die zaghaften Flirtversuche des schüchternen Robby ignoriert Tina dabei weitestgehend (z.B. die Hand, die er ihr unter das Oberteil zu schieben versucht) und verkündet lauthals gähnend, daß sie jetzt total müde sei. Nach nur wenigen Sekunden Schlaf wirft sie sich dann laut stöhnend durchs Bett, woraufhin Robby von der Matratze fliegt. Er sucht also Zuflucht im Bad, wo er sich in die Wanne legt. Als ihn Tina morgens so vorfindet und auslacht, findet exakt die Situation statt, die wir schon auf dem Filmplakat sehen konnten. Man möchte gar nicht wissen, wieviele arme pubertierende Jugendliche nach übermäßigem Konsum dieses Films verzweifelt versucht haben, ihre Angebeteten durch Naßspritzen zum Lachen zu bringen.

Beim Frühstück erfährt Tina endlich von Robby, daß Tino Richtung Füssen unterwegs ist, und möchte ebenfalls dorthin. Robby dagegen erklärt, daß sie, wenn sie sich beeilen, noch rechtzeitig zur vierten Stunde zurück in der Schule sein könnten. Das paßt natürlich nicht in Tinas Pläne, und nachdem sie sich erfolglos an einen Fernfahrer herangeschmissen hat, versucht sie, Robbys Mofa zu klauen, während der mit Bezahlen beschäftigt ist. Robby rennt ihr aber hinterher und schubst sie vom fahrenden Mofa, das dann knirschend unter die Räder eines eintrudelnden Reisebusses gerät - dessen Fahrer ebenso von Karl Dall gespielt wird. Robby schmollt kurz, wird dann aber von Tina dahingehend überzeugt, daß er ja eigentlich selber schuld ist an dem ganzen Schlamassel. Der Verdacht drängt sich auf, daß es eventuell sehr anstrengend sein könnte, eine Beziehung mit Tina zu führen.

So reisen die beiden also per Bus weiter. Der ist bestückt mit vielen alten Damen, die sich gerne von Robby mit seiner Single "Schön sind wir sowieso" unterhalten lassen und dabei auch motiviert mitschunkeln. Und natürlich denkt dabei wieder keiner an den armen Busfahrer, der sich tagein, tagaus jeden Lärm von den Fahrgästen gefallen lassen muß! Aber Karl Dall sorgt flugs für Programmänderung: Er parkt den Bus und startet ein kleines Quiz. "Wo befinden wir uns hier?" "Na, im Bus!", ruft Robby nach vorne. Karl Dall nickt und verkündet den Preis: "Sie dürfen die nächsten dreißig Kilometer dieses Fahrzeug lenken". Was Robby dann auch brav macht.

Die Zeit nutzt der gute Busfahrer, um ein wenig zum kommerziellen Teil der Kaffeefahrt zu kommen: Er preist eine Heizdecke an, die er auch sogleich einem älteren Herrn in der ersten Reihe zu Testzwecken über den Schoß legt. Leider hat die Decke einen Kurzschluß, und Dall nimmt dem regungslosen Herrn 250 Mark aus der Brieftasche.

Unterdessen erspäht Tina am Straßenrand Tinos geparkten Wagen, in dem ein knutschendes Pärchen sitzt! Sie schafft Robby an, den Bus anzuhalten, und rennt zu Tinos Cabrio - in dem aber ein ganz anderer Kerl sitzt, der wohl nur zufällig beim selben Ausstatter wie Tino einkauft. Zum Glück kennt der Unbekannte aber Tino und erklärt, daß es sich eigentlich um sein Fahrzeug handelt, das er Tino jetzt abgekauft hat. Tino dagegen wird von einem 60km entfernten kleinen Flugplatz in der Nähe von Birnau Richtung Italien starten. Da besteht natürlich Handlungsbedarf! Tina klaut einem geschleckten Surfer (Co-Autor Georg Seitz!) an einer Tankstelle kurzerhand den Jeep und braust los. Dabei sammelt sie noch den am Straßenrand stehenden Robby ein (der wohl seine dreißig Kilometer Busfahrt jetzt fertig absolviert hat), der sie nach dem Losfahren fragt: "Sag mal, kannst du überhaupt Auto fahren?" - woraufhin sie antwortet: "Ne, du?" Ich hege langsam den Verdacht, daß Tina nicht die Allerhellste ist.

Robby und sie brausen also Richtung Flughafen, und Robby singt dabei noch einmal "Ich will Spaß" - weil es so schön paßt. Als sie am Flugplatz ankommen, ist Tino leider schon in der Luft - aber Tina kann über den Tower Funkkontakt mit ihm aufnehmen und verabredet sich mit ihm für den nächsten Tag: Venedig, Markusplatz, 11 Uhr. Das hebt Tinas Stimmung wieder: Sie tanzt über den ganzen Flugplatz und singt Robby, der von der Tino-Verfolgung immer noch nichts mitgekriegt hat, das schöne Lied "Ganz oben" vor - ihm und ein paar herumstehenden Mechanikern, deren Gesichtsausdruck offen läßt, ob sie die gute Frau ohne den Gesang vielleicht noch viel netter fänden. Während sie - um es mal neudeutsch zu sagen - performt, taucht übrigens Karl Dall als betrunkener Pilot auf, der das Flugzeug startet, auf dessen Tragfläche Tina gerade sitzt. Dabei wird ihr Rock in der Krügerklappe (ja, da staunt ihr!) eingeklemmt, während Karl Dall jammert: "Ich krieg' mein Ding nicht hoch!" Zum Glück kann Robby sie retten, und dann sitzen beide einträchtig auf der Startbahn und rauchen auf den Schreck erstmal eine.

Weil Tina ja nun nach Venedig muß, traben die beiden also als nächstes im Wald an den Schienen entlang (wollen sie einen Zug anhalten oder doch zu Fuß über die Alpen?). Weil es schlimm regnet, suchen sie in einer Jägerhütte Zuflucht, wo sie ihre nassen Sachen ausziehen und sich dann endlich mal küssen. Nach drei- bis fünfmaligem Küssen unter fortwährender Demolierung der Hütte (weil die beiden dauernd versehentlich Regale umwerfen und Gegenstände vom Tisch fegen) liegen sie übereinander, und dann geht Tina vor die Tür und sieht sich die Sterne an, bevor sie wieder reingeht und mit Robby zusammen das Duett "Kleine Taschenlampe, brenn" singt: "Kleine Taschenlampe, brenn / Schreib 'Ich lieb dich' in den Himmel / Oh, dann weiß ich es genau / Keine Macht kann uns mehr trennen". Ehrlich: Fast so schön wie Sex.

Aber, auweh, nach der trauten Zweisamkeit bahnt sich die Enttäuschung an, obwohl Tina Robby zunächst noch sehr poetisch erklärt, warum sie sich in ihn verliebt hat: "Mich hat alles angekotzt. Mir ging's ganz schön doof, ne. Und dann warst du auf einmal da". Aber dann verkündet Tina, daß sie ja jetzt gar nicht mehr Tino hinterherzureisen braucht, woraufhin Robby erst versteht, was denn eigentlich Sinn der ganzen Aufregung war. Er kommt sich also ein wenig ausgenutzt vor, und freilich fühlen wir mit ihm. Er rennt also aus der Hütte und läßt Tina zurück, die nach kürzester Zeit Besuch von einem eher lüstern anmutenden Förster bekommt, der vom Regisseur höchstselbst gespielt wird. Der gute Mann will es sich auch gleich mit ihr gemütlich machen, aber Tina rennt Robby zum nächsten Bahnhof hinterher, und dann sehen wir sie, wie sie einen Zug nach Robby durchsucht. Dabei singt sie "Leuchtturm" - mein liebster Nena-Song, obwohl ich mir nie so ganz sicher bin, ob das so ist, weil das Lied so eine mitreißende Popnummer ist, oder einfach nur, weil da am Anfang dieses schöne Synth-Blubb-Geräusch und der Sonar-Sound kommt. Aber konsequenterweise singt sie ja auch von einem U-Boot.

Endlich findet sie Robby in einem sonst leeren Abteil und kann sich an ihn schmiegen, während der Zug in die Nacht fährt. Am nächsten Morgen werden sie von einem Schaffner geweckt, und wer erraten kann, wer den spielt, darf die nächsten dreißig Kilometer den Zug lenken. Robby ist schwer überrascht, daß sie sich im Bahnhof von Venedig befinden, und wirft Tina sogleich vor, etwas damit zu tun zu haben, um sich doch noch mit Tino treffen zu können. Schade eigentlich, daß er zu aufgebracht ist, um uns seine Theorie darüber zu erläutern, wie Tina das hingekriegt haben könnte, den Zug umzulenken.

Aber wo wir schon mal in Venedig sind, können wir auch ein wenig durch die Stadt flanieren und das Happy End suchen, das sich ja hier zwischen den romantischen Kanälen verstecken muß. Vorher wird Robby aber noch von einer Horde wilder Weibe mit einem Boot entführt, und Tina rennt ihm über diverse Brücken hinterher, während dazu "Tanz auf dem Vulkan" gespielt wird - ein Song, dessen Zeile "Hexen sind nicht aus Asbest" ich immer sehr schön fand. Irgendwann schafft sie einem Gondoliere an, dem Motorboot mit den verrückten Frauen hinterherzusagen (mit den Worten: "Schneller! Tempo, tempo! Brumm, brumm!"), aber dann jagt plötzlich Tino mit eigenem Boot ums Eck und singt dabei "Feuer 112": "Ich komme schnell / Wie der Blitz / Rund um die Uhr / Und mit Tatü und Tata / Es brennt, es brennt / Alarm, alarm / Ich komm' mit Blaulicht um die Ecke gefahr'n". Schön, wenn die Leute immer das passende Lied auf den Lippen haben.

Durch unglückliche Umstände landen sowohl Robby als auch Tino aber nun im Wasser, obwohl sie beide nicht schwimmen können. Tino wird von den aufgedrehten Mädels herausgefischt, denen Robby vielleicht zu langweilig erschien, weil er nicht gesungen hat. Zum Glück kann Tina Robby mit einem Rettungsring helfen, den sie von einem Bootsbesitzer bekommt, der - ganz klar - wieder von Karl Dall gespielt wird. "Iiih, der ist ja ganz naß", sagt er, als er den Schwimmreifen zurückbekommt. Und dann können sich Robby und Tina endlich wieder küssen, und nach einem kurzen Wiedersehen mit Andy (der von Tinas Hund quer über den Brenner geschleift wurde) wird alles gut und die Liebe hat gesiegt. Beim Abspann hören wir noch einmal "Kleine Taschenlampe, brenn" und fragen uns, wie lang da wohl die Batterien halten.

Das waren sie, die 85 Minuten Zeitkapsel, die seinerzeit 1,5 Millionen Menschen ins Kino gelockt haben und heute wie ein archäologischer Fund anmuten. Natürlich ist es leicht, den Film als seichten Käse abzutun und mit harscher Kritik zu bedecken - was auch ausgiebigst getan wurde und wird - aber als Artefakt einer gerade den Durchbruch schaffenden Musikrichtung ist GIB GAS - ICH WILL SPASS ebenso spannend wie charmant.

Die einfache Story spiegelt die betonte Einfachheit der Neuen Deutschen Welle wieder - die naiven Texte, die unbekümmerte Unbefangenheit - und obwohl die Ironie der Musik hier fehlt (wo ja gerne mit betont simplen Wort- und Satzhülsen ebenso wie mit Minimalmelodien kokettiert wurde), kann der Film im Retrospektiven eben jenen Blickwinkel dazugewinnen, der es einem erlaubt, das Spektakel ebenso ernsthaft wie ironisch zu betrachten: als Versuch, eine aufblühende Jugendkultur einzufangen; als behäbig-deutsches Roadmovie; als Singspiel mit Laiendarstellern, unter denen ausgerechnet Karl Dall der professionellste Schauspieler ist; als Erinnerung an eine Zeit, wo man noch nicht so medial überfüttert war mit "seinen" Stars und extra ins Kino lief, um sie sehen zu können; und natürlich auch als wonnig-beknackte Komödie, die nie vorgibt, realistischer oder tiefschürfender zu sein als eine Bravo-Fotolovestory.

In diesem Sinne noch ein Wort zu unseren Darstellern: Nein, man kann nicht behaupten, daß Nena und Markus sich hier als zukunftsträchtige Schauspieltalente entpuppen. Markus trägt zumeist einen eher demonstrativen Gesichtsausdruck - erfreut, beleidigt, nachdenklich - und Nena spricht genau so, wie sie singt, weshalb sie permanent nölig und zickig wirkt. Aber man darf ihnen zugestehen, daß sie als Typen funktionieren: Sie wirken beide nicht unnatürlich und punkten mit einem unbekümmerten Charme.

So gesehen ist es natürlich schade, daß es bei diesem Kinoausflug blieb - aber wahrscheinlich hätte ein gezielter kommerziell ausgerichtetes Nachfolgeprodukt nicht mehr die Unbefangenheit dieses Films ausgestrahlt, der eben für seine Naivität und für seine Zeitgeist-Ästhetik so sehr belächelt werden kann und gerade dafür auch stets brav den "Flop des Tages" in einschlägigen Programmzeitschriften kassiert. Wolfgang Büld und Georg Seitz wollten noch ein weiteres Projekt starten, das sich dann aber zerschlug. Büld drehte später unter anderem den FORMEL EINS FILM, die Fortsetzung zu GO TRABI GO und den Kinoausflug von Dieter Thomas Kuhn, DER TRIP - DIE NACKTE GITARRE 0,5, bevor er dann eine Reihe von kleinen Exploitation-Streifen drehte. Seitz wandte sich wieder dem Journalismus zu, und Markus fuhr irgendwann auf der NDW-Retrowelle, bevor er sich mit Schlagerplatten zurückmeldete. Und Nena ... ja, was ist eigentlich aus der geworden?

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Die außerirdischen Besucher (1983)

2011-10-26T17:58:00.002+02:00

Ich glaube, ich habe ein neues Lieblingswesen. Es heißt Trumpy, ist ungefähr einen Meter groß, und sieht aus wie eine Mischung aus ALF und Ameisenbär. Trumpy kann das Gesicht nicht bewegen und leider auch nicht blinzeln, aber dafür kann er Erdnüsse und Milch mit dem Rüssel einsaugen. Er macht Geräusche wie ein resigniert-melancholischer Chewbacca, und er kann Gegenstände durchs Zimmer tanzen lassen.

Aber mal langsam. Trumpy ist der heimliche Star des Films DIE AUSSERIRDISCHEN BESUCHER von Juan Piquer Simón, von dem wir hier schon vor kurzem das Kettensägenhappening PIECES und das Unterwasserepos SIRENE I begutachten durften. LOS NUEVOS EXTRATERRESTRES, wie diese französisch-spanische Co-Produktion im Original heißt, wurde 1983 veröffentlicht, und ursprünglich schwebte Simón eine Story über den Angriff eines bösen Außerirdischen vor - bis dann 1982 ein Hollywood-Film mit einem niedlichen Außerirdischen (hmm - war es DAS DING AUS EINER ANDEREN WELT? Oder doch DER ZORN DES KHAN?) an den Kinokassen abräumte und die Produzenten anregte, das Alien auch hier knuffig und lieb zu gestalten und einen kleinen Jungen zur Geschichte hinzuzuschreiben, der sich mit dem Außerirdischen anfreundet. Simón war über die Änderungen nicht erfreut, und wenn der Regisseur & Autor von SIRENE I schon mal unzufrieden ist, dann will das etwas heißen.

Nach einigen einleitenden Bildern, in denen man einen Meteoriten durch das All fliegen und auf die Erde zurasen sieht, lernen wir in irgendwelchen nebligen Wäldern eine Gruppe Wilderer kennen, die sich nicht nur mit Gewehren, sondern auch mit einer Armbrust bewaffnen, um auf Wildfang zu gehen. Plötzlich kracht der Meteorit mit preiswerter Explosion in den Wald, was aber nur einer der drei Jungs mitbekommen hat. Er macht sich daran, die Absturzstelle zu untersuchen, und findet in einer Höhle des Meteoriten eine ganze Reihe von Eiern. Weil ihm die nicht ganz geheuer erscheinen, fängt er an, sie kaputtzuschlagen, woraufhin er von einem darob verstimmten pelzigen Wesen umgebracht wird. Wenn es nur eine Sache gibt, die zukünftige Generationen vielleicht aus den Filmen vergangener Tage lernen können, dann ist es hoffentlich die Warnung, sich von Alieneiern komplett fernzuhalten.

Zeitgleich lernen wir aber noch einen kleinen Jungen namens Tommy kennen, der eine veritable Haustierkollektion sein Eigen nennt - Kätzchen, Hamster, Hase, Vögel, Insekten - und mit großem Eifer sein Fernrohr auf die Sterne richtet. Weil Tommy den Absturz des Felsbrocken mitbeobachten konnte, geht er nachts auf Entdeckungsreise und findet im Meteoriten ein letztes intaktes Ei, das er begeistert mit nach Hause nimmt und an das er sich im Bett glücklich anschmiegt.

Kümmern wir uns flugs noch um unsere letzte Gruppe von menschlichen Protagonisten: Eine Band, die gerade im Studio die Gesangsspuren für ihr neues Album aufnimmt. Aus den Boxen ertönt dezent grauenhafter Discopop, und Leadsänger Ricky singt erst innig ("Hear the engines roll now!" lautet der gesamte Refrain) und beschwert sich dann bei allen Anwesenden, daß die Musik mies klingt. Wer könnte ihm da widersprechen? Er pfeift seine drei Backgroundsängerinnen zusammen, insbesondere seine Freundin, die angeblich dem Beat hinterherhinkt (sie kontert mit dem Hinweis, daß er immer zu früh singt). Bevor die Stimmung komplett den Bach heruntergeht, beenden Ricky und sein Manager Brian die Aufnahmesession und packen ihre beiden Mädels ein, um ins Grüne zu fahren. Rickys Freundin ist dabei zunächst noch etwas reserviert, weil Ricky noch ein zusätzliches Groupie eingeladen hat, aber Brian erläutert ihr den Sachverhalt: Daß Ricky immer mit anderen Frauen herummacht, gehört eben zu seinem Rockstardasein - da soll sich die Freundin mal nicht so haben. Das sieht die gute Frau denn auch ein.

Unterdessen ist Tommys Ei schon geschlüpft und heraus kommt ein kleines pelziges Alien mit langem Rüssel, das er Trumpy tauft. Trumpy sieht anfangs noch aus wie eine kleine Puppe, aber nach eifrigem Milchkonsum (die Puppe wird sanft in eine Milchschüssel gekippt, die Milch rinnt aus) wächst er flugs zu einem stattlichen Außerirdischen heran, der so groß ist wie Tommy. Der Körper sieht dabei aus wie später der von ALF - pelziges Ganzkörperkostüm - während der Kopf eine Art Ameisenbärform mit langem Rüssel hat. Es tut der Freude wahrlich kaum Abbruch, daß sich besagter Kopf dabei um eine starre, unbewegliche Maske handelt, deren Besonderheit uns auch schnell in einem applausverdächtigen Effekte vorgeführt wird: Als Tommy Trumpy mit Erdnüssen füttert, sehen wir in Nahaufnahme ein als Rüssel verkleidetes Staubsaugerrohr, das die Nüsse gleichförmig einsaugt.

Aber Trumpy kann noch mehr! Er läßt Tommys Gegenstände durchs Zimmer fliegen, entlockt einem elektronischen Memory-Spiel ungeahnte musikalische Sequenzen, setzt in Sekundenschnelle per Telekinese ein Puzzle zusammen, steht spaßeshalber einen Moment lang an der Zimmerdecke herum, und als Tommy durch sein Fernrohr schauen will, sieht der begeisterte Junge Archivaufnahmen aus Afrika! Und obwohl sich Trumpy nur mit kläglich gurrenden Lauten artikulieren kann, versteht er Tommy offenbar hervorragend, da er beständig auf Fragen mit einem Nicken oder Schütteln des Kopfes antwortet.

Sprechen wir es ruhig aus: Trumpy ist so wunderbar, daß wir uns jetzt gar nicht mehr ausufernd lange mit der fortlaufenden Handlung aufhalten möchten. Das zuerst entschlüpfte Alien - das natürlich so aussieht wie Trumpy - wird in den Wäldern von den Wilderern angegriffen und verwundet und macht sich daraufhin an die Arbeit, dem ganzen durch das Geäst rennenden Menschenvolk den Garaus zu machen (die Leichen haben danach eine leuchtende Sternenkonstellation auf der Stirn). Die attackierten Musiker und ihre weibliche Gefolgschaft fliehen zum Haus von Tommy und bekommen bei dessen Tante und seinem schießwütiger Onkel Unterschlupf. Eine Flucht ist leider nicht möglich (wegen schlechtem Wetter und urplötzlich schlimmer Straßenzustände und außerdem noch wegen ohne Vorwarnung im Schnee spielender Außenaufnahmen), und während das misanthrope First Alien immer mehr Leute über die Klinge springen läßt, versucht Tommy, seinen guten Freund Trumpy vor der bis an die Zähne bewaffneten Meute zu schützen.

Es darf an dieser Stelle darauf hingewiesen werden, daß LOS NUEVOS EXTRATERRESTRES im Englischen zuerst als EXTRA TERRESTRIAL VISITORS vermarktet wurde und dann noch einmal unter dem bekannteren Namen THE POD PEOPLE unters Volk kam - und das ist auch der Titel, unter dem dieser Streifen berüchtigt wurde, nicht zuletzt deshalb, weil er vom Trash-Kommentatoren-Club MYSTERY SCIENCE THEATER 3000 aufs Korn genommen wurde. Momentan ist der Film auf Platz 26 der 100 IMDB-Titel mit den schlechtesten Bewertungen. Oh ja, der Film ist das Gespött einer großen Gruppe von Trashfreunden.

Und nein, man kann nicht ernsten Gesichtes behaupten, daß der Streifen, der hierzulande unter dem hoffnungsvollen Titel RETURN OF E.T. auf DVD erschienen ist, unglaublich gelungen sei - von der E.T.-Ripoff-plus-Monsterfilm-Story über die sparsame Produktion hin zu der gleichförmigen Synthmucke, der lächerlichen Popband, dem plötzlichen Wechsel von Tag und Nacht, Herbst und Winter, grünen Wiesen und Schnee, und freilich dem plumpen Außerirdischen selbst schreit einfach alles an diesem Film nach unfreiwilligem Trashmovie.

Und doch - ich bin in solchen Dingen ja manchmal merkwürdig - kann sich die ganz große Häme bei mir gar nicht einstellen. Vielleicht deshalb, weil durch die ganzen Holprigkeiten ein wunderbarer Charme durch die Ritzen dieses Films durchscheint. Und vielleicht auch, weil die 80 Minuten Laufzeit eigentlich ziemlich kurzweilig sind. Aber vermutlich auch deswegen, weil ich ein Herz für Filmkreaturen habe, die so billig gemacht sind und so offensichtlich von einem Menschen im Kostüm gespielt werden. Ehrlich: Der liebe Trumpy wirkt so unbeholfen, daß sich da bei mir sofort ein Beschützerinstinkt rührt. Und wenn Tommy ihm die Freundschaft kündigt, um ihn vor seinen waffenschwingenden Verwandten zu retten, und den hilflos nach ihm greifenden Trumpy von sich schubst, tut mir der kleine Kerl ein bißchen leid. Da haben wir die blanke Wahrheit: Ich bin sogar beim sechsundzwanzigstschlechtesten Film der Welt emotional involviert. Na schön. Ich stehe dazu.

Schade natürlich, daß es nie Merchandising zu diesem Film gab. Wer noch auf der Suche nach einem Weihnachtsgeschenk ist, kann mir ja vielleicht eine kleine Trumpy-Puppe basteln. Zuviel Aufwand? Nun - wie wäre es dann mit einem Paket mit allen Filmen von den Plätzen 1 bis 25?

Die außerirdischen Besucher (Frankreich/Spanien 1983)
Originaltitel: Los nuevos extraterrestres
Alternativtitel: Extra Terrestrial Visitors / The Pod People / Return of E.T.
Regie: "J. Piquer Simon" (= Juan Piquer Simón)
Drehbuch: "Jack Gray" (= Joaquín Grau), Juan Piquer Simón
Darsteller: Ian Sera, Nina Ferrer, "Susan Blake" (= Susanna Bequer), Sara Palmer, Óscar Martín
FSK: 12

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Musiknews: Wayne Static, William Shatner

2011-09-11T10:56:00.001+02:00

Zur ersten Single des Soloalbums von Wayne Static gibt es jetzt auch ein Musikvideo: "Assassins of Youth". Das Album PIGHAMMER erscheint am 4.10.11, ist aber bei uns offenbar erstmal nur als Import erhältlich. Unterhaltsames Video, netter Track - und wenn der Rest der CD auch so klingt, dann geht es eh als neues Static-X-Album durch.

Anfang Oktober erscheint noch ein Album, auf das ich mich sehr freue: SEEKING MAJOR TOM von William Shatner. Auf der Doppel-CD covert er diverse Songs mit futuristischem Thema (z.B. Peter Schillings "Major Tom", David Bowies "Space Oddity", "Space Cowboy" von der Steve Miller Band, "Planet Earth" von Duran Duran) - darunter sogar "Bohemian Rhapsody" von Queen und Elton Johns "Rocket Man", mit dem er ja schon Ende der Siebziger auftrat. Auf der Platte spielen Ian Paice und Ritchie Blackmore (Deep Purple), Alan Parsons, Peter Frampton, Zakk Wylde, Michael Schenker, Dave Davies (Kinks), Bootsy Collins, und einige andere. Das Aufregende daran ist zunächst mal der Mut, so ein Projekt auf die Beine zu stellen: Natürlich ist es mit Augenzwinkern präsentiert, aber Shatner hätte es sich wohl einfacher gemacht, wenn er noch ein witzig-wehmütiges Songalbum wie HAS BEEN aufgenommen hätte - stattdessen stellt sich der mittlerweile 80-jährige Captain mit Altrockern und Heavy-Metal-Legenden hin und dreht mit Pomp und Selbstironie beliebte Klassiker durch den Wolf. Da bietet er wieder ordentlich Angriffsfläche für alle, die ihn schon seit den Sechzigern für seine musikalischen Gehversuche ausgelacht haben (womit nicht gesagt sein soll, daß denen keine, hm, heitere Komponente innewohnt).

Den ersten Song vom Album - ein Cover von "Iron Man" von Black Sabbath! - gibt's jetzt als Stream, und zwar hier. Zakk Wylde und Mike Inez (der Bassist von Alice in Chains) sind dabei. Und es klingt ... hmm ... nach Spaß für alle Beteiligten. Und dann irgendwie doch überraschend vorlagengetreu. Was denkt ihr?

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Musiknews: Kittie, Marilyn Manson, Staind

2011-09-07T19:21:00.002+02:00

Und nochmal Kittie, deren neues Album I'VE FAILED YOU mittlerweile im Laden steht - jetzt gibt's nämlich auch zur Single "We are the Lamb" ein nettes Video, das den Mädels sicherlich Spaß bereitet hat (auch wenn ich sagen muß, daß Zombies mittlerweile genauso inflationär verbraucht sind wie Vampire). Nice!

Das neue Manson-Album BORN VILLAIN erscheint irgendwann im Herbst. Zuvor gibt's dieses schräge Promo-Video, bei dem Shia LaBeouf Regie geführt hat (!) und das auf YouTube prompt wegen seinen doch sehr expliziten Bildern mit Alterssperre versehen wurde. Scheinbar ist das Video mit seinen Anleihen bei Jodorowsky und Buñuel auch eine Promo für einen längeren Kurzfilm, und eine richtige Single ist der Song "Born Villain" wohl auch nicht. Offenbar geht die Platte wieder in eine stark konzeptuell ausgerichtete Richtung - so oder so freue ich mich ja immer auf eine neue Manson-CD. Was sagt ihr zum Video?

(Wenn's nicht abspielt: Auf Vimeo ansehen.)

Derzeit scheint sich jeder dritte Eintrag hier um Staind und ihr neues Album zu drehen, das bei uns diesen Freitag erscheint - aber was kann ich sagen, es trägt alle Anzeichen einer neu entflammten Liebe, die eigentlich schon bei BREAK THE CYCLE dünn wurde und seit 14 SHADES OF GREY verlorengeglaubt war. Zur Single "Not Again" gibt's nun ein okayes Video von Regisseur Paul Brown - und auf ESPN Music gibt's das komplette Album als Stream! Da werde ich nun allerdings nicht reinhören, weil ich eh schon heiß auf die CD bin und Freitag in den Laden eilen werde, um mir die CD/DVD-Edition zu besorgen ...

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Vollmacht für Jack Clifton (1965)

2011-09-05T01:31:00.002+02:00

Mit dem Erfolg der James-Bond-Reihe tauchten Mitte der Sechziger plötzlich eine ganze Reihe von kleineren Agentenfilmen auf, die von Ian Flemings Held mehr als deutlich inspiriert waren. Auch wenn viele der Produktionen italienischer Herkunft waren - wo man ja mit dem Aufgreifen erfolgreicher US-Trends über viele Jahrzehnte hinweg selten zimperlich war - waren die meisten dieser Filme doch europäische Ko-Produktionen mit Ländern wie Deutschland, Frankreich, Spanien, Österreich und sogar Jugoslawien.

Die Einordnung von VOLLMACHT FÜR JACK CLIFTON ist ein wenig kompliziert, obwohl sie für das Verständnis des Films keinesfalls benötigt wird. Es ist der zweite Film aus einer von Sergio Grieco unter dem Namen "Terence Hathaway" inszenierten dreiteiligen Reihe rund um den Agenten 077 (!) - der erste war JACK CLIFTON - MISSION BLOODY MARY (1965), der dritte dann IM NETZ DER GOLDENEN SPINNE (1966), bei dem Alberto De Martino Co-Regie führte. Nun kam allerdings in Deutschland der erste Teil erst nach dem zweiten heraus (VOLLMACHT FÜR JACK CLIFTON am 22.10.1965, MISSION BLOODY MARY dann nur einen Monat später am 26.11.1965), und freilich wird die Angelegenheit keinesfalls dadurch vereinfacht, daß schon im Jänner 1965 bei uns ein Film mit dem Titel JACK CLIFTON JAGT WOSTOK III herauskam - ebenfalls mit Ken Clark, aber im Original eigentlich ein Film rund um den Agenten Francis Coplan (Originaltitel: COPLAN, AGENT SECRET FX 18). Und nachdem wir herausgefiltert haben, daß dieser Film nur dank des deutschen Verleihs zu dieser Serie zu zählen scheint, können wir auch noch darauf hinweisen, daß Agent 077 in den Originalfilmen keinesfalls Jack Clifton, sondern vielmehr Dick Malloy heißt.

Aber all die cineastische Verwirrung ist egal, handelt es sich doch bei VOLLMACHT FÜR JACK CLIFTON (bzw. im Original AGENTE 077 DALL'ORIENTE CON FURORE bzw. im Englischen FROM THE ORIENT WITH FURY - die Bond-Verwandschaft wird also schon im Titel überdeutlich gemacht) um ein ganz eigenständiges und charmant altmodisches Agentenabenteuer, bei dem es prinzipiell egal ist, ob der Held Clifton, Malloy, Bond oder Mützenhuber heißt. Der Plot dreht sich um eine Superwaffe, die mittels Betastrahlen Gegenstände desintegrieren - sprich: wegpulvern - kann. Eine Bande von Schurken kidnappt den Erfinder der Waffe und arbeitet daran, ihn zum tatsächlichen Bau des Geräts zu motivieren. Agent Clifton bzw. Malloy wird also auf den Plan gerufen, den schändlichen Missetaten der Organisation Einhalt zu gebieten.

"Er ist gerade im Urlaub", heißt es soeben noch im Hinblick auf Clifton, und nach kurzem Schnitt sehen wir den guten Mann diverse Rabauken in einer Bar verkloppen - wobei er nebenher noch Zeit hat, seine blonde Begleiterin zu küssen und telefonisch den Einsatzbefehl seines Chefs entegegenzunehmen. Das vergnügliche Augenzwinkern, mit dem Clifton eingeführt wird, setzt sich dann auch im weiteren Film fort, wo der Superagent eine Reihe von wunderbaren Gadgets einsetzt, unter denen sich nicht nur ein mit Maschinenpistolen in den Rücklichtern bestücktes Auto befindet, sondern auch ein Hosenträger mit Morsesender, eine (rauchbare!) Zigarre mit eingebautem Dietrich, sowie ein Gürtel mit versteckter (aber eher auffällig zu bedienender) Kamera - die kurze Zeit später sogar einen kleinen entwickelten Photostreifen ausspuckt!

Natürlich gehören zu jedem vernünftigen Bond-Film - beziehungsweise: zu jedem, der so einem nacheifert - diverse fesche Frauen, und auch hier kann der Agent seinem britischen Kollegen das Wasser reichen: Er trifft im Laufe des Films auf Margaret Lee (ebenso Agentin, die zur Tarnung seine Ehefrau spielen darf), Fabienne Dali (die Gespielin des Bösen, der er ein paar schallende Ohrfeigen verpaßt, nachdem sie versucht hat, ihn mit einem Giftpfeil aus einem Zigarettenetui zu töten), die nachnamenlose Michaela (bzw. Mikaela, die als Zwischendurch-Eroberung in das Abenteuer verwickelt wird), sowie die blonde Evi Marandi (die Tochter des entführten Professors) - und mit letzterer flirtet er wahrscheinlich nur deswegen nicht, weil sie mit einem Mann namens Boris Molotov (!) liiert ist.

Die Action - diverse Schlägereien, einige Schießereien und ein paar Verfolgungsjagden - ist für das geringe Budget sauber und temporeich gestaltet, die Handlung hat dagegen einen fast reizvoll beiläufigen Charakter - nicht nur, weil die entsprechenden Szenen recht schnörkellos inszeniert sind, sondern auch, weil Ken Clark als Clifton schlichtweg immer die Ruhe weg hat. Weil der Mann so souverän mit allen Angriffen umgeht, kann man natürlich nicht unbedingt behaupten, der Film sei spannend - und zugegebenermaßen hätten ein wenig Straffung sowie ein etwas abwechslungsreicherer Soundtrack (der von Piero Piccioni zwar lässig komponiert ist, aber einfach viel zu oft wiederholt wird) dem Film doch noch etwas auf die Sprünge geholfen. Daß die Kämpfe immer mit denselben paar Helfern des Bösen ausgefochten werden, trägt dagegen schon wieder zum Charme des Unterfangens bei.

Diese Abstriche nehmen dem Film aber nicht wirklich etwas weg - die Angelegenheit bleibt ein vergnügliches Abenteuer für Agentenfreunde, die mit gemächlichem Tempo umgehen können. Und freilich lohnt sich das Ansehen alleine schon für den Endkampf, wo der bis dahin immer unterkühlte Oberbösewicht plötzlich mit großen Augen und irrem Gelächter mit dem Betastrahler durch die Gegend ballert und dabei gegnerische Waffen, Steine, Hütten, Polizisten, und - nachdem ihn Jack Clifton mit der Harpune getroffen hat - leider auch sein eigenes Boot mitsamt Gespielin mit blau leuchtendem Effekt pulverisiert. Da muß der sonst so gelassene Agent dann doch mal blinzeln und sich kurz wundern. Das glaubt ihm zuhause sicher mal wieder keiner!

Vollmacht für Jack Clifton (Italien/Frankreich/Spanien 1965)
Originaltitel: Agente 077 dall'oriento con furore
Alternativtitel: From the Orient with Fury
Regie: "Terence Hathaway" (= Sergio Grieco)
Darsteller: Ken Clark, Margaret Lee, Fabienne Dali, Evi Marandi, Philippe Hersent, Michaela (= Mikaela), "Alan Collins" (= Luciano Pigozzi)

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Gewinnspiel: Score zu The Social Network von Trent Reznor und Atticus Ross

2011-08-27T11:47:00.000+02:00

David Finchers THE SOCIAL NETWORK war einer der besten Filme des letzten Jahres. Die dazugehörige BluRay ist nicht minder spannend und bietet in seinem Bonusmaterial viel Substanz. Und vergessen wir mal nicht den fantastischen Score von Trent Reznor und Atticus Ross, von dem ich jetzt fünf Exemplare verlosen kann.

Die Musik des Nine-Inch-Nails-Häuptlings und seines kreativen Partners ist schlichtweg einer der besten elektronischen Scores überhaupt. In sorgsam modellierten Klangwelten pulsiert da die Aufregung und Ungeduld der Hauptfigur durch, die technologische Kälte trifft auf eine fast unwirkliche körperliche Präsenz, da werden Tragik, Einsamkeit, Konkurrenzdenken und Erfindungsreichtum durch einen musikalischen Spannungsbogen erzählt, der trotz vieler ruhiger Passagen doch stets die atemlose Faszination eines Lauffeuers vermittelt. Da erzählt das melancholische Pianomotiv in "Hand Covers Bruise" ebenso viel wie das hypnotische Klicken in "Carbon Prevails", das ausschweifende Nachtleben in "In Motion" paßt da perfekt zu dem computerisierten Epos "In the Hall of the Mountain King".

Fünf CDs warten also darauf, in die Sammlungen von Filmliebhabern einzugehen. Was müßt ihr dafür tun? Schreibt einfach ein eMail an wilsonsdachboden@ghostlightproductions.de, Betreff "Social Network", gebt euren vollständigen Namen mit Adresse an, und schreibt noch dazu, welchen elektronischen (oder elektronisch angehauchten) Filmscore ihr besonders schätzt. Mit euren Daten passiert rein gar nichts - die werden nur verwendet, wenn ihr zu den fünf glücklichen Gewinnern gehört und eine CD zugeschickt bekommt.

Einsendeschluß ist Sonntag, der 4. September 2011. Mehrfach-Teilnahmen sind nicht erlaubt. Dafür ist die Teilnahme nicht landesabhängig!

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Musiknews: Kittie, Wayne Static, Jeffrey Nothing

2011-08-24T12:37:00.000+02:00

Vor kurzem habe ich schon auf das erste Video zum neuen Kittie-Album hingewiesen - hier - und jetzt gibt's das gesamte Album vorab zu hören. I'VE FAILED YOU heißt das Werk, es wird schön drauf geschrubbt, und Morgan Lander klingt immer noch so wunderbar furienhaft. Kommt am 2. September - hier komplett durchhören und dann gleich hier vorbestellen.

Static-X liegen gerade auf Eis, weshalb Wayne Static Anfang Oktober ein Solowerk mit dem Namen PIGHAMMER herausbringt. Oben im Fenster gibt's ein kurzes Teaservideo dazu - mal wieder mit Gastauftritt seiner Frau Tera Wray Static - und hier gibt's auch schon mal einen Track vorab zu hören. Ein feiner Track, auf wenn nicht ganz klar ist, warum es dafür ein Soloprojekt gebraucht hat - wenn er das unter dem Namen Static-X veröffentlicht hätte, wären wir auch nicht mißtrauisch geworden ...

Auch Mushroomhead-Sänger Jeffrey Nothing hat Anfang Oktober ein Soloalbum am Start - THE NEW PSYCHODALIA. Hier gibt's einen Track daraus zu hören - das ist schon eine unverkennbare Stimme, die der Bursche besitzt, auch wenn sich noch zeigen muß, ob da ohne den kontrastierenden Shouter nicht auf Albumlänge etwas abgeht.

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Nachruf: Loriot (1923-2011)

2011-08-23T16:13:00.000+02:00

Das grüne Sofa bleibt seit gestern leer: Loriot, 1923 unter dem Namen Vicco von Bülow geboren, ist gestern im Alter von 87 Jahren an Altersschwäche gestorben. Er hinterläßt uns eine üppige Menge an herzhaften Lachern und wissenden Schmunzlern, an verschmitzten Absurditäten und belustigter Alltagsbeobachtung - all das, was ihm schon lange einen Status als intelligenter, feinsinniger Komiker sicherte und viele seiner Sketche in das kollektive Gedächtnis Deutschlands eingravierte. Das zu harte Frühstücksei, das einen Ehemann in die Raserei treibt, gehört in den Olymp jener Dialogfolgen, die seit Jahrzehnten immer noch mit ihrem unnachgiebig logisch aufgebauten Witz begeistern und als veritable Humorschule dienen - und es ist nur ein Kleinod unter vielen, die von Bülow auf dem Höhepunkt seines Schaffens so mühelos aus dem Ärmel zu schütteln schien. Loriot als den besten, witzigsten oder klügsten Komiker Deutschlands zu bezeichnen, geht völlig an seiner Einzigartigkeit vorbei: Loriot ist Loriot, ein Genre, in dem es außer ihm schlichtweg niemand anderen gab.

Neben dem Ei erinnert man sich auch stets an viele andere seiner Sketche - zum Beispiel an die widerspenstige Nudel, die einer Liebeserklärung die erhoffte Wirkung raubt. Oder an die zwei Herren in der Badewanne, die sich gar nicht kennen, aber sich rein aus Prinzip auch weigern, dem anderen das Feld zu überlassen. Wohlbekannt auch das Jodeldiplom, das Hausfrauen die Möglichkeit zur Eigenständigkeit bot und nicht nur von meinem Englischlehrer gern und oft zitiert wurde ("zweites Futur nach Sonnenaufgang!"), das pflichtbewußte Weihnachtsfest der Familie Hoppenstedt, und ebenso der verzweifelte Versuch von Ansagerin Evelyn Hamann, die komplexen Vorgänge der bisherigen Folgen einer Seifenoper zusammenzufassen und dabei nicht über die für uns Deutschen so problematischen "th"-Laute zu stolpern. Überhaupt, die Hamann: Mit ihr hatte Loriot eine kongeniale Partnerin entdeckt, die sich als brillante Komikerin entpuppte und mit Loriot und dessen Stammschauspielern - darunter Heinz Meier, Edgar Hoppe und Bruno W. Pannek - eine ganz eigene Chemie und ein wind- und wetterfestes Timing entwickelte.

Abgesehen von den weithin bekannten Situationen verbergen sich aber in Loriots TV-Programmen aus den 70'ern noch eine Unmenge an nicht minder witzig-absurden Sketchen: Da wären zum Beispiel die Möbelpacker, die ein Klavier aus einer Wohnung mehrfach herein- und heraustragen müssen, weil der Familienvater den Moment mit der Heimkamera festhalten möchte und mit dem Ergebnis nicht zufrieden ist. In einem wunderbaren Sketch spielt Evelyn Hamann eine Verkehrspolizistin, die probeweise eine Münze in den vermeintlich defekten Parkautomaten eines Falschparkenden steckt und sich danach in verzweifelten Erklärungsversuchen verheddert, da sie ja nicht mehr auf die abgelaufene Parkuhr hinweisen kann ("Ich habe eine Münze in den für den Münzeinwurf vorgesehenen Münzeinwurf eingeworfen ..."). In einer zufälligen Skatrunde bringt Loriot selbst seine Mitspieler mit völliger Unwissenheit zur Weißglut, schon bevor er ihnen die Karten beim Vorführen eines Tricks zu kleinen Kartenhäuschen faltet. Und dann ist da natürlich noch der letzte im Restaurant erhältliche Kosakenzipfel, dessen Aufteilung unter zwei Gästen zur Beendigung einer Freundschaft führt.

Überall hier nimmt Loriot den Alltag so wissend und sanft augenzwinkernd aufs Korn, daß wir kaum merken, wie sehr wir über uns selbst lachen. Der Spießbürgerlichkeit und Bürokratie des deutschen Geistes hält er einen liebevollen Spiegel vor, und stets setzt er mit meisterlicher Logik an kleine Absurditäten an, die sich dann zu Ungetümern entwickeln. Loriots Humor ist teilweise verschroben und um ein paar Ecken gedacht, und wahrscheinlich sind gerade deswegen seine Beobachtungen von Leben und Beziehungen so unaufdringlich komisch - da ist Platz für den Hintergedanken, Raum für ein Wiedererkennen, und sehr viel Liebe zu den ganzen fehler- und problembehafteten Menschen, die er da zeichnet.

Loriot war auch in vielfacher Form als Autor tätig, und später eroberte er noch mit Hilfe von Produzent Horst Wendlandt die Kinoleinwand. Sein ÖDIPUSSI von 1987 ist ein unglaublich herzlicher, zum Tränenlachen komischer Ulk über eine in die Jahre gekommene Mutter-Sohn-Beziehung, die trotz seiner Konstruktion mit vielen kleinen Sketchen (darunter die wunderbare Vereinssitzung, bei der sich die Vereinsmitglieder weder auf Vereinsnamen noch Vereinsziele einigen können und somit im Protokoll nur festgehalten wird, daß alle anwesend waren) als runde Geschichte funktioniert. Vier Jahre später folgte PAPPA ANTE PORTAS - nicht mehr so durchweg brillant wie ÖDIPUSSI, aber immer noch eine schöne Zeichnung einer Ehe, die über den erzwungenen Ruhestand des Ehemannes fast zerbricht - weil er ab sofort stets zuhause ist!

Schon lange war Loriot nur noch sporadisch aufgetreten, und bei 87 Lebensjahren können wir wohl von einem erfüllten Leben sprechen. Und dennoch wird uns Loriot fehlen. Er hinterläßt eine Lücke - und die nicht nur auf dem grünen Sofa, von dem aus er seine Sketche so oft mit leisem Lächeln anmoderierte. Mit ihm fällt einer der ganz wenigen Gegenbeweise weg, die wir auf das Vorurteil anführen konnten, daß die Deutschen keinen Humor haben.

Lieben Dank, Loriot, für all die schönen Stunden vor dem Fernseher, und für all den Witz, den du uns mitgegeben hast. Das ist ein Witz, der mich so begeistert hat, daß ich seinerzeit für ein Schulfilm-Projekt nicht nur einen deiner Sketche hemmungslos geplündert habe - und von dem ich nur hoffen kann, daß er auch in meinen eigenständigen Texten zumindest ein paar Spuren hinterlassen hat, denn alleine das wäre schon eine Ehre. Du hinterläßt uns ein Gesamtwerk, das selbst beim dutzendfachen Ansehen immer noch Überraschungen parat hat und immer witzig bleiben wird.

Zum Abschied noch einen meiner Lieblingssketche von Loriot:

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Musiknews: Kittie, Chimaira

2011-08-17T09:49:00.000+02:00

Am 2. September gibt's ein neues Kittie-Album - ihr mittlerweile sechstes - und deswegen hat sich auch ein neues Video im Internetz eingefunden: "Empires (Part 2)". Guter Song, kratziger Hals, starke Energie. Am besten gleich das Album vorbestellen.

Und die Jungs brennen immer noch unnachgiebig alles nieder, was ihnen in den Weg kommt. Bei AOLMusic läßt sich Chimairas komplettes neues Album THE AGE OF HELL anhören, bei den Amazonen läßt sich das am 26. August erscheinende Werk auch flugs vorbestellen.

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Musikkäufe: David McWilliams, Elton John, Pablo Casals, Jelly Roll Morton, Herb Alpert, Don Williams, ...

2011-08-12T17:16:00.000+02:00

Heute vor zwei Wochen fand ein neuerlicher Flohmarkt hier in Salzburg statt, der zwar eigentlich dezidiert für Bücher ausgeschrieben war, aber trotzdem inmitten Bergen von Rebhoff-, Heintje- und Weihnachten-zum-Davonlaufen-Platten einige schöne Fundstücke in Sachen Musik bereithielt. Es zeigt sich wieder einmal: Hartnäckiges Stöbern lohnt sich. Folgende LPs konnte ich mit nach Hause nehmen:

(Wie üblich führt ein Klick auf die Cover zu Amazon. Wenn ihr dort etwas kauft - ganz egal, was - dann kriege ich einen kleinen Betrag von Amazon. Vielen Dank, daß ihr damit diese Website fortlaufend unterstützt!)

David McWilliams: Don't Do It for Love (1978). Der gute Mann hat mir zunächst einmal gar nichts gesagt, und ich habe ihn aufgrund des Aussehens und der Aufmachung in der Country-Ecke gewähnt. Werch ein Illtum! McWilliams ist ein irischer Folksänger und Songwriter, dessen größter Hit 1967 "Days of Pearly Spencer" war - das ich natürlich kenne, zumal es mit seinem markanten Streicherriff ja auch schon zigfach gecovert wurde, unter anderem von Soft-Cell-Sänger Marc Almond. Später hatte McWilliams keine wirklich großen Erfolge mehr, und aufgrund eines schlechten Vertrages hat er auch nie Tantiemen für "Pearly Spencer" gesehen - aber trotzdem hat er bis zu seinem Tode Anfang 2002 immer wieder Alben veröffentlicht. Dieses Exemplar hier, das so alt ist wie ich (ich habe ein Faible für Platten mit Baujahr 1978!), bietet hörenswerten Folk-Rock - zum Beispiel den Titelsong, aber auch andere Tracks wie "Lady Midnight" und "Farewell to Harlem".

Und weil wir gerade dabei sind, hören wir uns doch gleich nochmal "Days of Pearly Spencer" an. Sieht McWilliams, wie er so am Wasser steht, nicht exakt so aus wie Matt Damon?

Elton John: Too Low for Zero (1983). Ein Riesenhit für Elton John dank der beiden Singles "I'm Still Standing" und "I Guess That's Why They Call It the Blues" (featuring Stevie Wonder an der Mundharmonika). Auch sonst ein sehr gelungenes Popalbum, mit coolen Songs wie "Cold as Christmas (in the middle of the year)" und "Kiss the Bride".

Elton John: Breaking Hearts (1984). Der Nachfolger zu TOO LOW FOR ZERO. Hier ist der starke Hit "Sad Songs (Say So Much)" drauf. Diese Songs erinnern mich natürlich sehr an meine Kindheit, weil da diese Hits im Radio so omnipräsent waren - aber auch aus heutiger Warte muß ich sagen, daß Eltons Popsingles mitreißend & absolut souverän geschrieben und gespielt sind. Man mag von Elton John halten, was man will - aber er ist ein vielseitiger Musiker mit Gespür für intelligenten und doch ganz zugänglichen Pop.

Pablo Casals (1975). Zu dieser Compilation auf Pearl kann ich kein Bild anbieten, daher einfach nur ein Bild von Pablo Casals (das per Klick zu einer umfassenderen Zusammenstellung führt). Casals war ein spanisch-katalanischer Musiker, der als prägnantester Cellist der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts sowie als einer der größten Cellisten überhaupt gilt. Diese Aufnahmen hier stammen aus der Zeit vor 1925 (!) und können von daher keine Dolby-Surround-Klangqualität bieten - aber wenn man Casals' Cellospiel hört, versteht man auch, warum er so hoch gehandelt wird. Sehr bewegende Musik.

Jelly Roll Morton: New Orleans Memories plus two 1939 (1979). Und nochmal Musik aus grauer Vorzeit, wobei ja das Jahr 1939 im Vergleich zu den Casals-Aufnahmen geradezu unverschämt modern anmutet. Jelly Roll Morton gilt als einer der wichtigsten frühen Ragtime- und Jazzpianisten - tatsächlich hat Morton von sich selber behauptet, daß er 1902 den Jazz erfunden habe. Er galt nicht nur als brillanter Pianist, sondern auch als schwieriger und arroganter Künstler, weshalb er sich ab den Dreißiger Jahren immer schwerer tat, adäquate Mitmusiker zu finden. Ende der Dreißiger wurde er von Alan Lomax angesprochen, der mit ihm Aufnahmen für die Library of Congress machte - die 2005 in kompletter Form in einem 8-CD-Set veröffentlicht wurden; diese Platte hier bietet einfach nur eine Reihe der Songs, die von Morton alleine am Piano vorgetragen werden (mitunter mit Gesang, aber großteils instrumental). Wie bei vielen steinalten Pionierarbeiten hat man beim ersten Anhören keinen unmittelbaren Zugang - da liegt zuviel Distanz und zuviel Gewicht der Geschichte darauf - aber nichtsdestotrotz sind solche Aufnahmen essentiell für jeden, der sich ein bißchen für Musikgeschichte interessiert.

Herb Alpert & Tijuana Brass: Bullish (1984). Nun, es mag verwegen sein, dieses Album als "Tijuana Brass"-Album zu bewerben - mit Herb Alperts früherer Band Tihuana Brass hat dieses Electro-Funk-Album nämlich gar nichts zu tun. Alpert hat sich hier Unterstützung von Keyboarder John Barnes geholt, der zu dem Zeitpunkt schon Arrangements für Janet Jackson und die Jackson 5 geschrieben und Piano & Keyboards bei Marvin Gaye und den Pointer Sisters gespielt hatte - und für den absoluten Zeitgeist-Faktor gibt's ein Cover von Michael Sembellos "Maniac"!

Don Williams: New Moves (1986). Aber das ist nun ein Countrysänger, den ich auf einer Plattenbörse im letzten Jahr entdeckt habe - dank eines sehr coolen Covers. In den Staaten offenbar ein schwer erfolgreicher Veteran des Genres, was ich dank seiner geschmeidigen Stimme (viel weicher und sanfter, als es sein Aussehen vermuten läßt) auch durchaus verstehen kann.

Soundtrack: Footloose (1984). Dieser Soundtrack lohnt sich natürlich alleine schon wegen des Titeltracks, einem Riesenhit von Kenny Loggins. Ansonsten drauf: Bonnie Tyler, Shalamar, Deniece Williams (produziert von George Duke!), Sammy Hagar, und andere Sachen, die uns prompt in die Achtziger zurückversetzen.

Soundtrack: Miami Vice II (1986). Und auch hier steigt man wieder ganz tief in die Achtziger ein. Die Fortsetzung zum Soundtrack der TV-Serie MIAMI VICE bietet ein bißchen Score von Jan Hammer und drumherum Songs von Phil Collins, Gladys Knight, Roxy Music, Jackson Browne, Patti Labelle und anderen.

Kenny Rogers: What About Me? (1984). Und noch mehr Achtziger: Da wurden auch für Countrystar Kenny Rogers die Pop-Sessionleute wie Paul Jackson Jr., Nathan East, Randy Kerber, Michael Landau, Neil Stubenhaus und Dan Huff ins Studio geholt, die unter Aufsicht von Produzent David Foster spielten. Auf dem ersten Track singt Kenny Rogers zusammen mit Kim Carnes und James Ingram. Kenny Rogers habe ich übrigens früher immer mit Kenny Loggins verwechselt, aber ich bezweifle, daß das an der Musik lag. (Neu kostet dieses Album auf CD übrigens derzeit heiße € 303,89 im Amazon-Marketplace! Jetzt zugreifen!)

Soundtrack: Doctor Schiwago (1965). Der Soundtrack stammt von Maurice Jarre, dem Vater von Jean-Michel Jarre. Maurice Jarre hat auch den Score zu LAWRENCE VON ARABIEN komponiert und kann deswegen mit großen Epen umgehen - hier hat er nicht nur ein 110-köpfiges Orcheter, sondern auch 24 Balalaikaspieler und japanische Musiker sowie andere Instrumentalisten (für Piano, Zither, Gong usw.) plus einen 40 Stimmen starken Chor. Der Aufwand hat sich gelohnt: "Lara's Theme" wurde ein instrumentaler Klassiker, und der Score hat einen Oscar gewonnen.

芸能山城組 / シルクロード幻唱 (1981). Ich liebe musikalische Entdeckungsreisen und nehme deswegen auch gerne mal eine Platte einfach mit, weil mir das Cover gefällt. Diese Veröffentlichung hier stellt mich allerdings vor ein ziemlich großes Rätsel: Die komplette Beschriftung ist auf japanisch, inklusive der (sehr ausführlichen!) Liner Notes. Alles, was ich lesen kann, ist das Jahr der Veröffentlichung (1981) sowie Label und Katalognummer (Invitation VIH-28028). Damit kommt man per Google immerhin zu einer kleinen Handvoll Seiten, wo japanische Händler die Platte anbieten - aber mehr Infos habe ich somit auch nicht. Wer mir hier mehr Informationen geben kann, wird also auf lange Zeit Ruhm und Ansehen von mir ernten! Angesichts des Covers habe ich ja insgeheim Kitaro hinter den Schriftzeichen vermutet, aber tatsächlich bietet die Platte Aufnahmen von Chorgesängen - manches klingt wie Mönchsgesänge (Track 1 auf Seite 2 klingt nach tibetanischen Mönchen), manches wie aus einer Bühnenaufführung (auf zwei Stücken ist ein wenig Percussion zu hören). Und jetzt noch das größere Rätsel ... da ich alle meine Platten alphabetisch sortiert habe, wo stelle ich diese hier nun hin? J wie Japan? U wie unbekannt? Oder doch einfach bei Kitaro?

Gleich hinter den Plattenkisten haben sich auch einige Boxen mit CDs gestapelt, die ich ebenso pflichtbewußt durchforstet habe. Folgende Alben habe ich mitgenommen:

Sugababes: One Touch (2000). Das erste Sugababes-Album. Das mit dem Hit "Overload". Noch Fragen?

Lionel Richie: Renaissance (2000). Also, ich mag ja die Commodores. Und von den Solosachen von Lionel Richie aus den 80'ern mag ich auch einige Songs. Der Mann hat ja Hits am laufenden Band geschrieben. Wenn einem da ein jüngeres Album, das nicht so richtig dolle sein soll, für 50 Cent über den Weg läuft, kann man das schon mal mitnehmen. Gehört habe ich es aber noch nicht.

Downset. (1994) Das erste Album der Rapcore-/Funk-Metal-Band aus Kalifornien. Die waren gerade in Europa ziemlich populär (wo man sowas ja gerne "Crossover" nennt) und haben es auf immerhin 4 Alben geschafft, bevor sie sich 2009 aufgelöst haben. Zählen die jetzt zum NuMetal-Genre oder nicht? Egal.

Soundtrack: The Cowboy Way (1994). Erinnert sich jemand an den dazugehörigen Film mit Woody Harrelson und Kiefer Sutherland mit dem tollen deutschen Titel MACHEN WIR'S WIE COWBOYS? Dylan McDermott war da auch drin und hat mal wieder einen glatten Unsympathen gespielt. Das Cover zeigt es schon: Hier gibt's Mainstream-Rock (Bon Jovi, Jeff Beck & Paul Rodgers), ein bißchen was aus der Southern-Rock-Ecke (Travit Tritt), ein bißchen Gitarren-Instrumental von George Thorogood, Blind Melon quälen uns durch ein unnötiges Cover von Lou Reeds "Candy Says", und weil die Jungs im Film auch mal in einen modernen Club gehen, hören wir hier auch En Vogue (immerhin mit Gitarrenriff). Will heißen: Alles querbeet zusammengestellt und nicht weltbewegend, aber ein paar der Tracks sind schon okay.

U-She & Holger Czukay: Time and Tide (2007). Dieses Album von Ex-Can-Bassist Holger Czukay und Sängerin U-She wurde eigentlich schon 2001 veröffentlicht; das hier ist die Wiederveröffentlichung von 2007. Als Gäste tauchen auch auf Can-Gitarrist Michael Karoli sowie Can-Schlagzeuger Jaki Liebezeit auf - und auch wenn dieses Dub-Trance-Gemisch hier rhythmisch viel geradliniger verläuft als die Can-Alben, ist die Mutterband doch spürbar. Diese CD ist einer der Funde, über die ich mich am meisten freue.

Will Smith: Big Willie Style (1997). Da stand doch letztens die Frage im Raum, ob Will Smith eigentlich zuerst Schauspieler oder zuerst Rapper war. Hat er gerappt, weil er in DER PRINZ VON BEL-AIR mitgespielt hat, oder hat er da mitgespielt, weil er davor gerappt hat? Die Antwort kann ich nun hier festhalten: Das Debütalbum von DJ Jazzy Jeff & the Fresh Prince kam 1987, die TV-Serie startete erst 1990. Nur sieben Jahre später war Will Smith ein gigantischer Star und hatte gerade mit INDEPENDENCE DAY und MEN IN BLACK zwei Kassenhits hingelegt. Das hier ist dementsprechend sein erstes Soloalbum (ohne DJ Jazzy Jeff also), aber freilich macht Will genau damit weiter, womit er schon zuvor erfolgreich war: Gutmütiger, gutgelaunter Hiphop mit viel Popappeal und dezenten Funksamples. Gut.

Soundtrack: The New Guy (2002). Ich mag ja den Film THE NEW GUY sehr. D.J. Qualls, Eliza Dushku und Zooey Deschanel. Der Soundtrack bietet so ziemlich das, was man von einem Teenie-Komödien-Album erwartet: Alles, was grad populär ist. Eve 6 covern "You Really Got Me" von den Kinks, Green Day covern "Outsider" von den Ramones. Es gibt Mystikal und OutKast, Wheatus und Vertical Horizon, und natürlich Simple Man (mit "I'm Just a Kid"). Was machen eigentlich Vertical Horizon heute?

Metallica: Garage Inc. (1998). 1987 veröffentlichten Metallica eine EP namens GARAGE DAYS RE-REVISITED, wo sie verschiedene Covers veröffentlichten. Weil die EP irgendwann zu einem Sammlerstück wurde und ständig Bootlegs auf dem Markt auftauchten, brachte die Band einen vernünftigen Re-Release unters Volk, der auch diverse andere Covers beinhaltete (B-Seiten von Soundtracks usw.) und für den sie dann auch gleich eine ganze Ladung neuer Coversongs einspielten. Im Gesamtpaket covert sich nun also die Band durch alles Mögliche hindurch: Bob Seger, Motorhead, the Misfits, Queen, Nick Cave, Lynyrd Skynyrd, Black Sabbath, Thin Lizzy, Killing Joke, und andere. Jetzt muß ich mir die CD nur noch anhören, bevor ich etwas Abschließendes dazu sagen kann.

House of Pain: Same As It Ever Was (1994). Das zweite Album des HipHop-Trios House of Pain, die sich aus den Rappern Everlast und Danny Boy sowie dem späteren Limp-Bizkit-DJ Lethal zusammensetzten. Produziert von Muggs, der auch Cypress Hill betreute.

Apollo Four Forty: Krupa (1996). Eine Maxi eines sagenhaft simplen Tracks, der auf Dauerrotation die Tanzfläche beackern könnte und dies sicherlich auch oft genug gemacht hat. Aus einem einfachen Drumloop ("Gene Krupa, syncopated style!") basteln Apollo 440 einen fantastischen Techno-Hit, der das Drummotiv erst auf den Bass, dann auf einen sägenden Synth überträgt. Hier gibt's 5 verschiedene Versionen des Tracks, aber natürlich könnte man auch einfach die Album-Version auf "Repeat" stellen und 35 Minuten lang herumhüpfen. Großartig!

Army of Lovers: Obsession (1991). Und auch diese Single war damals ein wunderbarer Hit, dessen Sing-Sang-Melodie einem ewig und drei Tage im Ohr hängen bleibt. Vier Versionen, und dann wieder von vorne: I could wake night and day ...

Aber weil es sich bei der ganzen Angelegenheit ja eigentlich um einen Bücherflohmarkt handelte, habe ich mir auch ein wenig Lesestoff mitgenommen. Als da wäre:

Ich liebe die drei Fragezeichen, auch wenn ich natürlich die Fälle nicht mehr mit derselben Spannung lese wie damals noch als Jugendlicher. Aber es ändert nichts daran, daß es zwischendurch immer mal wieder Spaß macht, sich auf einen neuen Fall von Justus, Peter und Bob einzulassen. Justus darf die Unterlippe kneten und schlau daherreden, Peter darf sich fürchten und dazu anregen, den Fall doch lieber abzugeben, und Bob ... naja, der kümmert sich wie gehabt um Recherche und Archiv. Seinerzeit war es natürlich eine ganz aufregende Vorstellung, ein ähnlich geheimes Hauptquartier wie die drei ??? zu haben - heutzutage finde ich den Gedanken natürlich noch viel aufregender, einen Anruf von Alfred Hitchcock zu kriegen, der sich mit einem Problem an mich wendet.

Diese drei Bände habe ich gefunden:

Die drei ??? und der Teufelsberg (1968) (William Arden)

Die drei ??? und der unheimliche Drache (1970) (Nick West)

Die drei ??? und der Automarder (1984) (William Arden)

Letzteren Band habe ich übrigens schon als Hörspiel - was natürlich das Lesevergnügen nicht im Geringsten trüben wird!

Charles Berlitz/William L. Moore: Das Philadelphia Experiment (1979). Von Berlitz habe ich schon ein Buch über das Bermuda-Dreieck, und auch hier geht der Mann wieder einem rätselhaften Phänomen auf die Spur: Ein Experiment, bei dem ein komplettes Schiff einfach so verschwand. Möglich natürlich, daß das Experiment im Bermuda-Dreieck stattgefunden hat. Ebenso möglich, daß das Experiment einfach sehr lange gedauert hat und das Schiff derweil über den Ozean getuckert ist. Genau wissen werde ich es wohl erst nach der Lektüre - oder zumindest nach dem Ansehen der Verfilmung von 1984, die übrigens von John Carpenter produziert wurde!

Bill Cosby: Fatherhood (1986). Ich gehöre eigentlich nicht zur Zielgruppe dieses Buchs, in dem Bill Cosby witzige Anekdoten und Ratschläge über das Vatersein zum Besten niederschrieb. Aber erstens nährt sich ja auch Cosbys Stand-Up-Performance teilweise stark von seinen eigenen Erfahrungen als Familienvater (was hier umgekehrt auch für witzige Erzählungen sorgen könnte), und zweitens liebe ich eben Bill Cosby und seine Pullover und will alles haben, wo sein Name draufsteht. So.

Wie es sich für einen richtigen Flohmarkt gehört, gab es auch noch Wühlkisten, und da habe ich tatsächlich ein Hörspiel auf Kassette entdeckt, das ich (ebenso für 50 Cent) flugs mitnehmen mußte - es handelt sich hierbei um Folge 12 einer POLICE-ACADEMY-Hörspielreihe, von der ich bislang nichts wußte! Und das originalverschweißt. Ich gehe davon aus, daß es sich um Mitschnitte der Fernsehserie handelt - die Episoden heißen jedenfalls "Neun Cops und ein Baby" und "Fisch und Mikrochips".

Und dann fand sich am Boden noch eine Kiste, in der diverse Spiele für das Sega Master System lagen - die ich im Handumdrehen allesamt supergünstig mitgenommen habe. Dies sind die Spiele:

Ball Jacks
Blockout
Cyberball
Fatal Rewind
Fun 'n Games
King of the Monsters
MD 16 in 1
Mega Games I (Super Hang-on, Columns, World Cup Italia '90)
Mega-Lo-Mania
Pac-Mania
Paper Boy
The Simpsons: Bart's Nightmare
Spider-Man
Tiny Toon Adventures: Buster's Hidden Treasure
Toki Going Age Spit
Turbo Outrun
World Cup USA 94

PAC-MANIA, PAPER BOY und TURBO OUTRUN kenne ich natürlich vom C64, der Rest ist mir eher nicht geläufig. Auf jeden Fall ein sehr schöner Retrogaming-Fund. Jetzt brauche ich nur noch ... ein Sega Master System! Hat jemand zufällig noch eines herumstehen und will sich (und mir) die ganze Mühe mit eBay ersparen?

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Hot Dogs auf Ibiza (1979)

2011-08-11T19:35:00.001+02:00

"Schreiben Sie etwas darüber, Genzel!" Die mich hier anblökende Stimme gehört nicht etwa einer unnachgiebigen Chefredaktion, sondern alleine meinem Gewissen, das so streng ist, daß es mich sogar siezt. Dieses Gewissen meldet sich schon vor Start des Films - eigentlich immer, will es doch sicherstellen, daß hier neue Texte entstehen und die verschollenen Perlen der Filmgeschichte per Kommentar konserviert werden - und später natürlich umso lautstärker, als der Film dann läuft und zu jeder Sekunde verdeutlicht, daß mein Gemüt offenbar so schlicht ist, daß ich mir 77 niveaufreie Minuten lang nackte bis halbnackte Frauen am Strand anschauen kann und trotzdem nicht das Gefühl bekomme, ich sollte mir jetzt stattdessen eine Truffaut-Retrospektive ansehen. Und das, obwohl Handlung und Witz in diesem französisch-deutschen Film mit dem schönen Titel HOT DOGS AUF IBIZA noch sparsamer budgetiert wurden als die Kostümabteilung.

Jeglicher Versuch, den Film mit den Worten "Es geht um ..." oder "Die Handlung dreht sich um ..." wiederzugeben, ist zum jämmerlichen Scheitern verurteilt, was damit zu tun haben könnte, daß es um gar nichts geht und es auch überhaupt keine Handlung gibt. Auch wenn folgender Satz vielleicht eine solche vortäuschen könnte: Der junge Vertreter Cri-Cri (Eltern gibt's!) heuert in einem Ferienparadies auf Ibiza als Animateur an und betreut dort nicht nur die übliche Reihe von, ähem, willigen Weibern, sondern hauptsächlich die hübsche Eva, deren Papa ausgerechnet Cri-Cris ehemaliger Chef ist. Potzblitz, ruft da irgendein findiger Autor aus der letzten Reihe, da könnte man doch eine schmissige Reihe von Verwechslungsspielen und dramatischen Komplikationen inszenieren! Freilich könnte man - aber natürlich könnte man ebenso Eva beim permanenten Sonnenbaden oben ohne zeigen und nebenher den Papa grummelnd beim ganzen Ferienprogramm mitmachen lassen, zu dem ihn Cri-Cri laufend anmeldet. Plot ist doch ein abgedroschenes Klischée.

Freilich ist die barbusige Parade durchaus ansehnlicher Frauen viel zugeknöpfter, als es zunächst den Anschein hat - immerhin ist der Film ab 12 freigegeben, was bedeutet, daß es gelegentlich Körper zu sehen gibt, aber ansonsten viel Sand, Wasser, Luft und wenig Liebe. Aber natürlich ist es typisch für die Sexkomödien aus dem europäischen Ausland, daß sie mit blanken Reizen locken, die dann im fertigen Film eine aneinandergereihte Laufzeit von fünf Minuten ausmachen - zum Glück für die Produzenten ist es ja für die Klassifizierung "Sexkomödie" nicht erheblich, wieviel Sex und wieviel Komödie denn nun letztlich drin stecken. Ansonsten wäre dieser Streifen im Fachhandel eher in der großen Abteilung "Sandbeschau" unterbracht.

Aber verschweigen wir mal nicht, daß es durchaus Anflüge von Handlungselementen gibt! Da wäre zum Beispiel ein Barkeeper, der zwar Abenteuern mit Hotelbesucherinnen nicht abgeneigt ist, aber extrem eifersüchtig auf jeden Gast wird, der die optischen Vorzüge seiner Freundin Alice lobt. Da freut sich also gleich zu Beginn ein Besucher über die "Schwungschenkel" der vorbeispazierenden Alice, woraufhin der Barkeeper ihm sogleich zur Strafe heißes Fett über den Arm gießt. Viel später im Film legt sich Alice eine Burka zu, um ihren Freund zu besänftigen, aber beim ausgelassenen Schwofen gerät prompt ein freundlicher Herr ins Stolpern und reißt ihr das schwarze Gewand herunter - und ich sehe die Buchbesprechung direkt vor mir, in der der erfahrene Regisseur seinem Autoren erklärt: "Es wäre noch viel lustiger, wenn sie unter der Burka gar nichts anhätte!" Zum Glück haben wir es hier mit einer Produktion zu tun, wo man auf den Regisseur hört.

Auch anderswo gibt es Szenen, die beim Nacherzählen so etwas wie ein fortlaufendes Prozedere vermuten lassen: Die junge Nelly zum Beispiel möchte mit ihren 18 Jahren endlich keine Jungfrau mehr sein und zieht sich also Männer zur Lösung des Problems heran. Leider bekommt jeder hoffnungsfrohe Kandidat stets zuvor einen Volleyball in die empfindlicheren Regionen gedonnert, weswegen Nelly immer wieder enttäuscht zurückgelassen werden muß. Oder denken wir an den unsicheren Hans, der in seinem Bungalow eine nackte Schönheit vorfindet, deren Name mir unerhörterweise schon wieder entfallen ist, und der sich um korrekte Wohnraumtrennung bemüht, obwohl die nette Dame einer trauten Zweisamkeit gar nicht abgeneigt wäre ("Das passiert auch immer nur den anderen", pflegte einer meiner Lehrer zu solchen Handlungsabläufen gerne zu sagen).

Hauptdarsteller Sylvain Green, der eigentlich Sylvain Chamarande heißt, spielte übrigens schon vor und auch nach HOT DOGS IN IBIZA in ähnlich gearteten Filmen von Regisseur Max Pécas unter dem Rollennamen "Cri-Cri" mit - zum Beispiel in DIE KLEINEN ENGLISCHEN GIRLS - LET'S DO IT ... TUN WIR'S DOCH (1977) oder auch in einem späteren (ebenso komplett jugendfreien) Streifen mit dem preisverdächtigen Titel WER SPRITZT DENN DA AM MITTELMEER (1980). Leider war es mir bislang nicht möglich, festzustellen, ob es sich hierbei um eine Fortsetzungsreihe handelt - was ja bedeuten könnte, daß HOT DOGS AUF IBIZA erst dann richtig verstanden und eingeordnet werden kann, wenn man die anderen Filme der Reihe kennt! "Schreiben Sie etwas darüber, Genzel", ruft da schon wieder mein Gewissen, und ich verspreche beinahe hoch und heilig, etwas über die verwandten Werke zu texten, sobald ich sie auftreiben kann.

In meinen Notizen steht jetzt noch, daß es blödere Beschäftigungen gibt, als sich Olivia Dutron, Alexandra Delli Colli, Ursula Buchfellner und ein paar andere hochkarätige Schauspielerinnen dabei anzusehen, wie sie den Strand auf- und abspazieren. Dummerweise steht unter dieser Notiz nicht mehr, welche Beschäftigungen das denn nun genau wären.

Hot Dogs auf Ibiza (Frankreich/Deutschland 1979)
Originaltitel: On est venu là pour s'éclater
Regie: Max Pécas
Drehbuch: Claude Mulot, Didier Philippe-Gérard, Max Pécas
Darsteller: Marco Perrin, "Sylvain Green" (= Sylvain Chamarande), Olivia Dutron, Alexandra Delli Colli, Ursula Buchfellner
Länge: 77 Minuten
FSK: 12

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Musiknews: Staind

2011-08-09T19:36:00.005+02:00

Die überraschend große Vorfreude auf das neue Staind-Album geht weiter (vgl. hier und hier): Auf GuitarWorld.com präsentiert die Band einen weiteren neuen Song mit dem Titel "Paper Wings".

Feiner Track und noch ein Zeichen dafür, daß die Band den Biß von früher wiedergefunden hat. Hier auch noch ein kurzes Interview mit Gitarrist Mike Mushok.

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Laura II - Revolte im Frauenzuchthaus (1983)

2011-07-25T13:33:00.002+02:00

Ein Knüller! Ein Knüller! Man kann es gar nicht anders beschreiben, was unser Favorit Bruno Mattei uns hier unter dem Titel EMANUELLE FUGA DALL'INFERNO auftischt - bei uns LAURA II - REVOLTE IM FRAUENZUCHTHAUS, obwohl der Film eigentlich keine Fortsetzung von LAURA - EINE FRAU GEHT DURCH DIE HÖLLE ist, aber praktischerweise vom selben Team offenbar zeitgleich mit denselben Schauspielern (aber in anderen Rollen) gedreht wurde. In der IMDB wird der Film gar als siebter und letzter Teil der ohnehin nur durch Hauptdarstellerin Laura Gemser zusammenhängenden BLACK-EMANUELLE-Reihe gelistet, aber so begegnungsfreudig wie in den anderen Filmen ist die gute Laura hier auch nicht mehr: Sie sitzt im Gefängnis, weil ihre Nachforschungen gegen einen finsteren Bezirksanwalt bezüglich Drogenschieberei auf wenig Gegenliebe stieß.

Da öffnet der Film gleich mit einer merkwürdig anmutenden Theateraufführung im Knast, wo sich drei angemalte Mädels - darunter auch Laura - dramatisch vorstellen. Nach den Ansprachen postiert sich aber die Gefangene Albina vor der Bühne, die sich mimisch offenkundig von den Sternstunden Klaus Kinskis inspiriert fühlt, und die erbost fragt, wie lange alle diesen Käse noch ertragen müssen (eine Positionierung dieser Szene zu einem späteren Zeitpunkt hätte eine schöne Metaebene geschaffen). Aus Protest wirft sie mit Tomaten nach Laura, woraufhin plötzlich auch alle anderen Zuseherinnen mit Gemüse und Salatblättern bewaffnet sind und diese Richtung Bühne feuern. Aber natürlich freuen wir uns, daß die Ernährung in diesem Gefängnis höheren Standards folgt als in Jess Francos FRAUENGEFÄNGNIS, wo es ja nur unidentifizerbares Gulasch mit Rattenbeilage gab.

Wir erfahren flugs die eingangs erwähnte Hintergrundgeschichte der Reporterin Emanuelle und bewegen uns sogleich in den Speisesaal, wo Albina gerade die beiden anderen Darstellerinnen der Aufführungen anpöbelt: "Take my advice and die!", knirscht sie einer entgegen, aber die weiß zu kontern: "I'd like to bite your nipples off! And I'll do it!" Laura fordert Albina zum Armdrücken heraus, und so drücken sie sich beide eine Zeitlang hin und her - Laura Gemser mit der ihr eigenen transzendent unbeweglichen Miene auf der einen Seite, Albina-Darstellerin Ursula Flores mit den fast aus dem Kopf herausfallenden aufgerissenen Augen auf der anderen. Das Vergnügen wird noch gesteigert durch die Oberwärterin Franca Stoppi, die nach Lauras Sieg mit bebendem Körper zur Ordnung ruft und schreit, daß es hier schon genug Gewalt gäbe.

Wenig später im Waschraum sind Lauras zwei Freundinnen eifrig dabei, nackt aneinander herumzuspielen. Die anderen Insassinnen sehen eher mißbilligend zu, bis dann Albina die Wärter ruft, die die beiden Mädels ein paar Mal mit dem Kopf ins Wasser tunken. Weil die eine danach etwas dampft, kann davon ausgegangen werden, daß das Wasser heiß war. Zurück auf der Zelle sind die beiden Frauen jedenfalls verstimmt, und eine äußert die Theorie, daß alle gegen sie sind.

Da muß Laura bzw. Emanuelle natürlich für das Wahre, Gute und Schöne eintreten. Sie erklärt der Gefängnisleiterin, daß sie weiß, was im Waschraum vorgefallen ist - woraufhin auch sie prompte Bekanntschaft mit dem Waschbecken machen darf. Nachdem die Wärterinnen abgezogen sind, kommt Albina zu Laura und wird erneut unfreundlich, was dazu führt, daß Laura sauer wird (mit zusammengebissenen Zähnen und herumfuchtelnden Armen, als wäre ihr gerade nach dem Staubsauger auch noch das Bügeleisen eingegangen) und sich mit Albina am Fußboden balgt - und schwupps, schon hält Laura Albinas blonde Perücke in den Händen und lacht sie aus, was der Beziehung der beiden auch nicht gerade hilft. Nur wenig später kämpfen die beiden auf dem Gefängnishof miteinander (eigentlich eher ein ungemähter Rasen hinter dem Haus), und Laura kann Albina das Messer abluchsen und es ihr in den Oberschenkel rammen.

Aber wer nun gedacht hat, daß der Zickenterror zwischen Emanuelle und Albina abendfüllend wäre, der irrt gewaltig! Wir schneiden nämlich prompt zu einem Gefangenentransport, wo vier üble Rabauken, bewacht von einem bärtigen Cop mit Pumpgun, zu einer neuen Strafvollzugsanstalt überbracht werden sollen. Der Transport wird aber von einer Gruppe Leute angegriffen, die als Polizisten getarnt sind - inklusive Polizeiautos! - und dabei werden die beiden Fahrer tödlich verletzt, woraufhin der Cop die vier Jungs offenbar ins nächstgelegene Gefängnis bringen muß: Jawohlja, unser Frauengefängnis. (Wer sich nun fragt, warum der Cop nicht einfach per Funk Verstärkung oder eine neue Transportmöglichkeit anfordert, oder warum die angreifenden Pseudopolizisten dann doch nicht die Gefangenen aus dem Transport befreien, sondern einfach verschwinden, zeigt eindeutig zu wenig Verständnis für die Autoren, die so mühevoll eine so schöne überraschende Wendung konstruiert haben.)

Schon steht das Quartett also im Frauenknast und wird uns vorgestellt: Crazy Boy Henderson, Helmut von Bauer (der darauf besteht, arischer Abstammung zu sein!), ein Mann namens Geronimo, und ein vierter Schurke, dessen Name offenbar weniger einprägsam war - allesamt mehrfache Mörder und Vergewaltiger. Ha! Man darf noch einmal den Autoren auf die Schulter klopfen, daß sie hier nicht etwa eine langweilige Bande von Wirtschaftskriminellen oder Steuerhinterziehern antanzen lassen.

Nur wenige Momente später überwältigen Henderson und Helmut die Oberwärterin und die Gefängnisdirektorin und halten sie als Geiseln, um den bärtigen Polizisten zum Niederlegen der Waffe zu zwingen. Nun könnte der sich ja völlig zu Recht überlegen, was wohl zwei unbewaffnete Männer mit Handschellen den Mädels antun könnten, und dann flott herübermarschieren und beiden den Kolben der Waffe an den Kopf kloppen, aber stattdessen wird der Cop unsicher. Vor allem, als Helmut seiner Geisel die Kehle anknabbert (offenbar mit einer im Mund versteckten Rasierklinge - vielleicht aber auch einfach so) und die tot umfällt. Brav legt der Polizist also seine Pumpgun nieder und sieht zu, wie Henderson die Waffe aufhebt und ihn damit wegpustet, ohne derweil nach seiner deutlich im Gürtel sichtbaren Pistole zu greifen. Ach, die Ausbildung italienischer Polizisten ist wohl auch nicht mehr das, was sie einmal war. Und alle anderen Wärter haben offenbar heute frei.

So haben die Männer also nun den Knast übernommen und vergnügen sich mit den anwesenden Frauen. Einer schnappt sich die strenge Gefängnisdirektorin und zwingt sie dazu, sich auszuziehen, und freilich trägt Frau Direx unter der Uniform schwarze Reizwäsche mit Strapsen. Geronimo lernt derweil Albina kennen, und die beiden verstehen sich auf Anhieb (und auf ihrer Matratze) prächtig. Weniger harmonisch läuft die Begegnung zwischen Henderson und Emanuelle ab, die sich um den angeschossenen Cop kümmert. Henderson haut dem Polizisten erst ein paar Mal mit der Hand auf die Schußwunde, bevor er Emanuelle dann vergewaltigt. Völlig zusammenhanglos dürfen wir übrigens protokollieren, daß Henderson von Laura Gemsers Ehemann Gabriele Tinti gespielt wird.

Mit einer Art Funktelefon in der Größe eines mittleren Reisekoffers diktiert Henderson alsbald seine Forderungen nach einem Fluchtauto und viel Lösegeld an die Polizei. Natürlich ist die derweil nicht untätig und schickt heimlich ein SWAT-Team ins Gefängnis, die quasi mit einem granatenstarken Trick einsteigen: Sie sprengen eines der Fenster und klettern in den Bau. Die Gangster lassen flugs einige Mädels in Männerkleidung auf den Gang rennen, wo diese prompt von den zu schnell reagierenden SWAT-Schützen erschossen werden. Bevor die Jungs aber noch "hoppla" oder "ach, herrje" sagen können, stürmen schon die Gauner hinterher und nieten das gesamte Team um. Immerhin wird einer der Rabauken beim Feuergefecht auch erschossen, aber man darf trotzdem als Manöverkritik festhalten, daß das SWAT-Team bessere Chancen gehabt hätte, wenn ihr viertes Mitglied mit einer Waffe anstatt mit einer Fernsehkamera ausgestattet worden wäre.

Während die übrigen drei Herren dann also auf das Fluchtauto warten, vertreiben sie sich ihre Zeit damit, daß sie Emanuelle und Albina russisches Roulette spielen lassen. Albina bleibt dabei leider nur zweite Siegerin, und rote Soße verteilt sich auf Hendersons Gesicht. Aber auch anderswo wird Blut gelassen: Eine der Insasinnen präpariert sich selbst an empfindlichdster Stelle mit einer in einen Korken gedrückten Rasierklinge und sagt beim Hereinschieben kurz "au". Als also der arische Herr von Bauer sich an ihr zu schaffen macht, ist er auch angesichts des einschneidenden Erlebnisses angemessen überrascht und erwürgt sie. Bevor er dann mit rotgetränkter Hose verbluten darf, stolpert er noch in einer endlos langen Einstellung an diversen Zellen vorbei, wo anonyme Insasinnen ihm das Gesicht zerkratzen (eigentlich sieht es eher danach aus, als wollten sie ihn begrapschen, aber daran hat er aus wohl nachvollziehbaren Gründen kein Interesse mehr).

Endlich ist das Fluchtauto da, und die beiden letzten Gauner stolpern mit Emanuelle, der Direktorin sowie dem bärtigen Cop als Geisel nach draußen. Dort steht der Herr Bezirksanwalt, der Emanuelle erkennt und sich per Flashback daran erinnert, wie sie ihm bei der Verurteilung geschworen hat, daß sie weiter gegen ihn vorgehen würde, sobald sie wieder draußen ist. Ergo greift der nette Anwalt also zur Waffe eines Polizisten und ballert ziellos in die Gruppe, wobei er aber nicht Emanuelle, sondern die Frau Direktorin sowie Geronimo erwischt und prompt auch selbst das Zeitliche segnen muß.

Im Fluchtauto herrscht Henderson dann vom Beifahrersitz aus den fahrenden Polizisten an, endlich schneller zu fahren, während er Emanuelle und den Cop auf dem Rücksitz in Schach hält. Leider stirbt der Motor irgendwo im Wald ab, und der Fahrer zückt eine kleine Pistole, mit der er Henderson anschießt. Der schießt mit der Pumpgun zurück, woraufhin der Fahrer mitsamt der Tür nach draußen geschleudert wird. Dann läuft er davon, verfolgt vom Bärtigen und Emanuelle. Die Verfolgsjagd mit den beiden angeschossenen, langsam humpelnden Herren und der besorgten Frau hinterher, die sich bemühen muß, keinen der beiden zu überholen (und gleichzeitig ein Gesicht macht, als wollte sie dem Polizist die vergessenen Butterbrote hinterhertragen), ist wahrlich ein Bild für die Götter. Als der Cop Henderson einholt, gibt es noch eine flotte Montage mit den schönsten Gewaltszenen, bevor der Ganove dann überwältigt werden kann.

Der Film schließt mit einer kurzen Einstellung, wie Emanuelle wieder in eine Gefängniszelle gesperrt wird. Ich fürchte, nach soviel Trubel wird ihr jetzt fürchterlich langweilig im Bau werden.

LAURA II kann mit all den Qualitäten aufwarten, die schon Matteis DIE HÖLLE DER LEBENDEN TOTEN so vergnüglich machten: Die Schauspieler grimassieren fürchterlich oder regen selbst bei Mord und Totschlag keine Miene, es wird mit rudernden Armen gestorben und mit haarsträubendster Logik geradezu fahrlässig geplottet, und alles ist so wunderbar billig inszeniert und doch so actionreich abstrus und, ähem, aufregend, daß man nur noch staunen kann. Viel Freude macht übrigens auch die Musik von Luigi Ceccarelli, die nach Goblins Synthrock klingt, aber hier mit viel hypnotischer Orgel unterlegt wird. Sehr schade, daß es nie einen Soundtrack gab.

Tja, was kann man noch sagen? Ein Knüller!

Laura II - Revolte im Frauenzuchthaus (Italien/Frankreich 1983)
Originaltitel: Emanuelle fuga dall'inferno
Alternativtitel: Women's Prison Massacre / Emanuelle in Prison
Regie. "Gilbert Roussel" (= Bruno Mattei)
Drehbuch: Claudio Fragasso, Olivier Lefait
Kamera: Henry Froger (= Henry Frogers)
Musik: Luigi Ceccarelli
Produktion: Jean Lefait
Darsteller: Laura Gemser, Gabriele Tinti, Franca Stoppi, Lorraine De Selle, Ursula Flores

Die auf Amazon angebotene Fassung von Carol Media ist stark geschnitten (Laufzeit: 71 Minuten!). Die auf OFDB angebotene Version von X-NK dagegen ist ungekürzt (Laufzeit: 85 Minuten).

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Musiknews: Cold, Incubus, CKY, Staind, Slaves on Dope

2011-07-15T11:32:00.003+02:00

Cold haben lange Pause gemacht - eigentlich hatte sich die Band nach dem schwerfälligen 2005er-Album A DIFFERENT KIND OF PAIN aufgelöst und Sänger Scooter Ward hatte ein neues Projekt namens The Killer and the Star gestartet. Ein paar Reunion-Konzerte 2009 haben jetzt doch in ein neues Cold-Album gemündet, und entgegen damaligen Verlautbarungen will die Band auch weiter touren & aufnehmen - wobei die beiden Gitarristen der ursprünglichen Besetzung, Kelly Hayes und Terry Balsamo, ja schon 2005 nicht mehr dabei waren und auch hier wieder durch neue Leute ersetzt werden.

Anyway: Das komplette Album (mit dem Titel SUPERFICTION) kann man sich hier als Stream anhören. Gefällt mir ganz gut - die Ecken und Kanten der ersten zwei Alben sind zwar nicht wieder drin, aber die aufgepustete Schwere des letzten Albums ist auch weg und die Band spielt wieder mit mehr Feuer. Album erscheint in den Staaten am 19., bei uns am 22. Juli.

Von Incubus hat man auch schon lange nichts mehr gehört - und manch einer erinnert sich vielleicht auch, daß ich ihr letztes Album LIGHT GRENADES okay fand, aber nicht unglaublich warm damit geworden bin (siehe hier). Das war 2006. Mittlerweile habe ich die Band fast vergessen - ich habe mitgekriegt, daß es eine Best-of-inklusive-Bonuszeugs gab, und beim Blick übers CD-Regal fielen mir die Jungs immer mal wieder ein, aber im Gegensatz zu den meisten anderen Bands von früher habe ich bei Incubus einfach nie nachgesehen, was die grad so machen und ob sich da nicht mal etwas Neues am Horizont abzeichnet.

Jetzt gibt's also das neue Album IF NOT NOW, WHEN?, und nicht nur das Visions zeigt sich angesichts der poppigen Vorgänge auf der CD stutzig: Das ist so relaxed und gefällig und wohlklingend und, herrje, spannungslos, daß sich mir böse im Hinterkopf die Phase "ein schönes Incubus-Album für alte Leute" aufdrängt. Aber das mag ja jeder mal selber beurteilen: Hier kann man das ganze Album im Stream anhören. Einzeln mögen da einige Songs schön sein (was immer "schön" ist), aber spätestens nach vieren davon werde ich ruhelos. Und "Promises, Promises" ist schon verdammt nah an den ganzen Schmusepoppern im Radio.

Nein, CKY haben noch kein neues Album - das sperrige CARVER CITY bleibt derweil das aktuellste. Dafür gibt's einen Release mit dem originellen Titel B-SIDES & RARITIES, und wir verlosen keine Preise und all den Kommentatoren, die ahnen können, was sich darauf befindet. Immerhin wird der Release von einem neuen Video begleitet - der Single "Afterworld", die die Band ursprünglich für den JACKASS-3D-Soundtrack aufgenommen hatte. Feiner Song mit gut summendem Groove.

Die größte Überraschung seit langem bereiten uns Staind mit ihrem neuen Album (das schlichtweg STAIND heißen wird), das am 13.9.2011 erscheint: Die Gruppe klang ja schon seit Jahren gerne mal so, als hätte ihnen der Arzt jede Aufregung verboten (Review zum letzten Album hier). Auf dem Soundtrack zu TRANSFORMERS 3 bot die Band dann überraschenderweise das kantigste Stück, und dieser Vorbote wird jetzt von zwei weiteren Songs zementiert: Die Jungs sind wieder bei der kantigen Härte von DYSFUNCTION und davor angelangt. Die Gitarren schrubben hart, und selbst auf der ersten Single "Not Again" (siehe provisorisches Video oben) schreit Aaron Lewis wieder wie zu den schönsten Zeiten. "Eyes Wide Open" (das Video ist nur ein Standbild, bietet also nur den Audiotrack) ist, würde ich mal sagen, eine der härtesten Nummern, die sie je aufgenommen haben. Und ja, das ist genau die Spannung, die ich von Staind hören will - denn auch wenn ab BREAK THE CYCLE (ja, inklusive dieses Albums!) immer mal wieder ein netter Song abfiel, war doch der Output der Gruppe seitdem stets viel zu brav und kraftlos, trotz laut aufgedrehter Gitarren. Aber ja, auf den neuen Songs gibt's auch die Lewissche Melancholie, die wehmütigen Melodien und die trübe Schwere - aber alles gepackt in ein Gewand, das mit Power gespielt und mit Kraft vorgetragen wird. Ehrlich, ich hätte nicht gedacht, daß ich mich je wieder so auf ein Staind-Album freuen würde.

Interessant dazu auch dieses Interview mit Aaron Lewis auf Noisecreep, wo der Sänger auch über seine Country-Solo-EP redet (auf der sogar Charlie Daniels spielt!) und über das neue Staind-Album sagt: "It's shaping up to be the heaviest thing we have recorded in a long time. It's definitely one of the heaviest collection of songs that we have put together."

Einen haben wir noch: Die Slaves on Dope, 2000 von Ozzy Osbourne (!) im Zuge der NuMetal-Welle gesignt, nach dem zweiten (Major-)Album METAFOUR 2003 dann aber auch wieder verschwunden. Die Rhythmussektion spielt mittlerweile mit Ex-Ünloco-Frontmann Joey Duenas in Anew Revolution, Sänger und Gitarrist der Slaves haben sich nun wieder zusammengetan und arbeiten an einem neuen Album (OVER THE INFLUENCE), zu dem es jetzt ein Video gibt: "No One to Blame". Starker Song, starke Energie!

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Sirene I (1990)

2011-06-30T15:56:00.001+02:00

Ich liebe Unterwasserfilme. Ich liebe Filme mit wabbrigen Gummialiens. Und ich liebe spannende, clever inszenierte kleine B-Filme. Sagen wir mal so: SIRENE I erfüllt zwei von drei Voraussetzungen.

Der Film, der bei uns auch U1 - TAUCHFAHRT DES TODES heißt und im Original entweder THE RIFT oder ENDLESS DESCENT genannt wird, war Teil der großen Welle (man beachte den subtilen Wortwitz!) an Unterwasserfilmen, die Ende der Achtziger über den Filmmarkt hereinbrach. Neben Camerons großem Vorbild THE ABYSS gab es 1989 Sean S. Cunninghams DEEP STAR SIX, LEVIATHAN von George P. Cosmatos und den Corman-produzierten LORDS OF THE DEEP. Ein Jahr später schwamm noch dieser schöne Film hinterher, eine spanisch-amerikanische Koproduktion, dirigiert von Juan Piquer Simón.

Das Unterseeboot "Sirene 1" verschwindet spurlos in einem Seegraben, weswegen das Schwesternschiff "Sirene 2" losgesandt wird, um der Sache nachzugehen. Nachdem sich das Schiff noch im Experimentalstadium befindet, wird dem Konstrukteur Wick Hayes nicht nur die Schuld gegeben (obwohl er schon längst nicht mehr für die Firma arbeitet und seine Baupläne geändert wurden) - er wird auch prompt als Berater für die neue Mission hinzugezogen! Hayes, der von Jack Scalia gespielt wird (der sich in späteren Jahren in allerlei Videotheken-Radau wie T-FORCE, DARK BREED und NUCLEAR HURRICANE durchschlagen durfte), legt sich auch prompt zum Auftakt mit Schiffskapitän R. Lee Ermey an, der exzentrischerweise darauf besteht, daß seine Befehle ohne Widerworte erledigt werden und in Krisensituationen wenig Gehör für einen ehemaligen Konstrukteur zeigt, der sich aufgrund von Designänderungen beleidigt zeigt.

Nach kurzer Zeit empfängt das U-Boot das Signal der Black Box der verschollenen "Sirene 1" und taucht in eine Meeresspalte auf 30.000 Fuß Tiefe. Das sind umgerechnet über 9.000 Meter, aber der experimentelle Teil der "Sirene"-Klasse äußert sich wohl darin, nicht schon bei 1.000 Metern vom Wasserdruck zerquetscht zu werden. Weil die Kameras draußen Algen zeigen, obwohl in solcher Tiefe gar keine Photosynthese stattfinden könnte, wird flugs ein Taucher namens Sven herausgeschickt, der sich ein wenig umsehen soll. Ich persönlich glaube ja, daß ein Taucher bei 9 Kilometer Tiefe wenig Freude bei der Arbeit haben dürfte, aber was verstehe ich denn schon davon.

Sven schwimmt also ein wenig durch den Ozean und schneidet eine Alge ab, weil ihn die Schiffsbiologin um eine Probe gebeten hat (besagte Biologin war übrigens einst mit Wick Hayes liiert, und wenn diese Backgroundstory einen dramaturgischen Sinn hätte, würde ich glatt darauf bestehen, das schon einmal gesehen zu haben). Dann erschrickt er ob einer im Wasser treibenden Leiche. Er wird über Funk gefragt, was los sei, und jetzt involviere ich den Leser einfach mal und lasse ihn raten, welche Antwort Sven gibt:

A) "Hier treibt eine Leiche im Wasser. Übel zugerichtet. Ob die von der 'Sirene 1' stammt?"
B) "Ich glaube, hier draußen ist es gefährlich! Bitte um Erlaubnis, an Bord zurückkommen zu dürfen!"
C) "Das erzähle ich euch später".

Sven wird also nur kurze Zeit später von irgendetwas gefressen, was die Crew des U-Bootes stutzig macht. Noch verwunderter sind sie über den Angriff einer gigantischen, hell leuchtenden Amöbe (eventuell auch nur ein weißes, löchriges Tuch, das über das Modell des U-Bootes geworfen wird). Wick Hayes reißt das Kommando an sich und vertreibt das Vieh mit einer "Polarisierungsumkehrung" - ich stelle mir dazu eine Vorrichtung im U-Boot vor, mit der man entweder "Strom innen" oder "Strom außen" einstellen kann.

Das U-Boot taucht weiter in die Spalte und findet schließlich eine Unterwasserhöhle, in der es auch einen nicht überfluteten Teil mitsamt Sauerstoff gibt. Mittels Schlauchboot paddeln einige der Crewmitglieder ans Ufer und beginnen, durch ein labyrinthisches Höhlensystem zu irren - wo flugs glibbrige Wesen aus den Spalten kriechen und die Arbeitsbedingungen drastisch verschlechtern. An Bord geht es unterdessen nicht minder aufregend zu: Die mitgebrachte Algenprobe hat sich inzwischen des Labors bemächtigt und infiziert Crewmitglieder bei Berührung durch eine Art Mutationsgen.

In den Tunnels findet der von den Kreaturen dezimierte Trupp, von denen sich keiner auch nur im Geringsten daran erinnert, ähnliche Geschehnisse schon im Kino in Camerons ALIENS gesehen zu haben, eine Forschungsstation, wo eine verschrumpelte Leiche vor einem Computerterminal sitzt. Hayes interessiert sich aber weniger für den Verstorbenen, sondern vielmehr für die hochmoderne 3,5"-Diskette, die sich im Laufwerk befindet. Zufrieden kehren sie zum U-Boot zurück - wobei einer noch von einem Killeraal weggeknuspert wird - und sehen sich dort das Videofile an, das auf der Diskette gespeichert war. Das Video ist recht kurz (was will man auch erwarten von maximal 1,44 MB Dateigröße), erläutert aber hinreichend, daß es sich bei der Forschungsstation um ein geheimes Labor der Regierung handelt, in der mit einem sogenannten "DNA-Beschleuniger" die "Transgenetik" erforscht wird. Ich glaube, es wäre einfacher und praktischer, eine geheimes Forschungslabor im Weltraum aufzubauen als in 9 Kilometer Tiefe auf dem Meeresboden, aber vielleicht haben die Forscher ja auch dafür plädiert, nach Feierabend schwimmen gehen zu können.

Hayes, der Kapitän, die Biologin und Anhang machen sich also erneut auf in die Höhlen, um den DNA-Beschleuniger zu finden und zu zerstören, bevor immer mehr mutierte Viecher den Ozean überschwemmen und an die Oberfläche geraten, wo dann womöglich Fortsetzungen
entstehen könnten. Leider wird der DNA-Toaster von einer Art Riesensonnenblume bewacht, die mit Tentakeln bewaffnet ist und den geschwätzigen schwarzen Matrosen frißt, der den kompletten Film über geglaubt hat, er sei Eddie Murphy.

Nur wenige Explosionen später ist das Gerät Geschichte, und die drei Überlebenden paddeln zurück zum U-Boot. Dummerweise werden sie dort gar nicht mehr reingelassen, weil ein brillentragender Matrose sich als Verräter entpuppt, der keine Spuren hinterlassen will. Glücklicherweise kennt Hayes als Konstrukteur einen geheimen Zugang zum U-Boot (der daraus besteht, die Anhebung auf der Luke gegen den Uhrzeigersinn zu drehen), und drinnen darf dann der große Showdown gegen den Saboteur beginnen. Dazu verraten wir freilich nur, daß nicht alle Besatzungsmitglieder den morgigen Tag erleben werden und unsere Helden mit einem Fluchtshuttle entkommen können, während sich ein anderer für sie dramatisch aufopfert.

Man kann nicht ruhigen Gewissens behaupten, daß dieses sparsam ausgestattete Monstermovie mit den billigen Effekten gut sei. Auf das Adjektiv "vergnüglich" können wir uns da schon viel eher einigen. Aber ich habe ja auch ein Herz für Filme, in denen harte Kerle mit Fönfrisur in 30.000 Fuß tiefen Höhlen gegen Gummiviecher kämpfen und damit die Welt vor DNA-Beschleunigung retten können. Und in denen die richtige Antwort nur C) sein kann.

Sirene I (Spanien/USA 1990)
Regie: "J.P. Simon" (= Juan Piquer Simón)
Drehbuch: "J.P Simon" (= Juan Piquer Simón), Mark Klein, David Coleman
Kamera: Juan Mariné
Musik: Joel Goldsmith
Darsteller: Jack Scalia, R. Lee Ermey, Ray Wise, Deborah Adair, Edmund Purdom
FSK: 16

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Pieces - Stunden des Wahnsinns (1982)

2011-06-30T12:05:00.002+02:00

Kinder, heute schauen wir mal etwas ganz Originelles - einen Slasher aus den frühen Achtzigern. Oh ja! Es ist eine der beruhigenden Gewißheiten im Leben, daß es, egal wieviele Slasher man schon gesehen hat, immer noch Dutzende geben wird, die man noch nicht kennt. Dieser hier ist eine spanisch-puerto-ricanische Koproduktion aus dem Jahre 1982 und wurde von Juan Piquer Simón mit größtenteils englischsprachigen Schauspielern inszeniert - und auf dem Poster (große Kettensäge plus zusammengeflickte Frau) prangt der schöne Satz "It's exactly what you think it is!". Nun ja ... braucht ihr mich dann eigentlich noch, um was drüber zu sagen? Nicht? Dann erzähle ich trotzdem ein wenig davon.

Der Terror fängt hier schon in der Kindheit an: Wir sehen einen kleinen Jungen, der eifrig ein Puzzle zusammensetzt. Die Mutter kommt ins Zimmer und sieht das Motiv des Puzzles: ein nacktes Pin-Up-Girl. Erbost über derartige Frivolität scheuert sie dem Jungen eine, nimmt ihm das Puzzle weg und macht sich schäumend daran, das Zimmer nach etwaiger Pornographie zu durchsuchen. Wir wissen zwar nicht, wer dem Kind das schöne Puzzle geschenkt hat, können aber trotzdem ganz im Sinne des aufklärerischen Schulmädchenreports konstatieren: Diese Mutter handelt falsch.

Das merkt Mama dann auch eine Minute später selbst, als der Junge mit einer Axt, die ungefähr so groß ist wie er selbst, hinter ihr steht und ihr damit den Schädel spaltet. Dann macht er sich gleich eifrig mit einer Säge an ihr zu schaffen. Als die Polizei eintrifft (weil eine Verwandte sich sorgte), finden sie die zersägte Mutti auf dem Boden, ihren Kopf im Schrank und den Jungen verstört in einem Versteck, woraufhin geschlußfolgert wird, daß sich ein wahnsinniger Mörder herumtreibt. Ich bin mir noch unschlüssig, ob ich den Film eher als Anschauungsmaterial für Vorlesungen über sexuelle Repressionen empfehlen sollte oder doch lieber als Lehrvideo für auszubildende Kriminalbeamte.

Circa vierzig Jahre später treibt sich der mittlerweile erwachsene Killer nun an einem College herum. Gleich zum Auftakt schnappt er sich eine Kettensäge und macht sich am hellichten Tag über ein auf dem Campusrasen liegendes Mädchen mit kurzem Rock her. Es spricht für die meditative Ausgeglichenheit der Bildungsanstalt, daß das weder jemandem während des Prozederes auffällt, noch daß das Mädchen ernsthafte Anstalten macht, davonzulaufen. Weil der Killer - dessen Gesicht wir nicht sehen - bei der Tat angeregt schnauft und sich nach verrichteter Arbeit sogleich daran macht, wieder mit seinem alten (mittlerweile blutbefleckten) Puzzle zu spielen, fragen wir uns, ob ihm den vergangenen vierzig Jahren keine Frauen über den Weg gelaufen sind. Aber vielleicht hat er sich auch nach einem abgebrochenen Psychologiestudium und vergeblichen Anläufen, in einer Brettspielfirma anzuheuern, jetzt dazu entschlossen, seinem Leben eine neue Richtung zu geben.

Immerhin findet die Polizei die zerstückelte Leiche und macht sich Sorgen, vor allem Chefinspektor Christopher George, den Horrorveterinäre, äh, -veteranen aus dem Fulci-Klassiker EIN ZOMBIE HING AM GLOCKENSEIL kennen, wo er dasselbe Gesicht trug. Ein paar Verdächtige werden verhört: Der Gärtner zum Beispiel, der vom fülligen und bärtigen Paul Smith gespielt wird (der in den Siebzigern mal vergblich als Bud-Spencer-Klon ins Rennen geschickt wurde - nennt man das dann Budsploitation?) und so angestrengt finster dreinblickt, daß er unmöglich der Täter sein kann. Ebenso gibt es einen Professor (Jack Taylor), der sich verdächtigerweise so gar nicht beeindruckt zeigt von diesem Mordfall. Während Christopher George also sein Gesicht am Campus spazierenträgt, fordert Dekan Edmund Purdom, daß etwas geschehen muß.

Tut es auch: Des Nachts wird ein nacktes Mädchen beim Swimming-Pool zersägt (anstatt ins Becken zu springen und zu hoffen, daß Kettensägen unter Wasser nicht funktionieren, kreischt sie lieber etwas). Kurz darauf trifft der Gärtner am Tatort ein, weil er eine verdächtige Gestalt herumschleichen sah, und prompt steht auch die Polizei auf der Matte, die ihn nun für den Täter hält. Er macht also das einzig Logische in der Situation: Er greift die Polizisten an und prügelt sich mit ihnen, bis sie ihn überwältigen können. Hernach betracht der Oberinspektor den Berg aus Leichenteilen und die danebenliegende blutverschmierte Kettensäge und sinniert darüber, ob es sich womöglich um die Mordwaffe handeln könnte. Professor Jack Taylor, zufällig auch anwesend, betrachtet nachdenklich ein abgetrenntes Bein und dann das in Frage kommende Instrument (er wird vom Inspektor noch gescholten, daß er es angefaßt und jetzt vielleicht wichtiges Beweismaterial vernichtet hat) und gibt dann zu Protokoll: Er ist zwar kein Pathologe, aber - freilich!

Da muß die Polizeikraft am Campus doch prompt verstärkt werden. Weil der einzige Helfer des Oberinspektors, ein älterer grauhaariger Herr, damit beschäftigt ist, die Akten im Archiv dahingehend zu durchwühlen, ob ihm irgendwo etwas Ungewöhnliches auffällt, heuert der Kriminalbeamte eine junge blonde Frau an, die zufällig Tennisstar ist und ergo undercover am College als Tennislehrerin arbeiten soll. Leider kommt der gute Inspektor Issel aber nicht auf die Idee, sie nachts als Lockvogel einzusetzen und das Gelände, in dem sie sich befindet, mit versteckten Polizisten zu besetzen, um dann den Mörder einkreisen zu können - aber das liegt vielleicht einfach daran, daß er ja außer dem Aktenwälzer gar keine Mitarbeiter zur Verfügung hat. Als Ausgleich kommt aber auch niemand auf den Gedanken, die Studenten zu warnen, daß sie nachts nicht alleine auf die Straße gehen sollen, oder gar gleich eine Ausgangssperre zu verhängen.

So muß Frau Tennisprofi also tagsüber den Schläger schwingen und nachts irgendwo herumstreunern, wo der Mörder gerade nicht aktiv ist - der ist nämlich derweil damit beschäftigt, einem Mädchen aus einer Aerobicklasse im Fahrstuhl den Arm abzusägen und eine andere Frau auf einem Wasserbett umzubringen. Nach jeder Tat puzzelt er wieder ein wenig und bastelt außerdem aus mitgenommenen Leichenteilen ein Abbild seiner Frau Mama - da freuen wir uns doch, daß er nach so vielen Jahren seine Mutti doch noch ins Herz geschlossen hat. Student Schwarz, ich erwarte die zehnseitige Proseminararbeit zum Thema "PIECES, Puzzles und Freud" Montag früh auf meinem Schreibtisch.

Die Bemühungen vom Inspektor, seinem Assistenten und der Tennisdame bleiben derweil erfolglos, obwohl sich ein motivierter Aufreißerstudent mittlerweile der Polizei hilfreich angeschlossen hat und die Ermittlungen begleitet. Es ändert nichts daran, daß eine halbnackte Studentin in der Sportanlage die Bekanntschaft des sägeschwingenden Mörders machen muß, und wieder setzt Christopher George beim Fund der Leiche diesen Gesichtsausdruck auf, wo er kurz davor ist, die Lippen zusammenzupressen, die Faust zu ballen und diese ganz stille "Mist!"-Geste zu unterdrücken.

Die Undercover-Agentin wird übrigens des Nachts doch noch angegriffen: Von einem dahergelaufenen Asiaten, der sie mit ein paar Kung-Fu-Tritten und -Schlägen bedrängt und sich überrascht zeigt, daß sie sich wehrt. Glücklicherweise kommt in dem Moment der Aufreißerstudent vorbei, der den Asiaten erkennt und hilfreich erklärt, daß es sich um Professor Chow handelt, der am College Martial Arts unterrichtet. Chow erläutert, daß er wohl schlechtes Chop Suey gegessen hat und sich an nichts erinnern kann, und dann lachen alle und gehen ihrer Wege. Falls sich der Verdacht aufdrängt, daß die Sequenz überhaupt nichts mit der Handlung zu tun hat, so können wir den interessierten Zuseher darüber informieren, daß der Produzent des Films, Dick Randall, diverse Filme mit Bruce-Lee-Imitatoren betreute und es für eine gute Idee hielt, einen solchen auch hier auftreten zu lassen.

Wir stehen kurz vor dem Schluß, und ich überlege, ob ich nun tatsächlich verraten soll, wer der Täter ist. Sagen wir mal so: Wer ist denn da, der im richtigen Alter wäre und sich bislang absolut unverdächtig und ohne tatsächliche Handlungsfunktion gezeigt hat? Nein, der Chefinspektor zählt nicht. Jedenfalls steht also der Tennisstar bei ihm vor der Tür, er mixt ihr Drogen in den Tee, und kurz, bevor er ihr die Zehen absägen kann (Muttis Schuhe passen ihr nicht), stürmt die Polizei in die Wohnung - weil der Aufreißerstudent beim Aktenwälzen etwas Ungewöhnliches entdeckt hat. Zum Abschluß gibt's noch zwei schöne Schockmomente - einen gelungenen und einen ... nun ja.

"It's exactly what you think it is!" Nun ja, im Prinzip schon: Es ist halt ein 80's-Slasher. Ein irrer Killer, viele recht anonyme Opfer, diverse blutrünstige Morde, und ein paar Schocks. Wobei PIECES zwar im Plot eher amüsant anmutet, aber dafür anderweitig punktet: Der Film ist drastischer und intensiver als viele vergleichbare Filme und schafft eine durchaus nervöse Stimmung. Und wenn man will, kann man einen gewissen Giallo-Einfluß feststellen: Im Auftreten des schattenhaften Killers, in der engen Verknüpfung von Sex und Tod und der dazugehörigen einfachen Symbolik (das blutbefleckte Puzzlespiel!), in gewissen Bildkompositionen und in der Musik (z.B. beim Vorspann). Und hey, einen Kung-Fu-Kämpfer gibt's ohne Aufpreis dazu!

Pieces - Stunden des Wahnsinns (Spanien/Puerto Rico 1982)
Originaltitel: Mil gritos tiene la noche
Regie: Juan Piquer Simón
Drehbuch: Dick Randall & John Shadow
Kamera: "John Marine" (= Juan Mariné)
Musik: Librado Pastor
Darsteller: Christopher George, Paul Smith, Edmund Purdom, Linda Day, Jack Taylor

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Freddy Sahin-Scholl: Carpe Diem (2010)

2011-06-30T01:07:00.002+02:00

The fact that singer Freddy Sahin-Scholl's album CARPE DIEM hit the stores exactly two days after he won Das Supertalent (Germany's version of Britain's Got Talent) -- show finale on Saturday, CD in stores on Monday -- is only surprising to those who neither know about the mechanisms behind TV programs (of course, a musician is much more commercially viable than a woman who crushes melons with her gigantic breasts and all the other odd "talents" presented in the show) nor are aware of the fact that CARPE DIEM is simply a major-label re-release of an album Freddy Sahin-Scholl recorded in 1999 under the name "Galileo" and which had already been reissued in 2003 (by Edel). The only difference to the previous versions is the substitution of the title track against a "Version 2010" re-recording, and the addition of the Zucchero-penned song "My Love." With producer Edo Zanki (who had been active as a solo artist since the '70s and worked as Xavier Naidoo's producer), keyboardist and arranger Florian Sitzmann (member of Söhne Mannheims), and lyricist Cae Gauntt (of 4 Your Soul), Sahin-Scholl produces a showcase for his impressive ability to sing both soprano and baritone, often as a sort-of duet with himself. Most of the record mixes pseudo-classical orchestrations with pop balladry, but unfortunately, the bombastic arrangements and Sahin-Scholl's operatic vocals often make the songs (most of which were composed by the singer himself) feel overblown, as if constantly prodding you into finally feeling deeply moved. The record's best track, the disco-inspired "A Love Eternal" (written by Sitzmann), is a welcome change of pace with its subdued groove, and the music's theatricality feels more natural in this context. Fans of Sahin-Scholl's TV performances will surely enjoy the record, but anyone with a low tolerance for kitsch and pomp should stay far away. Still, since the music on this debut album is actually 11 years old, it will be interesting to hear what the 57-year-old vocalist's next move will be after his late breakthrough.

This review was written for the All-Music Guide and first published on June 29, 2011.

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Musikkäufe: Eagles, Aztec Camera, Blancmange, Yankovic, Nona Hendryx, Wendy Carlos, ...

2011-06-28T19:44:00.001+02:00

Am Wochenende war wieder einmal Plattenbörse in Salzburg, und natürlich habe ich die Stände gesichtet und bin mit einem (diesmal etwas kleineren) Stoß Neuanschaffungen nach Hause gekommen. Viel Schönes und Spannendes dabei, und der coolste Fund gleich zu Beginn:

(Wie immer leitet ein Klick auf die Bilder euch zu Amazon, wo ihr die Alben kaufen könnt. Ein kleiner Betrag von allem, was ihr bei Amazon bestellt, fließt dann in diese Website. Vielen Dank für die Unterstützung!)

The Hot Spot - Original Motion Picture Soundtrack (1990). Es ist ein absoluter Traum, den knurrigen Bluesmann John Lee Hooker zusammen mit Miles Davis spielen zu hören. Dahinter die Slidegitarre von Roy Rogers und ein paar Blueslicks von Taj Mahal, plus eine lässig groovende Rhythmussektion. Ich liebe den dazugehörigen Film von Dennis Hopper, ein wundervoller moderner Film Noir in staubig-getragenem Tempo - mit einem Don Johnson, der nie besser war, und Jennifer Connolly und Virginia Madsen. Der Score besteht weniger aus Songs als aus improvisiert wirkenden Skizzen - komponiert von Jack Nitzsche, der die Musik zusammen mit Michael Hoenig produzierte - aber erstens war ja auch Miles' Score für FAHRSTUHL ZUM SCHAFOTT eher skizzenhaft gestrickt, und zweitens geht es hier nicht um Lieder, sondern um ein Feeling, um eine Stimmung. Ein Album für die Dauerrotation.

Cruising - Music from the Original Motion Picture Soundtrack (1980). Noch ein cooler Soundtrack, der schon wieder von Jack Nitzsche produziert wurde - der Mann taucht irgendwie auf jedem zweiten Soundtrack auf, den ich mir in letzter Zeit kaufe. Zu William Friedkins kantigem Thriller gibt's trockene Rocksongs mit Blickrichtung New Wave und Punk. Drei Songs von Willy DeVille, zwei von The Cripples, dazu noch John Hiatt und Germs (G.I.). Plus ein Track von P-Funk-Seitenprojekt Mutiny, der Band von Parliament-Drummer Jerome "Bigfoot" Brailey. DeVille's "It's So Easy" wurde dann später von Tarantino für seinen DEATH-PROOF-Soundtrack verwendet.

Eddie Murphy: Comedian (1983). Ich liebe Eddie Murphy, weswegen ich mir ja auch selbst die ärgsten Ausrutscher von ihm ansehe. Das hier ist das zweite und letzte seiner Stand-Up-Comedy-Alben (nach dem selbstbetitelten Album von 1982), das als Klassiker unter den Comedyplatten gilt. Was das Material angeht, macht Eddie keine Gefangenen - vieles ist nicht nur derb und tief, sondern geht auch gerne auf Kosten von Minderheiten (wobei "Faggots Revisited" wahrscheinlich nur deswegen dabei ist, weil sich viele Menschen über "Faggots" auf dem Vorgänger aufgeregt haben) - aber das Schockventil ist man ja von Stand-Up mittlerweile gewöhnt. Die Sequenzen sind teilweise amüsant, aber nicht unbedingt zum Brüllen komisch - aber Eddies Timing dafür sitzt wie eine Eins.

Angel Heart - Original Soundtrack (1987). "Do you know where I could find this Johnny Favourite?" - "Only in the cemetery. You wanna hear one of his tunes?"

Mickey Rourkes vielleicht beste Rolle (läßt man mal den WRESTLER außer acht) und ein unglaublich intensiver Trip von einem Film. Trevor Jones' Musik ist mysteriös und fiebrig und wehmütig, das Saxophon darin stammt von Courtney Pine, und es sind Songs von Bessie Smith und Laverne Baker und anderen eingewoben, die mitsamt den Dialogfetzen aus dem Film (nein, Tarantino hat das nicht erfunden) das Feeling des Films klanglich perfekt wiederaufleben lassen. The future isn't what it used to be, Mister Angel.

Eagles: The Long Run (1979). Ach ja, die Eagles - die erfolgreichste aller glattpolierten Country-Rock-Schmalzbands, die auch hier mit viel weißem Pulver in der Nase und unglaublichst gebügelter Produktion einen Hitsong nach dem anderen aneinanderreihen. Nun gut, eigentlich waren die Songs nur in den Staaten große Hits - dort dafür zum Davonlaufen groß - während bei uns hauptsächlich der zusammen mit Bob Seger geschriebene "Heartache Tonight" bekannt ist. Auf "Those Shoes" gibt's funkige Talk-Box-Gitarren und ein entsprechend schräges Solo, aber ansonsten ist natürlich jedes Tönchen so geglättet, daß die Aufregung nur auf Bestellung anrückt. Wer die Eagles mag (ja, das tue ich), kriegt ein feines Album voll mit schönen Melodien - und wer sie nicht mag, würde sich vermutlich eh nie einen Platinseller von ihnen zulegen. Übrigens: Mit diesem Album habe ich jetzt alle Eagles-Studioalben von 1974 bis heute (hüstel).

Amanda Lear: Diamonds for Breakfast (1980). Disco! Ich kenne ja bislang keine Amanda-Lear-Alben, aber dieses hier - ihr viertes - scheint ein durchaus guter Einstieg zu sein, mit funky Tracks wie "I Need a Man" und "Japan". Natürlich wäre mir ihr drittes Album lieber gewesen - NEVER TRUST A PRETTY FACE, offenbar eher Space-Disco-orientert - aber hey, das ist ja langfristig gesehen keine Entweder-Oder-Frage ...

Hindu Love Gods (1990). Wer sind die Hindu Love Gods? Ganz einfach. R.E.M. ohne Michael Stipe, dafür mit Warren Zevon. Offenbar schon 1986 aufgenommen, aber erst 1990 veröffentlicht (könnte der Erfolg von R.E.M. etwas damit zu tun haben?). Die Tracklist setzt sich aus verschiedenen Covers zusammen: zwei Robert-Johnson-Songs, "Raspberry Beret" von Prince, ... Gerade letzterer Track soll sehr gut sein. Ich bin gespannt.

Aztec Camera: Knife (1984). Roddy Frame, den "Chef" von Aztec Camera, kannte ich eigentlich nur, weil er auf dem Ryuichi-Sakamoto-Album SWEET REVENGE den Song "Same Dream, Same Destination" sang. Das hier ist das zweite Album seiner Band, produziert von Mark Knopfler, der auch seinen Hauskeyboarder Guy Fletcher mitbrachte. Offenbar wurde das Album seinerzeit als großer Affront wahrgenommen gegenüber dem akustisch/folkig orientierten Erstling, aber da ich den nicht kenne und einen Knopfler-Einfluß durchaus als positiv werte, kann ich einfach ein angenehmes Album Gitarrenpop hören. Vielleicht kein Schwergewicht, aber alleine der Track "All I Need Is Everything" ist schon das Hören wert.

Fool for Love - Music from the Motion Picture Soundtrack (1985). Der Streifen liegt schon seit einiger Zeit ungesehen auf meinem DVD-Stapel, aber ich wage vorauszusagen, daß ein Film von Robert Altman mit Harry Dean Stanton, Kim Basinger, Randy Quaid und Sam Shepard zumindest interessant sein wird. Das hier ist der Soundtrack, produziert von Jim Gaines und gesungen von Sandy Rogers - Countrysongs, wobei das Titelstück "Fool for Love" später von Tarantino für RESERVOIR DOGS verwendet wurde (offenbar kauft Tarantino die gleichen Soundtracks wie ich).

Nona Hendryx: Skindiver (1989). Produziert vom ehemaligen Tangerine-Dream-Mitglied Peter Baumann, der das Album auch auf seinem Label Private Music veröffentlichte. Mal sehen, ob Baumann noch im Stil seines '83er-Albums STRANGERS IN THE NIGHT produziert oder ob ihn die vielen Veröffentlichungen von Yanni, die er betreute, 1989 schon weichgekocht hatten ...

Wendy Carlos' Digital Moonscapes: An Evolutionary Synthesizer Tour de Force (1984). Wendy Carlos (vormals Walter Carlos) ist Synthesizerpionier und hauptsächlich dafür bekannt, die Scores zu THE SHINING und TRON komponiert zu haben. Dieses Album ist als Themenalbum zur Entstehung der einzelnen Monde rund um die Planeten unseres Sonnensystems konzipiert - kann spannend werden.

The Ritchie Family: Arabian Nights (1976). Die Ritchie Family ist quasi das Gegenstück zu den Village People: Eine weibliche Discotruppe, die ebenso wie die Jungs von den Franzosen Jacques Morali und Henri Belolo produziert wurde. Meine Güte, diese Kostüme ... aber nun ja, Disco sah eben so aus. Wichtiger ist ja, wie es klingt.

Black Beauty - Miles Davis at Fillmore West (1970). Mal wieder Zeit für ein Schwergewicht: Ein Doppelalbum, das einen Liveauftritt aus dem Jahr 1970 enthält. In Miles' Band spielen Steve Grossman, Chick Corea, Michael Henderson, Jack DeJohnette und Airto Moreira - und natürlich ist diese Periode (von 1969 bis 1975) meine liebste Zeit von Miles. Ja, ich habe inzwischen schon mehr Miles, als ich wirklich hören kann, aber ganz ehrlich: Man kann einfach nicht genug Miles haben.

"Weird Al" Yankovic: UHF - Original Motion Picture Soundtrack (1989). Yankovics Ausflug ins Kino war leider nicht sehr erfolgreich - aber es ist einer meiner Lieblingsfilme, und ich habe es schon mit dem ebenso großen Fan Gordon G. geschafft, mehrere Stunden hinweg nur Zitate aus dem Film hin- und herzuschießen. Hier ist natürlich "Beverly Hillbillies" drauf, die Parodie von "Money for Nothing" aus dem Film - plus diverse neue Songs von Yankovic.

Mahavishnu John McLaughlin: My Goal's Beyond (1970). Nochmal Schwergewicht: Gitarrenheld John McLaughlin zusammen mit Airto Moreira, Charlie Haden, Billy Cobham, Jerry Goodman, Mahalakshmi, Badal Roy und Dave Liebman. Der Indien-Einfluß und der Einsatz der Akustikgitarre nimmt natürlich McLaughlins spätere Band Shakti schon um einige Jahre vorweg - und Cobham und Goodman waren ja nur ein Jahr später Bestandteil von McLaughlins Mahavishnu Orchestra.

Garland Jeffreys: Ghost Writer (1977). Den werten Herren kenne ich gar nicht, aber das zuverlässige Internetz informiert mich, daß es sich um einen starken Songwriter handelt. Produziert von David Spinozza, featuring diverse Sessionmusiker. Mitgenommen habe ich die Platte aber erstmal rein wegen dem Cover.

Blancmange: Happy Families (1982). Eine der britischen 80's-Synthpop-Bands, die immer ein wenig im Schatten der großen und erfolgreichen Truppen standen. Das hier war das Debutalbum, es folgten bis 1985 noch zwei weitere Platten - und dieses Jahr gab es ein Reunion-Album!

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Transformers: Dark of the Moon - The Album (2011)

2011-06-22T12:47:00.002+02:00

Ich geb's ja zu: Ich freue mich diebisch auf den dritten TRANSFORMERS-Kinofilm. Natürlich ist es ganz einfach, die Krawallfilmchen zu belächeln, und natürlich waren beide Vorgänger ungefähr eine Stunde zu lang, aber anstatt den dünnen intellektuellen Anspruch zu monieren, erfreue ich mich halt am kreativen Spaß der Reihe, der mit nimmermüder Energie gigantisches Spielzeug aufeinanderhetzt. (Hier meine Kurznotizen zu Teil 2.) Kurz vor Kinostart steht zur Einstimmung auch schon das Album mit den Songs im Laden, und wo es sonst mit kleinen Sternchen notiert steht, welche Tracks eigentlich gar nicht aus dem Film sind, wird hier großzügig auf dem Backcover ein genereller Hinweis ausgesprochen: "A number of tracks may not be contained in the film". Jaja, Kinder: Sucht mal!

Wie schon bei beiden Vorgängerfilmen und -alben eröffnen auch hier Linkin Park die CD, und wie üblich schafft es die Band, mit jedem Release noch kommerzieller zu klingen als ohnehin schon. "Iridescent" (vom aktuellen Album A THOUSAND SUNS) läßt sich mit Piano und verhaltenem Tempo ruhig an, um dann in die Stadiongröße zu springen. Auch danach stehen diverse Bands in den Startlöchern, mit denen schon die früheren Soundtracks bestückt waren: Taking Back Sunday (T1 und T2), Theory of a Deadman (T2), Staind (T2) und die Goo Goo Dolls (T1). Die Kontinuität ist freilich ebenso dadurch gesichert, daß auch hier wieder lautstarker Mainstreamrock aufgefahren wird, bei dem produktionstechnisch kein Haar an der falschen Stelle sitzt: Der Kompressor glüht, die Gitarren donnern, das Stadion bewegt sich. Freilich ist es gewissermaßen fast ehrlich, einen brachialen Blockbuster mit ebensolcher Musik zu bestücken.

Komplettausfälle sind nicht in der Trackliste zu verorten, auch wenn My Chemical Romance (die noch nie im Verdacht standen, unglaublich kantig zu klingen) klangtechnisch nur knapp an der Meister-Propper-Glätte vorbeischrammen und die Goo Goo Dolls gewohnt schmusig ausfallen. Dafür gibt es den bodenständigen Breitleinwand-Rock von Theory of a Deadman ("Head Above Water"), eine mitreißend energiereiche Temporunde von Black Veil Brides ("Set the World on Fire", produziert von Josh Abraham), und auch sonst viel Power. Der intensivste Track stammt überraschenderweise von Staind, die ja eigentlich mit dem letzten Album eher im Stillstand verharrt waren: Bei "The Bottom" jaulen die Gitarren, Aaron Lewis' Melancholie hat Kraft, und irgendwann schreit er sogar wie noch zu DYSFUNCTION-Zeiten.

Ganz hinten stechen zwei Tracks noch aus der Masse an Radio-Rock heraus: Mastodon replizieren die staubige Lässigkeit von ZZ Top mit dem Cover "Just Got Paid", und danach - nur auf der europäischen Variante - fegen die deutschen Beatsteaks durch "House on Fire", was klanglich keine weiten Strecken vom Rest der CD entfernt erscheint, aber dennoch durch den Verzicht auf die ultrafette Produktion eine eigene Note setzt.

Schöne Compilation also. Jetzt freue ich mich nicht nur auf TRANSFORMERS 3, sondern auch auf das kommende Staind-Album und auf mehr Songs von den Black Veil Brides. Ach so, war das vielleicht der Hintergedanke der Produzenten dieses Soundtracks? Sapperlot!

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Frauengefängnis (1975)

2011-06-22T09:48:00.001+02:00

Huch, was für ein garstiger kleiner Film. FRAUENGEFÄNGNIS ist die erste Zusammenarbeit zwischen dem Schweizer Schundproduzenten Erwin C. Dietrich und dem spanischen Erotomanen Jess Franco, und der Inhalt läßt sich nüchtern aus dem Titel deduzieren: Auf der einen Seite sind die Frauen, und zu der anderen Seite kommen wir später. Der 1975 veröffentlichte Streifen war nicht Francos erster Frauengefängnis-Streifen (das wäre DER HEISSE TOD von 1969), aber die Zusammenarbeit mit Dietrich scheint ihn inspiriert zu haben, noch ein paar ordentliche Schippen Schmutz nachzulegen: der Film ist Exploitation ohne Wenn und Aber.

Die Geschichte (diesen Begriff verwenden wir nur, weil sich kein adäquates Wort für die mäandernde Plotlosigkeit des Prozederes aufdrängt) von FRAUENGEFÄNGNIS spielt an eben jenem Ort, den der Titel erahnen läßt, und der befindet sich unter der eisernen Fuchtel einer sadistischen Wärterin, die sich ein Monokel ins Auge geklemmt hat und so grausam ist, daß sie stets ohne Hosen herumläuft. Gleich zu Beginn sehen wir, wie eine Gefangene in Einzelhaft erniedrigt wird: Die ist nackt mit einem Halsband an die Wand gekettet und versucht, an eine Schüssel mit Nudeln heranzukommen, während ein Wärter mit breitem Kopf ihr mit dem Stock auf die Finger klopft. Wahrscheinlich war die Rehabilitationsforschung 1975 noch nicht allzu ausgereift.

In dieses Gefängnis wird nun Maria eingeliefert, die von Jess Francos zukünftiger Frau Lina Romay gespielt wird und gleich am Empfang ein Formular unterschreiben darf, daß die Gefängnisbelegschaft zum Einsatz von Schocktherapie authorisiert. Zur Begrüßung wird sie also auch prompt kleidungslos auf ein metallenes Bettgestell gekettet und mit Elektroschocks in Stimmung gebracht, bevor sie den Gefängnisalltag kennenlernt: Links in der Zelle lallt die Gefangene, die wir anfangs kennengelernt haben, kindisch vor sich hin, rechts dagegen räkelt sich eine halbnackte Frau, die später im Film mit angezündeter Zigarette masturbieren wird. Wir gratulieren zur weisen Voraussicht, dafür die Filterseite herzunehmen.

Einstweilen läßt sich der Gouverneur eine Gefangene in sein Haus bringen, die ihm dann ihren Körper anbietet. Er schallert ihr aber angewidert eine und wirft sie auf's Bett, wo sie dann stattdessen von dem breitköpfigen Wärter befingert wird, während der Chef zusieht und groovy auf der Hammond gejazzt wird. Franco filmt wie immer - Zoom rein, Zoom raus, Schärfe weg, Schwenk auf die Wand, alles mit der Energie von drei Schlaflaboren.

Die hosenlose Gefängnisleiterin hat sich mittlerweile ein schwarz-durchsichtiges Nylon-Nichts angezogen und liest in ihrem Privatgemach ein Buch über das Dritte Reich, bevor eine junge blonde Gefangene zu ihr gebracht wird, die sich ausziehen und auf dem Boden herumkriechen darf. Dann muß sie sich über einen Tisch beugen und wird dann von der Leiterin über ihre angebliche Jungfräulichkeit sowie über die abgefangene Botschaft ausgehorcht, in der über die brutalen Zustände im Gefängnis berichtet werden sollte. Auch hier wird unter dem Einsatz von Fingern mit quasi gynäkologischer Gründlichkeit gefilmt, bevor sich die Leiterin dann von der Gefangenen besteigen und ohrfeigen läßt. Ich vermute, daß der Film in S/M-Kreisen ein absoluter Evergreen ist.

Zeit für eine Rückblende: Da erfahren wir nämlich endlich, warum Maria überhaupt im Gefängnis ist. Sie wurde nämlich von ihrem Vater sexuell belästigt, und im Gerangel ist Papa dann unglücklich gegen den Kaminsims gefallen. Besagter Vater wird vom Regisseur selbst gespielt, und die Sequenz schrammt natürlich nur deswegen am intendierten Drama vorbei, weil melancholisches E-Piano gespielt wird und die Sequenz nicht in Zeitlupe aufgenommen, sondern gespielt wird. Der laaang-saaa-me Sturz zu Boden hat sicher viele Minuten Übung gekostet.

Nachdem die blonde Gefangene ebenfalls ein wenig Zeit in der Einzelhaft verbringen durfte, gerät wieder Maria in Bedrängnis, weil sie sich weigert, die in ihrem Essen gefundene Maus auch brav zu futtern. Also wird sie wieder auf das Elektroschock-Bett gekettet zu einer erneuten fröhlichen Runde, wobei diesmal noch ein Grobian mit Stock vorbeikommt, und man will wirklich nicht exakt wissen, was der damit macht (und kriegt es trotzdem mit).

Kommen wir flott zum Schluß - wenn der Film das schon nicht macht, weil sich da erst noch der Stationsarzt sozusagen rührend um Maria kümmern muß und unsere drei Hauptgefangenen es dann nach mühsamem Plan schaffen, den Herrn Doktor mit der Schere niederzustechen und aus dem Gefängnis zu flüchten (woraufhin die Gefängnisleiterin nochmal fröhlich eine Insassin foltern läßt). Es folgen diverse Schießereien, die kaum aufregender wären, wenn es tatsächlich Schüsse und Treffer zu sehen gäbe, und dann wird die hübsche Blonde von dem Wärter mit dem breiten Kopf gejagt und am Boden beglückt, bevor dann ein moralisch integrer Kollege den Finsterling wegputzt, die Gefangene heiratet und mit ihr einen duften Swingerclub eröffnet. (Möglich, daß ich die letzteren beiden Punkte im geistigen Endstadium hinzugedichtet habe.)

Lina Romay und die andere Gefangene werden wieder hops genommen und harren sicherlich heute noch der Fortsetzung, die leider nie produziert wurde - stattdessen drehte Franco nämlich ganz viele neue Frauengefängnisfilme mit schönen Titeln wie FRAUEN FÜR ZELLENBLOCK 9 und GRETA - HAUS OHNE MÄNNER, die sicherlich ganz andere dramatische Handlungsbögen aufweisen. Wir werden natürlich berichten. Irgendwann.

Nüchtern betrachtet - für den Fall, daß es jemand noch nicht ganz einordnen kann - ist das FRAUENGEFÄNGNIS freilich ganz haarsträubender, geschmackloser Mist. Aber ebenso nüchtern betrachtet ist der Film eigentlich gar nicht so schlimm wie vergleichbare Streifen, wo das Sado-Gedöns in teils bizarrer Doppelmoral mit den realen Schrecken des Dritten Reiches verbunden wurde (z.B. in SS CAMP 5: WOMEN'S HELL). Nicht, daß es für das Niveau des Films wirklich noch relevant wäre, wo die hübschen Mädels denn nun gefoltert werden.

Das unglaublich tief- und scharfsinnige Schlußwort meinerseits fällt übrigens heute aus.

Frauengefängnis (Schweiz 1975)
Alternativtitel: Barbed Wire Dolls, Caged Women
Regie: Jess Franco
Drehbuch: Jess Franco, Connie Grau
Kamera: "David Khunne" (= Jess Franco)
Musik: Walter Baumgartner, Daniel J. White
Produzent: Erwin C. Dietrich
Darsteller: Lina Romay, Monica Swinn, Paul Muller, Roger Darton, Ronald Weiss

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Wir sind Helden: Bring mich nach Hause (2010)

2011-06-15T09:01:00.002+02:00

Three years have passed since Wir sind Helden's third album, 2007's SOUNDSO -- an extended hiatus the bandmembers used to start families, recharge their creative batteries, and take a break from their omnipresence in the media. When Wir sind Helden finally went back to the studio to record a follow-up, they slightly changed their approach so that they wouldn't be stuck with the same kind of predictability and routine that plagued SOUNDSO: they hired a new producer, Ian Davenport, and decided to record the songs live in the studio, using more varied instrumentation for texture -- banjo, accordion, percussion -- but aiming for a more acoustic overall sound than before. The resulting album, BRING MICH NACH HAUSE (Bring Me Home), proves that both the break and the more relaxed approach to the production were an excellent idea: while the group's rock & roll impulse is long gone, the record feels much more alive than its predecessor, and the songs don't suffer from the sort of pressure Wir sind Helden put themselves under before. Still, the record is very much a continuation of the band's sound: there may be fewer keyboards than before and the focus of the lyrics may have moved completely into personal territory, but the difference between BRING MICH NACH HAUSE and SOUNDSO is more noticeable in feel than in sound -- it's still the same band with its mainstream pop/rock style and singer Judith Holofernes' deliberately naïve voice.

There's much to like on the album: the opening "Alles" (Everything), which is very good at creating a sense of momentum for the record; the Latin-inspired "Dramatiker" (Dramatist), which offers some lighthearted playfulness; the rocker "Im Auge des Sturms" (In the Eye of the Storm), which unexpectedly turns into an extended jam; and the piano ballad "Meine Freundin War im Koma und Alles, Was Sie Mir Mitgebracht Hat, War Dieses Lausige T-Shirt" (My Friend Was in a Coma and All She Brought Me Was This Lousy T-Shirt), which, despite its tongue-in-cheek title, is an immensely touching reflection on the fragility of life. Not all the songs are as memorable -- e.g. "Flucht In Ketten" (Escape in Chains) -- but apart from the album's banal coda, "Nichts, Was Wir Tun Könnten" (Nothing We Could Do), there's nothing that is completely forgettable. Overall, BRING MICH NACH HAUSE isn't brimming with urgency, but it's good to hear that Wir sind Helden found a way to get part of their creative spark back.

This review was written for the All-Music Guide and first published on June 15, 2001.

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Lena: Good News (2011)

2011-06-15T08:46:00.001+02:00

Lena's second album, GOOD NEWS, was released not even a year after her first, and just as MY CASSETTE PLAYER was rushed into stores to capitalize on her victorious 2010 Song Contest performance, her sophomore effort was put together just as quickly to coincide with a TV event about the selection of the song she would perform at the 2011 Song Contest to defend her crown. Given the time pressure, the new album's most surprising characteristic is how relaxed it feels -- especially Lena herself, who sounds comfortable and assured, without any indication that she's trying to prove something. Her charm manages to carry an album of pop songs that are as fluffy as pop songs have any right to be: her down-to-earth persona and her unaffected singing -- a refreshing break from the showmanship of technically proficient, but personality-free voices that are so common in the charts -- make GOOD NEWS an enjoyable and likable listen.

The songs were selected from a reported bulk of 600 submissions -- among them contributions from Aloe Blacc ("At All") and Judy Garland's grandniece Audra Mae ("Good News" and "A Good Day") -- and once more, Stefan Raab helms the production, which is never original or edgy (not attributes one would expect from an album like this anyway), but which achieves a warm sound and hints at a sincere love of retro pop, especially on the excellent R&B-tinged numbers "What Happened to Me" and "Mama Told Me." Lena and Raab approach a number of different styles, which sometimes works (the piano ballad "Push Forward") and sometimes doesn't (Lena's turn as a jazz diva on "Good News" is not utterly convincing). The most memorable track is "Taken by a Stranger," which was also selected as her Song Contest song -- an electronically tinged low-key track with an appealing pulse and an interesting sense of tension. As a pop record for the moment, GOOD NEWS works like a charm -- and if "Stranger" is any indication of a future direction for Lena, the third album may be something that listeners should absolutely anticipate.

This review was written for the All-Music Guide and first published on June 15, 2011.

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Marteria: Zum Glück in die Zukunft (2010)

2011-06-14T16:44:00.001+02:00

The opening track of ZUM GLÜCK IN DIE ZUKUNFT, Marteria's second album (or his fourth, if you count the two Marsimoto excursions), is simultaneously a perfect introduction to the record and a somewhat misleading one: "Endboss" is a catchy song with an infectious electro beat, a rapped autobiography that cleverly compares Marteria's life (or anybody's, for that matter) to a video game where you complete levels of varying difficulty and use up your extra lives as you make mistakes. But while it's representative of the whole album in terms of production quality and sense of humor, it sets up unrealistic expectations, since none of the other tracks are as joyfully poppy or as instantly accessible.

That doesn't mean the other 11 songs are a disappointment, though: production-wise, the album is original and constantly exciting, from the video game bleeps of "Endboss" to the dreamy synths of "Verstrahlt" and "Amys Weinhaus," the acid-drenched bassline of "Wie mach ich dir das klar," the skewed beat on the noise-filled "Alles verboten," or the deep bass hits of "Veronal," which could be a Wordsound production with its echoey drums and slower-than-slow tempo. And while Marteria's slightly wicked humor may not be everybody's cup of tea -- especially since he keeps a straight face throughout the record, sometimes leaving the listener unsure if something is meant as a joke or not -- he is thankfully a million miles away from the violent, low-brow machismo that informs so many other German rappers' songs. Among ZUM GLÜCK's highlights -- apart from "Endboss" -- are the edgy "Alles verboten" (where Marteria claims he does unpopular things like sleeping through a Bruce Willis movie or disliking the Simpsons) and the closing track "Sekundenschlaf," featuring Seeed's Peter Fox, which is a dark reflection on life's brevity: "You're not as old as you feel, you're as old as you are." With an instant hit and several tracks that reveal their strengths after a few more listens, ZUM GLÜCK IN DIE ZUKUNFT is a winner that showcases Marteria's fairly unique musical personality.

This review was written for the All-Music Guide and first published on June 14, 2011.

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Scream 4 (2011)

2011-06-02T23:47:00.001+02:00

15 Jahre ist es mittlerweile her, daß der erste SCREAM den Slasher wiederbelebte - auf eine clevere Weise, die keine der Produktionen im Fahrwasser wirklich nachahmen konnte. Gemerkt hat sich jeder, daß in SCREAM erstmals Figuren in einem Horrorfilm auch schon Horrorfilme gesehen haben und ergo darüber reden und diskutieren, welche Situationen aus einschlägigen Streifen bekannt sind - aber keiner der Nachzügler hat es geschafft, mit den von den Charakteren durchgekauten Klischées und Eckpfeilern des Genres so intelligent zu spielen wie Regisseur Wes Craven und sein Autor Kevin Williamson, und dabei gleichzeitig einen so nervenzerrenden, spannenden Film mit emotional glaubwürdigen Figuren abzuliefern. Der Kniff am Spiel mit den Konventionen war im Erstling, daß man einfach nicht mehr wußte, was passieren würde und wie, weil die angesprochenen Situationen gleichermaßen bedient wie gebrochen wurden - und gleichzeitig war alles real und ernst genug gehalten, um eben nicht zur Parodie zu werden.

Die Fortsetzungen - SCREAM 2 ein Jahr später, SCREAM 3 dann im Jahr 2000 - taten wohl das, was gemacht werden mußte für solche Weiterführungen: Sie waren mehr auf sich selbst und ihre Eigenschaft als Sequel bezogen, zwinkerten dem Zuseher also noch mehr zu mit Kommentaren zu kassenträchtigen Fortsetzungen und den dazugehörigen Regeln. Der Terror wurde stark zurückgenommen, dafür spielten die Filme lustvoll mit immer absurderen Film-im-Film-Ideen (z.B. eine Sequenz in Teil 3, wo der Mörder den Figuren Drehbuchseiten zufaxt) und zeichneten die Backstory der Hauptfigur dabei aber immer noch ernsthaft genug, daß deren Geschichte die Filme verankerte und nicht zur völligen Komödie werden ließ.

Elf Jahre später wird die Reihe also nun reaktiviert, obwohl sich lange Jahre sowohl der Regisseur als auch die zentralen Schauspieler vehement dagegen gewehrt haben, eine weitere Fortsetzung überhaupt in Erwägung zu ziehen. Laut den Interviews hat sie dann die Idee von Kevin Williamson letztlich überzeugt - und die besteht darin, innerhalb der Fortsetzung eine Art Remake des Erstlings aufzuziehen und damit die Remake-Welle der vergangenen Jahre zu kommentieren. Schön und gut: Sidney Prescott kommt also nach Jahren wieder zurück in ihre Heimatstadt, um eine Lesung zu halten mit dem Buch, das sie über die ursprünglichen Morde und ihr Überleben geschrieben hat. Und natürlich startet eine neue Mordserie, die sich ganz nah an die ursprüngliche Geschichte anlehnt.

Auf dem Papier mag es reizvoll erscheinen, Sequel und Reboot zu kombinieren und die mit dem jeweiligen Ansatz verbundenen Erwartungshaltungen zu kreuzen und stets von den Figuren diskutieren zu lassen. Aber praktisch gesehen bedeutet das, daß wir in SCREAM 4 hauptsächlich das sehen, was wir schon bis zu drei Mal davor serviert bekommen haben - das unberechenbare Überraschungselement des Originals ist ebenso weg wie die absurde Überzeichnung der Fortsetzungen. Wenn also in Teil 1 Courteney Cox auf einer Party Videokameras versteckte und wir damit später mitgekriegt haben, daß Jamie Kennedy bedroht wird, darf sie nun wieder auf eine Party gehen und heimlich Videokameras anbringen - wo wir dann durch die Übertragung eben stattdessen sehen, wie sich jemand von hinten an Cox anschleicht. Durch die ständige Kommentierung wird klar, daß Craven und Williamson sich bewußt so dicht an den Erstling angelehnt haben - wie es die Morde in der Handlung ja dann auch tun und mit einem Nachahmungsmotiv erklärt werden - aber das macht das Prozedere zu keinem Zeitpunkt origineller oder weniger vorhersehbar.

Natürlich ist Craven ein handwerklich versierter Regisseur und liefert dementsprechend einen ganz nüchtern betrachtet soliden Film ab. Aber letzlich hinterläßt alles an SCREAM 4 einen sehr schalen Geschmack: Jeder Shot, jede Situation, jeder Spannungsmoment ist etwas, das Craven schon ein paar Dutzend Mal in seiner langen Karriere gedreht hat - nicht zuletzt im viel effektiveren Original-SCREAM. Auch das emotionale Rückgrat der bisherigen Filme, die Figur der Sidney Prescott, kann hier nicht tragen: Sie ist bis zum Schluß fast passiv und wirkt wie eine Nebenfigur, und wo selbst der fast überdrehte SCREAM 3 noch recht ernsthaft mit der Frage umging, wie sie mit dem Trauma ihrer bisherigen Erlebnisse lebt, liefert Teil 4 nur ein paar sich obligatorisch anfühlende Sätze und widmet sich dann wieder dem Auslöschen einer neuer Teenagerschaft, die zu keinem Zeitpunkt über den Status des Kanonenfutters hinauskommt.

Nein, SCREAM 4 ist nicht grauenhaft und er ist auch nicht schlecht. Er ist eine Routinearbeit, die in Momenten witzige Einfälle liefert und insgesamt die Tragkraft ihrer Grundidee bei weitem überschätzt. Und somit ist er hauptsächlich eines: ziemlich überflüssig.

Scream 4 (USA 2011)
Alternativtitel: Scre4m
Regie: Wes Craven
Drehbuch: Kevin Williamson, Ehren Kruger (uncredited)
Darsteller: Neve Campbell, David Arquette, Courteney Cox, Emma Roberts, Hayden Panettiere, Marley Shelton, Rory Culkin, Adam Brody, Mary McDonnell, Anna Paquin, Kristen Bell

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Neuer Kurzfilm mit Thomas Nash: Don Rudolfo!

2011-06-01T16:16:00.001+02:00

Thomas Nash, den wir kürzlich wegen seiner neuen Single "One Night Stand" interviewt haben (hier), präsentiert am 12. Juni 2011 in Wien beim "Two Moods"-Festival einen neuen Kurzfilm mit dem Titel DON RUDOLFO. Eine witzige Komödie über den vermutlich unverschämtesten Anmach-Versuch in der Geschichte der Doppel-Dates - Thomas spielt die Hauptrolle, hat das Drehbuch beigesteuert und auch der Song "One Night Stand" ist eingebaut. Regisseur ist Chris Dohr. Auf dem Soundtrack sind übrigens auch Kalliopi zu hören, die schon zu meinen Filmen SCHLAFLOS und DIE MUSE Musik beigesteuert haben.

Ein kurzer Beitrag des Magazins Wiener me.lounge über DON RUDOLFO:

Am 12.6.2011 um 18:30h im Wiener Topkino. Website des Kurzfilms: hier.

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Plattenkäufe!

2011-05-28T13:02:00.001+02:00

Letztes Wochenende warteten zwei große Pakete auf mich, die randvoll mit Schallplatten und einigen CDs gepackt waren: Es war mal wieder Zeit, einige Billigfunde abzugreifen und dabei das eine oder andere Schmuckstück für die Sammlung zu sichern.

(Wie gehabt führt ein Klick auf die Albumcovers zu Amazon, und wenn ihr da was kauft, unterstützt ihr diesen Blog. Danke dafür!)

Das hier sind die Platten, die im Paket enthalten waren:

The Cars: Heartbeat City (1984). Seit ich auf der letzten Plattenbörse das unglaublich lässige Album PANORAMA von den Cars gekauft habe, bin ich schwer begeistert von den Jungs (die vor kurzem eine Reunion-CD veröffentlicht haben, die angeblich die alten Werke gelungen fortsetzt!) rund um Ric Ocasek. HEARTBEAT CITY war ein Mega-Seller und hat ihren Hit "Drive" sowie das minder bekannte "You Might Think". Aber nicht minder cool ist beispielsweise der harte Groove von "Stranger Eyes". Exzellentes Album!

The Cars: Door to Door (1987). Das sechste und letzte Album der Cars, bis zum erwähnten Reunion-Album 2011. Noch nicht gehört - es soll nicht mehr ganz so aufregend sein, aber "You Are the Girl" war noch ein (US-)Hit und klingt sofort eingängig.

Ric Ocasek: This Side of Paradise (1986). Ocaseks zweites Soloalbum, zwischen dem fünften und sechsten Cars-Album aufgenommen - und abgesehen von Drummer David Robinson tauchen tatsächlich alle sonstigen Cars ebenso auf (Greg Hawkes, Elliot Easton, Benjamin Orr). Wenn man bedenkt, daß Ocasek ohnehin fast alles von den Cars selbst produziert und geschrieben hat, dürfte so ein Solowerk nicht allzuweit entfernt vom Sound der Band sein. Andere Musiker auf dem Album: Steve Stevens (der Billy-Idol-Gitarrist), Tony Levin (King Crimson), und sogar Tom Verlaine (Television).

Romeo Void: Instincts (1984). Das dritte Album von Romeo Void, der lässigen Post-Punk-Band mit dem unterkühlten Gitarrentwang und dem coolen Saxophon - und gleichzeitig auch das letzte der Gruppe. Es ist kein zweiter Knüller wie "Never Say Never" drauf, und die Band klingt etwas zahmer, aber dennoch macht die Platte fast durchweg Spaß. Danach hat sich die Band aufgelöst und Leadsängerin Debora Iyall hat 1986 noch ein Soloalbum herausgebracht - sehr schade, daß da nicht mehr kam.

The Jewel of the Nile - Soundtrack (1985). Ich mag ja den zweiten Part von AUF DER JAGD NACH DEM GRÜNEN DIAMANTEN - auch wenn er eigentlich eine ziemlich billige Produktion ist, die größtenteils von Michael Douglas lebt und ansonsten eher als B-Pulp-Abenteuer zu gebrauchen ist. Der Soundtrack ist eine typisch zusammengewürfelte Angelegenheit: Da ist Billy Oceans gewaltiger Hit "When the Going Gets Tough, the Tough Get Going", da ist Precious Wilsons Film-Single "Jewel of the Nile", da gibt's Hip Hop & Elektro, ein wenig Ethno-Smooth-Jazz (Hugh Masekela & Jonathan Butler), und zwei Stücke vom Score von Jack Nitzsche (produziert von Michael Hoenig). Alles ganz unterhaltsam, aber natürlich letztlich entbehrlich (abgesehen vom Ocean-Hit natürlich). (Im Amazon Marketplace darf man sich übrigens der Entscheidung stellen, ob man die CD-Version neu für 99 Euro oder doch lieber gebraucht für 2,99 haben will.)

An Officer and a Gentleman - Soundtrack (1982). Aus diesem Film stammt ja der Mega-Hit "Up Where We Belong", den Joe Cocker und Jennifer Warnes zusammen singen - ursprünglich hatte Produzent Don Simpson einen anderen Song ausgewählt und wurde aber überstimmt, und nachdem der Song dann Platz 1 erreicht hatte, hat er die Leute im Büro einfach weiter angeschnauzt: "Das ist ein Scheißsong!" Die Menschen, die diesen Soundtrack zusammengestellt haben, sehen das sicherlich anders, da sie ihn in exakt gleicher Version sowohl auf die A-Seite als auch auf die B-Seite gepackt haben - so kann man natürlich auch Platz schinden. Der Score von Jack Nitzsche webt den Song dann auch nochmal ein, ebenso gibt's ein Instrumental von Sessiongitarrist Lee Ritenour, wo man sich die Melodie nochmal auf schön gezupfter Gitarre anhören kann. Dazwischen: Solider Rock von ZZ Top ("Tush"), den Dire Straits ("Tunnel of Love") sowie Pat Benatar ("Treat Me Right").

Ruthless People - Soundtrack (1986). Der Film hieß bei uns DIE UNGLAUBLICHE ENTFÜHRUNG DER VERRÜCKTEN MRS. STONE und war brilliant komisch. Der Soundtrack ist ein weiterer Baustein in der 80's-Querbeet-Songkollektion-Soundtrack-Reihe, die ich offenbar in letzter Zeit nach und nach ausbaue. Da gibt's Mick Jagger, Billy Joel, Luther Vandross, Kool & The Gang, Bruce Springsteen, und einen Track Score von Jazzer Michel Colombier.

Navy Seals - Soundtrack (1990). Jaja, noch mehr Kraut & Rüben im Soundtrackalbum zu einem Film, den ich schändlicherweise nicht einmal gesehen habe. Bon Jovi, Lou Gramm (Foreigner), dazu Richie Havens, und gleich zwei Songs von Mr. Big, die von Giorgio Moroder produziert wurden - und wegen denen ich mir das Album letztlich auch gekauft habe.

Metropolis - Soundtrack (1984). 1984 zog Disco- und Pop-Produzent Giorgio Moroder den Unmut vieler Cineasten auf sich, als er den alten Fritz-Lang-Klassiker METROPOLIS nahm, einfärbte, und mit einem Pop-Soundtrack am Puls der Zeit versah. Zu den Musikern zählen Freddy Mercury, Jon Anderson (Yes), Pat Benatar, Bonnie Tyler, und sogar Adam Ant! Alles produziert und mit-komponiert von Moroder.

Quicksilver - Soundtrack (1986). Und noch ein Querbeet-Soundtrack, diesmal zu einem Film, den ich nicht mal wirklich vom Namen her kenne. Giorgio Moroder hat einen Song für Roger Daltrey geschrieben und produziert, Genesis-Mann Tony Banks steuert 2 Stücke Score und einen Song zusammen mit Fish bei, ein Stück von Peter Frampton ist drauf, und Ray Parker Jr. ist zusammen mit Helen Terry einen Track zu hören.

David Spinozza: Spinozza (1978). David Spinozza war ein Sessiongitarrist, der viel im Fusionbereich unterwegs war - unter anderem auf diversen Platten von Deodato. Das hier ist sein einziges Soloalbum, und natürlich sind haufenweise Session-Kollegen mit dabei - Anthony Jackson, Michael & Randy Brecker, Don Grolnick, Rubens Bassini, Steve Jordan, und so weiter. Produziert hat Mike Mainieri, der auch hier und da mitspielt, arrangiert und mitkomponiert hat.

Karen Kamon: Heart of You (1984). Kamon kennt man von der Single "Manhunt" aus dem FLASHDANCE-Soundtrack, aber eine dicke Solokarriere hat die Ehefrau von Phil Ramone nie geschafft. Auf diesem Album gibt's okayen, aber nicht unbedingt spektakulären Pop/Rock, produziert von Ramone und mit Sessionprofis wie Marcus Miller, Steve Gadd, Michael Sembello, Ralph MacDonald, Dave Grusin, Sylvester Levay, und anderen.

Janis Ian: Night Rains (1979). Und nochmal Moroder: Der hat auf diesem Album der Singer/Songwriterin Janis Ian zwei Tracks produziert, darunter "Fly Too High", das für den Film FOXES aufgenommen wurde und einen Grammy gewann. Keith Forsey und Harold Faltermeyer spielen auf beiden Moroder-Tracks, auf den anderen Songs gibt's Auftritte von Sessionleuten wie Alan Schwartzberg und Neil Jason, und hinten tauchen sogar Jazzbassist Ron Carter und Pianist Chick Corea auf!

Bryan Ferry: Bête Noire (1987). Ein Soloalbum des Roxy-Music-Frontmanns Bryan Ferry, mit haufenweise exzellenten Sessionleuten wie Paulinho Da Costa, Marcus Miller, John Robinson, David Williams, usw. - und David Gilmour spielt auch mit. Noch nicht gehört ...

Charlie Sexton: Pictures for Pleasure (1985). Produziert von Keith Forsey, der erst Drummer in Krautrock-Bands war, dann als Songwriter und Musiker im Moroder-Team gearbeitet hat und dann in den Achtzigern Hits am laufenden Band produziert hat - von Icehouse ("Hey Little Girl"), den Simple Minds ("Don't You Forget About Me"), Billy Idol ("Rebel Yell"), und anderen. Charlie Sexton kannte ich bislang noch nicht; dies ist das Debütalbum des Sängers und Gitarristen, der damals erst 16 war - was man der Platte in keiner Sekunde anhört. Sexton ist eigentlich eher im rootsigen Bluesrock zuhause, kriegt hier aber - es war 1985! - ein rockiges New-Wave-Gewand verpaßt, das ihm durchaus gut steht. Er hat eine kantige (und völlig erwachsene) Stimme, hat diverse Songs mitgeschrieben, zwei davon sogar allein, und liefert ein feines 80's-Rock-Album ab. Die Single "Beat's So Loneley" - geschrieben von Sexton und Forsey - war (verdientermaßen!) ein MTV-Hit.

Pretenders (1980). Das Debütalbum der Pretenders - sicherlich nicht der schlechteste Startpunkt, sich die Band anhören. Hier ist das kühle "Private Life" drauf, das noch im selben Jahr von Grace Jones exzellent gecovert wurde, und natürlich der Hit "Brass in Pocket", den Scarlett Johansson dann 23 Jahre später in LOST IN TRANSLATION zum Besten gab.

Gerry Rafferty: City to City (1978). Das zweite Album des schottischen Singer-Songwriters, und natürlich das mit dem Welthit "Baker Street" (den ich letztens in einem Film wieder gehört habe und mich gefragt habe, ob es angesichts der weichen Stimme vielleicht um Paul McCartney handeln könnte). Rest noch nicht gehört, bis auf die zweite Single "Right Down the Line" - die nicht minder geschmeidig und fein (und vage bekannt) klingt.

Donna Summer: Live and More (1978). Hat schon jemand gemerkt, daß ich mich ins Zeug lege, meine Giorgio-Moroder-Sammlung auszubauen? Es könnte daran liegen, daß das Album SOLITARY MEN von Moroder und Joe Esposito, das ich mir letztens gekauft habe, zur Zeit meine meistgehörte CD ist. Das hier jedenfalls ist ein von Moroder produziertes Livealbum von Discoqueen Donna Summer - ja, Keith Forsey sitzt am Schlagzeug - wobei sich auf der vierten Seite der Doppel-LP eine neue Studioaufnahme befindet: die "MacArthur Park Suite", die zu Donnas größten Hits gehört. Und Joe Espodito singt ein Duett mit ihr auf "Heaven Knows".

Shandi (1980). Shandi heißt mit vollständigem Namen Shandi Sinnamon und hatte ihren größten Hit auf dem Soundtrack zu FLASHDANCE (mit "She's a Dream", gleichzeitig mein Lieblingstrack dort). Das hier ist ihr zweites Album, produziert von Mike Chapman, mit dem sie damals eine Affäre hatte und der sich hier "The Commander" nennt. Und ja, der KISS-Song "Shandi" (auf dem Album UNMASKED von 1980) ist von ihr inspiriert.

Kim Carnes: Mistaken Identity (1982). Das sechste Album der Sängerin mit der kratzig-rauchigen Stimme - und es startet gleich mit ihrem Megahit "Bette Davis Eyes". Stark.

Apollonia (1988). Nachdem Vanity beim Prince-Seitenprojekt Vanity 6 ausgestiegen war, holte der omnipräsente Produzent eine neue Sängerin namens Apollonia ins Boot (die mit ihm auf einem der PURPLE-RAIN-Tracks Duett gesungen hatte) und kreierte Apollonia 6. Deren Album habe ich letztens billig gekriegt und kann festhalten: Netter Funk-Pop, aber Prince hat die Mädels sicherlich nicht wegen dem Gesangstalent angeheuert. Prince war dann auch gar nicht lange von dem Projekt überzeugt, nachdem er "Manic Monday" zunächst mit ihnen aufnehmen wollte und den Track dann doch den Bangles schenkte. Nach der Auflösung der Band jedenfalls veröffentlichte Apollonia noch ein Soloalbum ohne Prince - dieses hier, mit einer Reihe von verschiedenen, nicht unbedingt namhaften Produzenten und einigen Sessionleuten wie Randy Kerber, Michael Thompson und Dann Huff. Tja, und das ist netter Spät-Achtziger-Pop mit den typischen hämmernden Krawalldrums und cleanem Funk, aber nichts, weswegen man ausflippen müßte. Apollonia (die eigentlich Patricia Kotero heißt und die ich, wie ich dank Wikipedia feststellen mußte, aus unerfindlichen Gründen stets mit dem holländischen Model Apollonia von Ravenstein verwechselt habe) widmete sich danach mehr der Schauspielerei - kein allzu arger Verlust, muß ich sagen.

Im Paket waren aber nicht nur Schallplatten, sondern auch einige gebrauchte CDs - und zwar diese hier:

Ahlam: Acting Salam (1995). Das zweite Album der marokkanischen Band, die wie ihre Kollegen Aisha Kandisha's Jarring Effects einheimische Musik mit westlichen Einflüssen wie Dance, Elektro, Rock und Dub verbinden und auf dem Label Barbarity beheimatet sind. Bill Laswell hat Teile dieser CD co-produziert und spielt seinen unverkennbaren Dub-Bass; der Rest stammt vom Kosmopoliten Pat Jabbar. Eine spannende, ansteckende Mixtur.

Diane Schuur: Friends for Schuur (2000). Nicht nur Ozzy Osbourne verwendet gerne Wortwitze mit seinem Namen bei Albumtiteln - auch Jazzsängerin Diane Schuur macht das. Trotz diverser Gäste ist's kein durchgehendes Gaststar-Album geworden - Dave Grusin taucht auf, Stevie Wonder auch, auf ein paar Tracks spielt Harvey Mason Schlagzeug, und bei einem Livetrack singt Schuur zusammen mit Ray Charles, auf einem anderen wird sie von Herbie Hancock begleitet. Ich würd's gerne mögen, aber ehrlich gesagt ist das Album kreuzbrav und fad, und das Cover von "I Just Called to Say I Love You" (der Hancock-Track) kratzt eher an den Nerven. Vielleicht hat die CD deswegen 99 Cent gekostet.

(hed) p.e.: Back 2 Base X (2006). "The true pimps of hardcore are back! 13 slammin' tracks". So steht's auf dem Cover. Was kann man noch sagen?

Signs - Score (2002). SIGNS, einer der besten Shyamalan-Filme und teilweise schwer unheimlich. Mal sehen, ob Außerirdische vor meiner Haustür auftauchen, wenn ich den Score von James Newton Howard lang genug spiele.

Kittie: Until the End (2004). Zu Kittie braucht man eigentlich auch nichts mehr zu sagen: Das dritte Album, volle Breitseite. Immer nur weiter so, Mädels.

Ric Ocasek: Fireball Zone (1991). Und so schließen wir den Kreis: Nochmal Ric Ocasek von den Cars, hier mit seinem dritten Soloalbum, das von Chic-Mann Nile Rodgers produziert wurde. Sehr sexy, das.

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The Tourist (2010)

2011-05-18T00:37:00.001+02:00

Üblicherweise zeigt sich eine ordentliche Spur Patriotismus, wenn es deutsche Filmschaffende nach Hollywood schaffen. Wolfgang Petersen beispielsweise, der trotz jahrelanger US-Blockbuster immer noch unser Wolle bleibt. Auch Roland Emmerich, dessen Filme wir zwar gerne für ihre schlichten Handlungen belächeln, aber den wir trotzdem immer noch liebevoll den Spielberg aus Sindelfingen nennen - es sei ihm der Erfolg ja gegönnt. Meine Gute, selbst Jürgen Prochnow wird für seine internationale Karriere von uns immer noch gerne mal bewundert, auch wenn die größtenteils darin besteht, in finsteren B-Movies ebenso dreinzuschauen.

Umso bemerkenswerter die Reaktion auf Florian Henckel von Donnersmarcks Zug nach L.A., den er infolge der Oscar-Auszeichnung seines Erstlings DAS LEBEN DER ANDEREN antreten durfte: Für seinen zweiten Film, ein $100-Mio.-Starvehikel namens THE TOURIST, durfte Florian nichts außer einer Flutwelle an Häme einstecken. Man spürt förmlich den Wunsch der Leute, den Großkotz mit der festgeschraubten Goldstatue in der Hand wieder auf den Boden zurückzuholen - da sieht man durchaus, wieviel Wohlwollen der gute Mann flugs vernichtet hat mit seinen Geschichten über den Bildungsauftrag des Adels und seine Verwandschaft zu Goethe, und natürlich auch mit seiner Antwort auf Spielbergs augenzwinkernde Oscargratulation: "You'll never get over this", hat ihm der bärtige Starregisseur da schelmisch gesagt, und Florian erläutert nun, daß Spielberg wohl viel mehr Wert auf Preise lege als er selbst. Oh ja, der adlige Herr nimmt sich selbst sehr ernst und wichtig.

THE TOURIST versteht sich als elegante Krimikomödie im klassischen Hollywood-Stil - als Neuauflage von Klassikern wie CHARADE oder ÜBER DEN DÄCHERN VON NIZZA, wo Stars souverän vor mondäner Kulisse durch Spionage- und Kriminalhandlungen gleiten und dabei Romanzen und Abenteuer mit Augenzwinkern und Charme erleben. Das Problem: Die alten Klassiker hatten Witz und Klasse - THE TOURIST hat schöne Bilder und einen Berg Geld.

Die Geschichte dreht sich um einen Millionenraub, bei dem einem Gangster viel Geld von einem Mitarbeiter gestohlen wurde, der jetzt untergetaucht ist, wahrscheinlich Aussehen und Auftreten komplett verändert hat und von Interpol und Scotland Yard seit langer Zeit vergeblich gejagt wird. Die Freundin des Diebes (Angelina Jolie) soll sich in Venedig mit ihm treffen und zur Ablenkung einen Mann auftun, von dem die Behörden glauben sollen, es sei der Millionendieb. So wird also ein unwissender Mathematiklehrer (Johnny Depp) von ihr im Zug angesprochen und in den komplizierten Kriminalfall verwickelt.

Das größte Problem von THE TOURIST ist die Besetzung, und das beschädigt so ein schönes Starvehikel nun einmal von vorn bis hinten. Der sonst so kreative und spannende Johnny Depp sieht hier aus wie Fisher Stevens, spielt den zufällig Involvierten aber als so antriebslosen Waschlappen, daß er selbst in den Momenten, wo er Jolie begehren soll, so passiv wirkt, als würde er gar nicht wirklich mitspielen. Schlimmer noch ist die Tatsache, daß er die Rolle mit gedankenverlorenem Ernst spielt, obwohl diese Art von Film eigentlich Esprit und subtiles komisches Timing verlangt. Wenn Johnny der Jolie das Kompliment unterbreitet, sie sei "the least down-to-earth person I've ever met", sollte da etwas Freches mitklingen, etwas Herausforderndes und Spielerisches - aber Johnny spricht, als wäre er in einem Beziehungsdrama. Ganz zu schweigen von den kleinen Gags wie der Tatsache, daß die Figur "Bon jovi" statt "bongiorno" sagt und beständig holpriges Spanisch mit den Italienern spricht (die dann auch auf Spanisch antworten) - all diese Leichtigkeit verpufft mit Depps schwerem Ernst, und man wünscht sich beständig einen Schauspieler wie Tom Hanks in der Rolle, der nicht nur den Witz auskosten würde, sondern mit seinem Jimmy-Stewart-Typ auch glaubwürdiger und passender wäre für diese Art von Film.

Jolie schneidet leider kaum besser ab. Daß ihre Figur so leblos wirkt, mag schon alleine daran liegen, daß Angelina im gesamten Film ungefähr dreieinhalb mal blinzelt. Auch sie wirkt, als würde sie eigentlich gar nicht teilnehmen, als würde sie nur im Bild herumstehen und den Ausdruck auf morgen verschieben - und dabei schafft sie es, gerade in der ersten Filmhälfte auch stets so auszusehen, als würde sie auf Applaus für ihre strahlende Schönheit warten. Wieviel besser wäre jemand wie Catherine Zeta-Jones in der Rolle gewesen - eine viel klassischere Schöne passend zum Genre, und gleichzeitig eine Schauspielerin, die mit Funkeln im Auge Wortgefechte mit ihrem Gegenüber ausgetragen hätte. So bleibt denn auch die Beziehung zwischen Depp und Jolie völlig leer - schon beim Kennenlernen schubst sie den Mathelulli einfach nur dumm umher ("Frank? Das ist ein schrecklicher Name"), und er läßt es sich wohl einfach nur deswegen gefallen, weil er sich ja sonst bewegen müßte. Ganz ehrlich, die beiden zusammen haben weniger Chemie als ein Naturkostladen.

So hangelt sich also THE TOURIST durch die ohnehin irrelevante Geschichte, ohne je aufzuregen - es gibt eine Verfolgungsjagd über die Dächer von Venedig (wo Komponist James Newton Howard glaubt, daß jetzt der große Jason-Bourne-Elektro-Streicher-Score gefragt ist), eine gemütliche Bootsverfolgungsjagd bei Nacht zu malerischen Aufnahmen nebliger Gassen, einen steif gefilmten Ball, und ein wenig Hin und Her mit Agent Paul Bettany, Interpol-Chef Timothy Dalton und Gangsterboß Steven Berkoff (der den Bösewicht mit mittlerweile fast doppelt so breitem Kopf als noch vor 26 Jahren in BEVERLY HILLS COP gibt), bei dem man sich immer freut, die guten Nebendarsteller zu sehen, und sich gleichzeitig wundert, warum der Film mit ihnen trotzdem nie punkten kann.

Nein, der TOURIST ist kein Totalausfall. Aber er ist eine Fehlkalkulation, die mit Aufwand und schönen Bildern nicht überzeugend darüber hinwegtäuschen kann, daß eigentlich nur gepflegte Langeweile inszeniert wird. Schade, Florian. Aber wenn du dich über die Reaktionen wunderst, dann frag doch noch mal Spielberg, was genau er dir nun eigentlich sagen wollte.

The Tourist (USA-Frankreich-Italien 2010)
Regie: Florian Henckel von Donnersmarck
Drehbuch: Florian Henckel von Donnersmarck, Christopher McQuarrie, Julian Fellowes
Musik: James Newton Howard
Kamera: John Seale
Darsteller: Angelina Jolie, Johnny Depp, Paul Bettany, Timothy Dalton, Steven Berkoff, Rufus Sewell, Christian De Sica
Länge: 103 Minuten
FSK: 12

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Space - Magic Fly (1977)

2011-05-16T15:07:00.003+02:00

Die französische Band Space wurde 1977 gegründet und wird einem schönen Subgenre zugerechnet, das in den späten Siebzigern dank generellem Interesse an Science Fiction (Nachwirkungen der Mondlandung 1969!) und besonderer Begeisterung über George Lucas' Sternenepos für kurze Zeit aufblühen konnte: Space Disco. Tanzbarer Kosmos sozusagen - Weltraum, Roboter, Raumschiffe, fremde Planeten, das ganze Paket.

Space war das Kind von Didier Marouani, der unter dem Pseudonym "Ecama" für die Kompositionen der Band zuständig war. Zusammen mit Roland Romanelli und Yannick Top (ex-Magma) nahm er das Album MAGIC FLY auf, das auch gleich mit dem Titeltrack ihren größten Hit beinhaltete: "Magic Fly" landete in Deutschland auf Platz #1 und verbrachte 32 Wochen in den Charts; auch in anderen Ländern war die instrumentale Single sehr beliebt. Ein pulsierender Disco-Beat, flirrende und kosmische Synthflächen darüber, ein futuristischer Touch, und eine simple Keyboard-Ohrwurm-Melodie, die gleichzeitig naives Staunen und leicht verlorene Melancholie über alles legt - "Magic Fly" ist ein wundervoller Flug durchs All, der gerne in Endlosschleife laufen könnte. Auch in den anderen Stücken wird der Kosmos besichtigt: "Ballad for Space Lovers", "Tango in Space".

Space nahmen noch zwei weitere Alben auf - DELIVERANCE, ebenfalls 1977, und JUST BLUE, 1979 - bevor sich Marouani dann mit Produzent Jean-Philippe Iliesco zerstritt. Die Gruppe veröffentlichte 1980 ohne Marouani noch ein viertes Album - DEEPER ZONE - und löste sich dann auf; Marouani, der den Namen "Space" nicht mehr verwenden konnte, brachte weitere Alben unter den Projektnamen Paris-France-Transit und, oh ja, Didier Marouani & Space heraus. Seine SPACE OPERA, 1987 als Zusammenarbeit des amerikanischen Harvard-University-Chors und des russischen Chors der Roten Armee aufgenommen, wurde mit auf die MIR genommen und war somit das erste Musikstück, das im Weltall gespielt wurde.

Hier das schöne Musikvideo zu "Magic Fly" - komplett mit Astronautenmontur, psychedelischen Flimmereffekten und - vergessen wir mal nicht das Entstehungsjahr! - exotischer Tänzerin. Wer der vierte Mann im Raumanzug ist, ist leider nicht eruierbar - eventuell Produzent Iliesco, aber die Credits des Albums schweigen sich abgesehen vom Hinweis auf Komponist "Ecama" beharrlich über die Identität der Kosmonauten aus.

Für die nahe Zukunft ist übrigens ein neues Space-Album mit dem Titel FROM EARTH TO MARS angekündigt!

Und hier noch ein Video eines Live-(Playback-)Auftritts in Italien. Vorne tanzt eine schöne blonde Frau im Glitzerkostüm, rundherum hüpft die Menge, und einer der Astronauten (Marouani selbst?) trägt unter dem Helm eine Sonnenbrille. Ich kann nur einen den YouTube-Kommentatoren zitieren: "Something's terribly wrong with you if you cannot appreciate this!"

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Trailer zu DIE MUSE!

2011-05-01T23:15:00.000+02:00

Ohne viel Aufhebens: Hier ist der Trailer zu meinem neuen Film DIE MUSE!

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Filmnotizen: Karate Kid / Inglorious Bastards

2011-04-28T23:56:00.002+02:00

KARATE KID (2010). Im Vorfeld hat ja alles irgendwie immer nur skeptischer gemacht: Wer braucht ein Remake des wunderbar gelungenen KARATE KID von 1984? Warum wird der Protagonist vom Teenager zum mehrere Jahre jüngeren Kind umgeschrieben? Warum muß der immer etwas zu alberne Jackie Chan den liebgewonnenen Mr. Miyagi (bzw. hier: Mr. Han) spielen? Und was wird Regisseur Harald Zwart beisteuern, der davor DER ROSAROTE PANTHER 2 inszenierte? Man kann weiß Gott nicht behaupten, daß man wirklich gespannt auf das Ergebnis gewesen wäre.

Und hier ist die Überraschung: Die 2010-Version von KARATE KID ist ein richtig guter Film geworden. Obwohl die Dramaturgie des Originalfilms komplett erhalten bleibt (und das soweit, daß teils Szenen 1:1 funktionieren), kriegt der Film mit der Änderung des Settings und seinem jüngeren Protagonisten eine eigene Note. Mutter und Kind ziehen ja hier nicht nach Kalifornien wie im Original, sondern nach China, wo ein schwarzer Junge von vornherein ein noch viel größerer Außenseiter ist und oft auch nicht einmal versteht, was die Menschen denn überhaupt zu ihm sagen. Jaden Smith - der schon in DAS STREBEN NACH GLÜCK beeindruckend natürlich gespielt hat - ist seiner Rolle absolut gewachsen und schafft es mühelos, einen 2½-Stunden-Film zu tragen. Jackie Chan blödelt nicht herum und gibt seiner Figur eine glaubwürdige Verschlossenheit, die nur gelegentlich für etwas trockenen Humor aufbricht. Und Zwart inszeniert die Geschichte liebevoll und sorgfältig, läßt sich Zeit für den Aufbau und präsentiert gleichsam untouristische Bilder von den Straßen von Peking und umwerfende Aufnahmen der chinesischen Landschaft.

Der schönste Moment passiert allerdings gleich am Anfang, bei der Einführung von Mr. Han: Er sitzt in seiner Wohnung und hält seine Eßstäbchen parat, während eine Fliege um ihn herumsaust. Und während man darauf wartet, daß er wie Miyagi im Original mit den Stäbchen nach der Fliege schnappt, haut er das Tier flugs mit der Fliegenklatsche platt.

INGLORIOUS BASTARDS (1978). Früher hieß der Film bei uns EIN HAUFEN VERWEGENER HUNDE, aber dann gefiel Quentin Tarantino dieses Kriegsscharmützel so gut, daß er die Remake-Rechte erworb, nur um den englischen Original-Titel verwenden zu können - und der prangt natürlich nun auch auf dieser schönen BluRay-Neuauflage. Ein Trupp von Deserteuren, Dieben und Verbrechern schlägt sich 1944 durch das von den Deutschen besetzte Frankreich und räumt auf dem Weg in die sichere Schweiz (Begründung: "Die Schweizer sind so schön blöd, und woanders ist ja überall Krieg") mit allerlei Nazigesocks auf. Dann treffen sie auf eine Gruppe Partisanen und müssen feststellen, daß der letzte Nazitrupp, den sie erledigt haben, eigentlich ein amerikanisches Spezialkommando war, das den Sprengkopf einer deutschen V2-Rakete aus einem Zug entwenden sollte - und da lassen sich unsere schießfreudigen Gesellen doch schnell überreden, für die ausgefallene Mannschaft einzuspringen.

Wirklich komplex verknüpft sind die einzelnen Handlungselemente hier nicht - da wird von Punkt A zu Punkt B weitermarschiert, und überall passiert etwas. Mal nehmen die Jungs einen deutschen Kriegsgefangenen mit (Raimund Harmstorf!), der ihnen Hilfe anbietet; dann ballern die Jungs einen üppigen Nazikonvoy zu Schrott; dann treffen sie ein paar nacktbadende Frauen, die beim Anblick des Schwarzen in der Truppe gleich die Maschinengewehre vom Truck holen und losschießen (ohne sich vorher etwas anzuziehen). Da gibt's also viel Action, aber nicht unbedingt viel Spannung, aber Regisseur Enzo G. Castellari erzählt das Kriegsabenteuer nicht nur handwerklich sauber und einigermaßen flott, sondern eben auch mit der Portion Pulp, die nicht nur Tarantino anspricht - seien es die barbusigen MG-Ladies oder Fred Williamsons markanter Schnauzbart beim flapsigen Männlichkeitsposieren: Unterhaltsam ist das nicht allzu ernst zu nehmende Prozedere durch die Bank. Und das durchaus spannende lange Finale mit dem Zug kann sogar mit einigen beeindruckenden Stunts und sehr gelungenen Aufnahmen aufwarten.

Das Aufregendste am Film ist aber die BluRay: Was für ein wunderbares Bild doch hier aus dem alten billigen Film herausgeholt wurde. Das Bild ist scharf und sauber und läßt das B-Movie fast so schön strahlen wie Darsteller Peter Hootens blaue Augen: So macht es Spaß, alte Filme (wieder) zu entdecken. Da gebe ich mich doch glatt Tagträumen darüber hin, daß alte italienische Kost von Lenzi bis Mattei, von Margheriti bis De Angelis so schön aufbereitet wird und mal nicht als verwaschene Billigsdorfer-DVD, sondern als sorgfältige HD-Version genossen werden kann ...

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Roger Eberts TED-Rede

2011-04-20T09:38:00.000+02:00

Filmkritiker Roger Ebert hat unlängst eine Rede bei der TED-Konferenz gehalten - eine Organisation, die als Plattform für die Präsentation von Ideen eintritt. Vor einigen Jahren hatte Ebert diverse Operationen infolge einer Krebserkrankung, die ihm seinen Kiefer gekostet haben und somit die Fähigkeit, zu sprechen. Die Rede hält Ebert mit Hilfe einer Computerstimme, seiner Frau Chaz und zwei weiteren Kollegen:

Die meisten Details über Eberts Erkrankung und seine Suche nach einer computerisierten Stimme dürften regelmäßigen Lesern seiner Website bekannt sein. Und dennoch macht einem die Rede seine Situation erst richtig klar und eröffnet eine tatsächliche Perspektive, wie uns die Technologie und das Internet tatsächlich eine Stimme geben. Und wie Ebert mit seiner Lage umgeht und was er darüber sagt - das ist der Triumph des menschlichen Geistes. Sehr berührend auch, den Umgang zwischen ihm und seiner Frau zu sehen - vor allem gegen Schluß, wo sie kurz mit den Tränen kämpfen muß.

Eberts Stimme ist und bleibt hörbar in allen seinen Texten zu Filmen und der Welt drumherum, egal, wie sehr man mit einzelnen Urteilen nicht einverstanden sein mag - er bleibt ein einzigartiger, unverkennbarer Autor, der es immer wieder schafft, neue Perspektiven zu eröffnen.

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Musiknews: Korn

2011-04-16T09:40:00.000+02:00

Korn bieten momentan ein neues mp3 zum Download auf ihrer Website an: Get Up. Der Track stammt von einer EP, die circa Mai erscheinen soll, und ist eine Zusammenarbeit mit Skrillex, dem Electronik-Project des ehemaligen From-First-to-Last-Frontmanns Sonny Moore.

Und was für ein Track! Die Gitarren donnern, die Synths flimmern und pulsieren aufgeregt, der Oszillator sägt durch alles durch, und nach einer schön melodiösen Bridge schreit Jonathan Davis im harten Refrain nur. Das dürfte eine wirklich spannende EP werden - und besonders freut mich, daß Korn nach ihrem (durchaus feinen) Rückzug in ihre Vergangenheit auf REMEMBER WHO YOU ARE wieder nach neuen Gegenden und Texturen suchen.

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Trailer zu RISE OF THE PLANET OF THE APES!

2011-04-14T15:49:00.001+02:00

Ich liebe die alte PLANET-DER-AFFEN-Filmreihe. Das Original ist ein veritabler Science-Fiction-Klassiker, aber auch die Fortsetzungen haben es geschafft, gesellschaftskritische Ideen neu und spannend zu verpacken. Ich mag sogar den fünften Teil, KAMPF UM DEN PLANET DER AFFEN, der eigentlich überflüssig ist, aber mit einer der schönsten Rechtfertigungen eines Bösewichts in der Filmgeschichte aufwarten kann (als er darauf hingewiesen wird, daß er mit seinen Aktionen einen langjährigen Frieden bricht, knurrt er nur: "Ja, der war ja auch so schrecklich langweilig").

Vermutlich, weil ich die Originale so sehr mag, habe ich mir Tim Burtons Remake von 2001 nie angesehen, und ich sperre mich eigentlich nicht großartig dagegen, aber es zieht mich auch wenig zu dem Film hin. Jetzt greift ein neuer Film den Stoff auf: RISE OF THE PLANET OF THE APES, eine Art Origin-Geschichte, die sich freilich mit dem schönen Zeitschleifen-Background von FLUCHT VOM PLANET DER AFFEN beißt (wo erläutert wird, daß die Affen auf unserem Planeten aus der Zukunft kommen, in der die Affen auf unserem Planeten leben) - aber trotzdem nach spannendem SciFi-Kino mit Genforschungsstory aussieht:

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Der Shot mit dem Affen, der den Schlafenden im Bett beobachtet, ist creepy. Und ebenso die letzte Einstellung mit der Großaufnahme des Affen mit dem so menschlichen Blick.

Neben James Franco und Andy Serkis spielen übrigens Brian Cox, John Lithgow und David Hewlett! Regie geführt hat ein Engländer namens Rupert Wyatt, den ich nicht kenne und der gerade einmal 5½ Jahre älter ist als ich ...

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R.I.P. Sidney Lumet (1924-2011)

2011-04-09T20:31:00.001+02:00

"It’s a wonderful way to spend your life", hat Sidney Lumet auf die Frage geantwortet, warum er Filme mache. Dasselbe kann man wohl antworten auf die Frage, warum man sich seine Filme ansehen muß.

Heute ist Lumet im Alter von 86 Jahren an einer Lymphknotenerkankung gestorben. Er hinterläßt über 40 Filme, darunter schwergewichtige Klassiker wie DIE 12 GESCHWORENEN (1957) - eines der spannendsten Kammerspiele der Filmgeschichte - DOG DAY AFTERNOON (1975) - mit Al Pacino in dem wohl tragisch fehlgeplantesten Banküberfall überhaupt - und NETWORK (1976) - Lumets bekanntester Film und ein bissig-zynisches Porträt darüber, wie das Fernsehen kaltblütig den Nervenzusammenbruch eines Moderators in klingelnden Profit ummünzt. Das Erstaunlichste an NETWORK ist vielleicht, daß der Film sich nach 35 Jahren immer noch aktuell anfühlt.

Viele seiner Filme waren reduziert - auf einen Raum beschränkt (DIE 12 GESCHWORENEN oder ein Großteil des knallharten Dramas SEIN LEBEN IN MEINER GEWALT mit Sean Connery), ohne Schnickschnack inszeniert (z.B. seine kürzlich hier besprochene Krankenhaussatire CRITICAL CARE), und auch gerne ohne auffällige Kamerafahrten und -einstellungen auf die Leinwand gebracht - und dabei doch mit dem Gespür eines Großmeisters durchkomponiert: Allein die Auflösung der 12 GESCHWORENEN ist ein genaues Studium wert. Und immer blickt er seinen Figuren dabei bis tief in die Seele hinein - mal witzig, mal boshaft gezeichnet, aber nie oberflächlich. Der große Paul Newman hat unter Lumet eine seiner besten Leistungen abgeliefert: THE VERDICT. Und da ist er nur einer unter vielen exzellenten Darstellern, die unter Lumet glänzen konnten.

Ich habe nicht alle seiner Filme gesehen - genaugenommen nicht mal die Hälfte. Es fehlen noch weitere Klassiker, wie SERPICO, oder auch sein letzter, TÖDLICHE ENTSCHEIDUNG, für den er endlich den Regieoscar bekam, nach vier Nominierungen und einem Ehrenoscar für das Lebenswerk, der ja üblicherweise das Schlußlicht setzt. Aber eigentlich ist es toll, daß ich so viele seiner Filme noch nicht kenne: Es bedeutet, daß ich noch viel Lumet entdecken kann. It's a wonderful way to spend your life.

Heute abend aber schaue ich wieder DIE 12 GESCHWORENEN.

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Filmnotizen: From Paris with Love / Transformers: Die Rache

2011-03-28T00:06:00.001+02:00

Der brave Agent Jonathan Rhys Meyers geleitet die Naturgewalt John Travolta auf der Jagd nach Rauschgifthändlern und Terroristen durch Paris. So einfach ist das, und wenn Travolta mit Glatze und fiesem Bart durch den Film walzt, mit zynischen Sprüchen und gnadenloser Gewalt Menschenleben im Sekundentakt auspustet und der Film uns das Prozedere als Buddy Movie präsentiert, dann kann man wohl kaum anders, als von einer "guilty pleasure" zu sprechen. Natürlich ist FROM PARIS WITH LOVE brutal, kalt, proletenhaft und in seiner Gewalt so reaktionär wie seinerzeit die gröbsten Krawallfilme von Chuck Norris und Konsorten - die bösen Jungs, allesamt Ausländerpack und zur Sicherheit der Welt lieber gleich erschossen als sichergestellt, erhalten hier noch nicht einmal die Güte, irgendwie als Figuren vorgestellt zu werden, bevor sie dem Aufräumkommando Travolta als Kanonenfutter dienen dürfen. Aber meine Güte, Film ist keine Realität, und ein Actionspektakel wie FROM PARIS WITH LOVE gibt nicht mal vor, eine solche überhaupt abzubilden - wozu also moralische Anfälle kriegen? Dafür produziert der Trip zuviel Adrenalin, dafür macht Travolta, der sich ja schon immer in den fiesen und widerlichen Rollen am wohligsten ausbreitete, in seiner lässigen Brutaloshow einfach zu viel Spaß. Und hey, er darf sogar einen "Royale with cheese" verzehren und dabei lächeln.

So eine Überraschung - TRANSFORMERS 2 ist noch lauter und alberner als sein Vorgänger, der ja nun auch schon kaum auf leisen und subtilen Sohlen dahergeschlichen kam. Der Film ist gerade fünf Minuten aus und ich habe schon Schwierigkeiten, die Handlung gezielt wiederzugeben - es reicht wohl zu sagen, daß die Decepticons wieder angreifen, Megatron wiedererweckt wird, und die Autobots den guten Shia LaBeouf beschützen wollen, der plötzlich mysteriöse Transformers-Runen in seinem Kopf gespeichert hat. Das führt irgendwie dazu, daß dann das US-Militär in malerischen Bildern anrückt und halb Ägypten in die Steinzeit zurückbombt - aber zum Glück sind die Ägypter gerade gar nicht da, weswegen Soldaten und Blechbots ungestört Dörfer, Pyramiden und die Sinne des Zusehers in orgiastischer Freude zu Staub zermahlen können. Inmitten des Spektakels leckt die Kamera beständig an der scheinbar einem völlig anderen Genre entliehenen Megan Fox auf und ab, die schon in ihrer ersten Szene in Pinup-Pose auf dem Motorrad hockt, mit halbgeöffnetem Mund und einer Hose, die oben wie unten - Entschuldigung - nur unwesentlich vor der Schamlippe endet.

Mittlerweile hat ja selbst Regisseur Michael Bay zu Protokoll gegeben, daß er von seiner Fortsetzung enttäuscht sei - Schuld sei der Autorenstreik, der nur drei Wochen für die Entwicklung des Skripts ließ. Ich kann Michael beruhigen: Ich könnte mir keine Autorenarbeit der Welt vorstellen, die diese zweieinhalb Stunden Rumms nachhaltig verändert hätte. Wenn zwischen ausufernder Materialschlacht, einem zappeligen John Turturro und der aufblasbaren Porno-Fox noch Zeit bleibt für eine Mythologisierung der Transformers-Ursprünge mitsamt übersinnlicher Erscheinung der großen alten Ur-Blechmänner, dann ist doch alles glänzend im Bay-Land. Das kann man, wie fast alle Kritiker, als Affront gegen den Verstand und die feine Kunst der Kinematographie sehen. Man kann aber auch mal fünf gerade sein lassen und bei diesem krawalligen Zauberkasten seinen Spaß haben - das Vergnügen liegt definitiv auf gleicher Ebene wie beim nicht minder spektakulösen und ganz und gar inhaltsfreien Erstling. Ich bin jedenfalls gerüstet für Teil 3.

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Musiknews: Guns n'Roses, Bootsy Collins, 3 Doors Down, Sunna, She Wants Revenge

2011-03-25T18:00:00.001+01:00

Der momentane Guns n'Roses-Gitarrist D.J. Ashba hat sich schon letzten November über ein neues Album geäußert: "We're talking about that right now. We've been throwing around a bunch of ideas and it should be good, man. We've got a lot of good stuff on the plate coming out. It won't take as long, I promise." (Quelle: hier.) Keinen Streß, Jungs! Selbst wenn das Album 2023 herauskommt, wäre das immer noch schneller als beim letzten.

Bootsy Collins veröffentlicht am 29. April ein neues Album mit dem Titel THA FUNK CAPITAL OF THE WORLD. Gäste auf dem Album: Ice Cube, Snoop Dogg, Chuck D, George Clinton, Buckethead, Bobby Womack, Sheila E., Samuel L. Jackson (!), und und und, und irgendwie hat's selbst Jimi Hendrix geschafft, als Gast gefeatured zu werden. Einen ersten Track ("Don't Take My Funk", mit Womack und Bootsys Bruder Catfish Collins) kann man bei Rolling Stone streamen: hier. Klingt gut!

Am 12. April kommt das fünfte Album von 3 Doors Down heraus: TIME OF MY LIFE. Die erste Single ("When You're Young") kann man schon hier hören. "It's not as mainstream as our last record. I felt like we kind of let some folks down with that effort. This record is about making some artistic strides and creating a record we can stand behind. I poured myself into the process. Howard Benson pushes you to be better than you think you are," spricht Frontmann Brad Arnold laut Wikipedia über das Album. Geht das nur mir so, oder klingen 3 Doors Down, wenn sie weniger Mainstream machen, exakt genauso wie sonst auch? Aber vielleicht ist ja der Rest des (sicher wieder soliden) Albums unter der Führung des Zwölftonproduzenten Benson (der schon die musikalische Avantgarde von Daughtry bis Papa Roach betreute) schwer unkommerziell. Hihi.

Kaum legt sich die Verblüffung, daß Sunna wieder existieren und ein (sehr feines) zweites Album aufgenommen haben, wird schon ein drittes für die nahe Zukunft angekündigt: AFTER THE 3RD PIN heißt es, und die Jungs haben sogar schon Cover und Tracklist bekanntgegeben (hier) ... nur her damit!

Das dritte Album von She Wants Revenge, VALLEYHEART, ist für ca. Mai angekündigt. Die erste Single mit Video gibt's schon auf YouTube zu sehen (siehe unten) - Justin klingt irgendwie plötzlich sehr nach U2, muß ich sagen. Kein schlechter Song, aber irgendwie ... hmm ... muß ich erstmal sortieren, daß das gar nicht nach den vorigen zwei Alben klingt.

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BluRay/DVD-News: Apocalypse Now, Excalibur, Ein Zug für zwei Halunken!

2011-03-07T15:27:00.000+01:00

Yesss! Die vor kurzem in Amerika veröffentlichte 3-Disc-BluRay-Fassung von APOCALYPSE NOW erscheint am 9. Juni nun endlich auch bei uns. In den Staaten war Coppolas brillianter Trip ja schon seit langem viel luxuriöser aufbereitet als bei uns - dort gab es beide Fassungen (die Kinofassung und die sehr interessante Redux-Fassung, die aber den Erzählrhythmus teils empfindlich stört) mitsamt Audiokommentaren und anderem Behind-the-Scenes-Material; bei uns war die Originalfassung schon lang vergriffen und die Redux-Fassung hatte als einziges Feature das sogenannte "alternative Ende". Die BluRay-Fassung wartet nun nicht nur mit exzellentem Transfer und tonnenweise Bonusmaterial auf, sondern auch mit George Hickenloopers spielfilmlanger Doku HEARTS OF DARKNESS - will heißen: Wer bei der Ankündigung dieser BluRay-Box nicht aufgeregt aus dem Sessel springt, mag einfach kein Kino. So einfach ist das.

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Am 18. März erscheint John Boormans EXCALIBUR auf BluRay - und diese wunderbare Erzählung der Arthus-Sage ist so bildgewaltig und schwelgerisch inszeniert, daß ich glaube, daß die BluRay den Film zu einem völlig neuen Erlebnis machen wird. Leider ist's wieder nur der 140-Minuten-Cut des Films (angeblich war Boormans ursprüngliche und nie veröffentlichte Fassung drei Stunden lang), aber vielleicht haben wir ja Glück und es wird wenigstens sein Audiokommentar der amerikanischen DVD-Fassung übernommen. Und wenn nicht, wird die BluRay trotzdem gekauft: Definitiv einer meiner Lieblingsfilme.

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Es gibt so Filme, von denen glaubt man irgendwann gar nicht mehr, daß sie noch auf DVD erscheinen - und auch wenn DVD eigentlich schon gar nicht mehr zeitgemäß ist und ein BluRay-Release dieses Film noch fantastischer wäre, ist es doch wunderbar, daß endlich EIN ZUG FÜR ZWEI HALUNKEN bei uns erhältlich ist. Robert Aldrichs exzellentes Actiondrama von 1973 spielt zur Zeit der Depression und dreht sich um den sadistischen Zugführer Shack (Ernest Borgnine), der die schwarz auf seinem Zug mitfahrenden Hobos bis aufs Blut bekämpft und dann vom herumziehenden Lee Marvin herausgefordert wird. Das Zeitkolorit und die wunderbare Landschaft setzen ein grandioses Flair, und Marvins und Borgnines Kampf über die gesamte Filmlänge hinweg bleibt ein spannendes und erbittertes Westernduell. Der deutsche Titel deutet ein wenig an, daß der Film vielleicht albern wäre - aber die Bud-Spencer-Assoziation ist ganz falsch: Das hier ist ein uramerikanischer Kampf bis aufs Blut. (Im Original heißt der Film EMPEROR OF THE NORTH bzw. EMPEROR OF THE NORTH POLE.) Die DVD von Kochmedia wartet unglaublicherweise sogar mit dem Audiokommentar eines Filmhistorikers, einem 7-minütigen Making-of-Clip sowie einem 28-seitigen Booklet auf! Und wunderbar restauriert ist der Film offenbar auch. Also: sofort bestellen und die liebevolle Veröffentlichung honorieren!

Hier gleich noch ein paar Poster und Bilder aus dem Film:

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... und sowas muß um 8 ins Bett (1965)

2011-03-06T11:17:00.001+01:00

Zum Glück muß unsereins nicht schon um acht ins Bett, weshalb dieser Film gestern als zweiter Teil der großen Peter-Alexander-Nacht auf BR3 aufmerksam studiert werden konnte (nach DIE ABENTEUER DES GRAFEN BOBBY, vor IM WEISSEN RÖSSL). UND SOWAS MUSS UM 8 INS BETT kam 1965 ins Kino, präsentierte sich in altmodischem (und wohl billigerem) Schwarz-Weiß und führt den guten Peter durch ein Schulspektakel, das als Aufwärmrunde für die spätere Reihe DIE LÜMMEL VON DER ERSTEN BANK verstanden werden darf. Alles unter inszenatorischer Aufsicht von Werner Jacobs, der zuvor schon diverse Alexander-Filme und andere Schlagerlustspiele, zum Beispiel mit Freddy Quinn, drehte und später das Kinopublikum mit Heintje, "Lausbubengeschichten", Heinz-Erhardt-Streifen und natürlich den erwähnten Paukerfilmen ... was wäre hier das richtige Wort? ah ja: ... verzauberte.

Dr. Frank (Peter Alexander), leicht verschrobener Biologielehrer an einer Jungenschule, wird hier unversehens an ein reines Mädcheninternat versetzt, wo er die teuflische Oberprima in den Griff bekommen soll, die immerhin schon vier Klassenlehrerinnen verschlissen hat und keinerlei Anstalten macht, sich um das drohende Abitur zu kümmern. Dr. Frank ist leider etwas tolpatschig und hat nicht viel Erfahrung mit Frauen, weshalb es auch eine Zeitlang braucht, bis er dem Sauhaufen sowie dem rein weiblichen Lehrkörper mit, wie er anfangs postuliert, "Liebe und Zuneigung" beikommen kann.

Und was für ein Haufen unreifer Gören sitzt da! Allesamt sehen sie natürlich aus wie mindestens 25, kichern keck durch den Unterricht hindurch und verschrecken noch gleich am Anfang des Films die arme Rosl Mayr, der sie mit einer Fliegenfänger-Apparatur die Perücke vom Haupt ziehen. Als Dr. Frank anrückt, fällt die Direktorin gerade dem alten Scherz zum Opfer, bei dem unter der vordersten Bankreihe eine Reihe von Haarfönen installiert ist, die der netten Frau Direx den Rock hochwehen. Unser tapferer Peter will ihr sogleich zu Hilfe eilen und die Geräte beseitigen, woraufhin er massiv unter Strom gesetzt wird. Wenigstens übersteht er den Streich mit den hunderten von Regenwürmern in seiner Schublade, über die er sich als passionierter Angler und eifriger Biologielehrer natürlich sehr freut.

Daß die Klasse derart schwierig ist, könnte auch daran liegen, daß die pädagogischen Maßnahmen des Lehrkörpers eher gering ausfallen. Natürlich sind sämtliche der spießigen Paukerinnen heillos überfordert und geraten bei jedem Streich schwer aus der Fassung – wie ja auch später bei DIE LÜMMEL VON DER ERSTEN BANK. Frau Direktorin darf auch ein- oder zweimal panisch die Arme hochreißen und prompt in Ohnmacht fallen – beispielsweise dann, wenn sich die jungen Damen beim Sportunterricht ihre Trainingsanzüge ausziehen und in ihrer Unterwäsche durch die Gegend joggen. Wenn Peter Alexander nicht so kreuzbrav wäre, hätte er an dem Streich wohl mehr Freude.

Vergessen wir mal nicht die nette junge Sportlehrerin (die aus einem unerfindlichen Grund nie unterrichtend gezeigt wird, nicht einmal beim Sportunterricht, den ja offenbar auch Dr. Frank veranstalten muß), die unser Peter schon bei der Anreise zum Internat kennengelernt hat, als er morgens aus dem Wohnwagen ausgestiegen und sein Kumpel Dr. Gunther Philipp dann einfach ohne ihn weitergefahren ist – da wurde der liebe Peter mit Regenschirm und Sträflingsschlafanzug an der Autobahn nämlich von einer freundlichen Frau mit einem Motorroller mitgenommen, die sich später als Pädagogin an eben jenem Internat entpuppt. Sie gibt Peter dann den gut gemeinten Rat, sich doch einmal mehr mit der Psychologie der Frauen auseinanderzusetzen, weshalb Peter dann diverse Ratgeber wälzt und ein schönes Lied dazu vorträgt: "Eine Frau ist stets das, was der Mann aus ihr macht". Alice Schwarzer dreht sich dabei sicherlich schon zu Lebzeiten präventiv im Grabe um.

Natürlich gibt es Komplikationen. Gitte Haenning, die Anführerin der frechen Mädchen und eine waschechte Prinzessin, verguckt sich in Peter, weshalb sie in einer Traumsequenz "Gib mir Unterricht in Liebe" mit ihm zusammen singen darf. Dabei ist Gitte, die ein wenig so redet, als wäre sie 12, und den Haarschnitt "Trockenhaube" mit dem Hutmodell "Saftpresse" verbindet, ansonsten gar nicht lieb und schreibt in Zusammenarbeit mit der restlichen Klasse fingierte Liebesbriefe an Peter, der wiederum glaubt, daß diese Briefe von der von ihm angebeteten Sportlehrerin stammen. Peter singt daher einmal ergriffen "Schenk mir ein Bild von dir", überläßt dann aber großzügig die Bühne für zwei Darbietungen von Gitte: "Ich sag ja zu der Liebe" und "Come Back – Komm zurück zu mir". Schmacht, hust.

Weil Dr. Frank die Mädels irgendwann in einem Anflug pädagogischen Eifers als Strafe für einen Streich eine Woche lang um acht ins Bett schickt (und ihr habt sicherlich geglaubt, der Titel hätte gar nichts mit dem Film zu tun!), büxen die Gören aus und besuchen einen Tanzschuppen, wo sie schwofen dürfen und Gitte die obengenannten Nummern zu Gehör bringen darf, bevor Peter sie erbost wieder einkassiert. Dabei werden dummerweise Photos von ihm und Gitte geschossen, die sofort in der Zeitung landen, und prompt reist Hofrat Rudolf Vogel an, der sich freilich besorgt darüber zeigt, daß die Prinzessin in einen Skandal verwickelt zu sein scheint.

Gitte versucht, das vermeintliche Lehrer-Schülerin-Verhältnis rasch aufzuklären: "Er liebt mich nicht", erklärt sie dem Hofrat mit Schmollmund, worauf der meint: "Das spricht für ihn", und man merkt, daß er sich dabei bemühen mußte, nicht mit den Augen zu rollen. Dr. Frank wird gefeuert, die Prinzessin soll sofort nach Hause gebracht werden, aber dann trifft sich die Sportlehrerin mit dem Hofrat zu einer Unterredung. Sie erklärt ihm, daß sie Dr. Frank nämlich so sehr liebt, daß sie es nie zulassen würde, daß er ihr von einer anderen Frau weggeschnappt werden könnte. "Sie sind eine tapfere kleine Bürgerin", spricht Rudolf Vogel und setzt dazu einen Gesichtsausdruck auf, als würde er sich gerade vorstellen, daß er als Alternative selber Peter Alexander heiraten müßte.

Somit bleibt also Dr. Frank an der Schule, aber dann wollen die Mädels, die freilich mittlerweile allesamt den guten Knaben ins Herz geschlossen haben und gegen seine Entlassung protestiert haben, ihren Streich mit den fingierten Liebesbriefen wiedergutmachen und schicken einen letzten Abschiedsbrief. Peter ist schwer getroffen von der Nachricht und besäuft sich zusammen mit Zahnarztfreund Gunther Philipp, der dann in einer langen Sequenz mit ihm "Schick die Weiber auf den Mond" singt: "Ein Mann kam in die Küche / Er wollt sein Abendbrot / Seine Frau war vor dem Fernsehen / Er starb den Hungertod". Das Zusammenspiel der beiden Kasperl mitsamt all den bescheuerten Wortwitzen, dem besoffenem Torkeln und eifrigem Herumalbern allein ist so wundervoll beknackt, daß sich der Film schon für diese zehn Minuten lohnt.

Aber ob es ein Happy End gibt und sich Dr. Frank und die Sportlehrerin doch noch kriegen, verrate ich jetzt nicht. Ätsch.

Weil's so schön ist, hier die Sequenz mit Peter und Gunther (leider nur das Lied, das Geblödel vorne und hinten fehlt):

... und sowas muß um 8 ins Bett (Deutschland/Österreich 1965)
Regie: Werner Jacobs
Drehbuch: Janne Furch, Eckart Hachfeld
Kamera: Sepp Ketterer
Musik: Johannes Fehring
Darsteller: Peter Alexander, Gitte Haenning, Ingeborg Schöner, Marianne Schönauer, Gunther Philipp, Rosl Mayr, Raoul Retzer

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